«ГЭС-2» — новая площадка современного искусства в России. Дом культуры находится на Болотной набережной на месте бывшей московской электростанции. Почему именно «дом культуры»? В центре внимания музея исторически ценный объект, а «в фокусе «ГЭС-2» должны быть люди», — говорит Тереза Мавика, главный идеолог проекта. Для создателей важен контакт с публикой, непрерывное взаимодействие и совместное создание культуры.
«Наша задача сделать так, чтобы люди воспринимали искусство не как чужеродную практику, а как шанс больше понять себя и других», — так Тереза отвечает на вопрос о восприятии публикой современного искусства
«ГЭС-2» стал первой площадкой фонда современного искусства V-A-C в Москве, сам фонд был основан в 2009 году Леонидом Михельсоном и Терезой Мавикой. V-A-C также имеет территорию палаццо на набережной Дзаттере, в Венеции. Там европейской публике рассказывают историю России — страны балета, музыки и художников.
Макет главного пространства «ГЭС-2» (источник: Аpex)
Реконструкция электростанции по проекту архитектора Ренцо Пьяно, автора центра Помпиду, началась еще в 2014 году. Ярко-синие трубы стали символом здания, поэтому именно они привлекли внимание жителей района Якиманки и Полянки. В группе на Facebook «Соседи. Якиманка, Полянка, Замоскворечье» участники высказывают свое недовольство: «Когда ГЭС откроют, жить тут будет невозможно из-за мероприятий, музыки, песен и фейерверков под окнами», «Ядрено-синий цвет чистоты воздуху не добавляет».
Ярко-синие трубы «ГЭС-2» (источник: The Village)
До реконструкции трубы были сделаны из красного кирпича и использовались для выведения вредных веществ из здания, теперь они стали системой фильтрации: забирают из атмосферы воздух, очищают его и подают внутрь. Такой механизм помогает поддерживать температуру и влажность, подходящую для хранения произведений искусства.
На крышах установлены солнечные батареи, предусмотрена система сбора дождевой и талой воды для орошения лужайки и технических нужд. При этом архитекторы постарались сохранить изначальный облик электростанции: такие старые элементы, как своды, стали мастерскими для художников, фотографов, скульпторов, музыкантов и танцоров. Пекарни, кафе, книжный магазин, ресторан с авторской кухней, выставочный и концертный залы, березовая роща и зеленая лужайка, где можно позаниматься йогой или просто почитать — все это «ГЭС-2».
Берёзовая роща и лужайка у дома культуры (источник: The Art Newspaper Russia)
Несмотря на разнообразные отзывы о самом «ГЭС-2», пиар-кампания прошла не совсем успешно. Неоднозначную и бурную реакцию вызвала скульптура Урса Фишера «Большая глина №4». Она расположилась на Болотной набережной перед зданием дома культуры в августе 2021 года, став пиар-ходом будущей площадки современного искусства. Максим Галкин в своем Инстаграмм отметил, что арт-объект похож на «12-метровую стопку не очень аккуратного дерьма», его поддержало множество россиян в твиттере.
Комментарии россиян о статуе «Большая Глина №4» (источник: Твиттер)
Однако помимо основателей фонда V-A-C, нашлись защитники статуи: директор музея «Гараж», Антон Белов и редактор «The Art Newspaper Russia» Милена Орлова считают, что современное искусство должно вызывать дискуссию.
Болотная набережная со стороны Якиманской набережной и Патриаршего моста через Обводной канал (источник: Esquire)
Открытие «ГЭС-2» состоится 4 декабря 2021 года, по идее создателей, именно это место изменит отношение людей к современному искусству, а значит и к окружающему миру.
С наступлением осени зачастую приходит легкая грусть и апатия. По статистике, в осеннее время года каждый второй человек может пребывать в состоянии легкой депрессии или по-другому хандры. В этот период серых будней и дистанционки поднять настроение можно с помощью просмотра фильмов. Однако можно ли с их помощью вылечиться?
Кино скрасит унылый осенний вечер (источник: Istockphoto.com)
Как кино может лечить
Во время просмотра фильма зритель очень часто ассоциирует себя с главным героем и замечает схожесть между ситуациями из своей жизни и трудностями персонажа. Из-за этого возникает сопереживание к действующим лицам. Таким образом, тактика поведения, которой придерживается герой фильма, может вдохновить зрителя и подтолкнуть к решению собственных проблем. Это и называется кинотерапией.
Кинотерапия (фильмотерапия) — это направление психотерапии, в котором фильмы используются в качестве лекарства. Кино снижает уровень тревоги и помогает человеку найти ответы на волнующие вопросы.
История возникновения кинотерапии
На всех этапах существования кинематографии создатели фильмов искали методы удержания зрительского внимания. Отсюда возникал интерес к изучению психики человека и методов воздействия на нее через цветокоррекцию, звук, монтаж и другие творческие механизмы кино.
Реакцию зрителей на просмотренные кинокартины активно начали изучать с начала 50-х годов. Исследовалось как индивидуальное, так и групповое восприятие фильмов в совокупности с психологическими процессами, которые могут возникнуть во время просмотра.
Первая публикация о кинотерапии вышла в 1951 году. Это была статья М. Прадоса «Использование фильмов в психотерапии».
Как же наше сознание реагирует на кинофильмы? (источник: Vuzopedia.ru)
Основные методы кинотерапии
«Синемалогия» Антонио Менегетти: фильмы можно использовать для анализа людей
Первую книгу по кинотерапии написал Антонио Менегетти. Однажды во время коллективного обсуждения фильма психолог заметил последовательную связь между комплексами участников и мнениями, которых они придерживались. Это и послужило отправной точкой к открытию терапевтического метода, который автор назвал синемалогией.
Автор считает, что по реакции пациента на просмотренный фильм, можно сделать существенные выводы не только о самом человеке, но и о его психологических особенностях.
«Цель синемалогии состоит не в обучении или критическом разборе режиссерской работы, а в использовании фильма для анализа людей, переживающих эти образы: зритель эмоционально соучаствует именно в том, что его идентифицирует», — писал Менегетти в своей книге «Кино. Театр. Бессознательное».
Киноленты часто заставляют зрителей испытывать сильные эмоции (источник: Bigstockphoto.com)
Кинотерапия Гари Соломона: фильмы делают наши проблемы очевидными
Американский невролог Гарри Соломон проверил эффективность кинотерапии на своем опыте. Во взрослом возрасте он обанкротился, пристрастился к алкоголю и наркотикам, но вытащил себя из этого состояния благодаря фильмам.
Однако активно использовать фильмы в качестве терапии доктор начал после одной ситуации, которая случилась с ним на работе. История жизни одной пациентки напомнила Соломону фильм, поэтому он порекомендовал ей ознакомиться с кинокартиной. Практика произвела на женщину неизгладимое впечатление и помогла справиться с проблемой.
Соломон выявил, что кинотерапия эффективнее, если подбирать фильмы, в которых пациенты могут узнать себя. Это помогает людям осознать проблемы, о которых они не желали слышать.
Сильнее сопереживаешь тому, с кем похож (источник: Kinorium.com)
Кинойога Тэва Спаркса: фильмы, как GPS— навигатор к самопознанию
Психолог Тэв Спаркс также верит в исцеляющую силу кино. В своей книге «Кинойога» автор объяснил, как работает кинотерапия. Каждый человек обладает внутренней силой, которая выражается в его реакциях на окружающий мир. Поэтому задача пациента — научиться контролировать свои эмоции и перестать быть жертвой того, что происходит вокруг.
Просмотр кино автор рассматривает как процесс самопознания, в ходе которого, как и на приеме у психотерапевта, происходит работа человека над собой. Однако преимущество кинотерапии как метода исцеления в том, что фильм позволяет человеку познавать себя в развлекательно-игровой форме. Интересный факт: в своей книге Спаркс подробно описывает как происходит кинойога на примере работы навигационной системы.
Режиссируемая фильмотерапия Сергея Красина: значимость фильмотерапевтов
Сергей Красин, доктор философии и психолог, долгое время разрабатывал тренинговые программы кинотерапевтического направления для педагогов, родителей и учащихся школ. В ходе работы автор убедился в том, что лечение фильмами может быть более эффективным, если предварительно психологически настраивать пациентов на просмотр кинокартины и вести обсуждения после. Так началась история создания метода Сергея Красина. Автор подразделил кинотерапию на три одинаково значимых этапа: работу с фильмотерапевтом до, во время и после просмотра фильма. Задача терапевта — помочь пациенту морально настроиться на осознанный просмотр кино, чтобы получить новую информацию о себе и своих трудностях.
Кинотерапия может помочь человеку справиться со своими трудностями самостоятельно без вмешательства психологов и психотерапевтов. При этом стоит помнить, что при серьезных случаях заболевания этим методом лучше пользоваться строго под наблюдением специалиста.
«Игра в кальмара» — новая корейская дорама, которая возглавила топ Netflix всего за несколько дней. По сюжету бедствующим жителям Южной Кореи предлагается сыграть в детские игры, чтобы заработать крупную сумму денег. Каждого «выбывшего» игрока убивают, но об этом участники узнают только после начала первого раунда.
В социальных сетях сразу же принялись обсуждать корейский сериал. Так, пользователей Твиттера возмутила схожесть «Игры в кальмара» с экранизацией книги американской писательницы Сьюзен Коллинз.
Я, конечно, шутила, что игра в кальмара похожа на голодные игры, но я и не подозревала насколько сильно.
— я не сокрушенная, я сокрушение (@lutece_deux) October 10, 2021
«Голодные игры» — серия фильмов режиссера Гэри Росса, состоящая из четырех частей. Деспотичное государство ежегодно устраивает показательные игры на выживание. Казалось бы, всё сходится: и «Голодные игры», и «Игра в кальмара» — смертельные испытания, победителем в которых может стать только единственный выживший. Однако не всё так просто: вселенные, хоть и имеют одну тематическую направленность, всё же сильно различаются между собой.
Как герои узнают об играх?
Организаторы предлагают сыграть героям в ттакджи (Источник: Netflix)
В дораме организаторы испытаний находят людей, которые оказались в трудном финансовом положении, и предлагают для начала сыграть в игру Ттакджи. Проигравший каждого тура должен отдать победителю сто тысяч корейских вон (около 6 тысяч рублей — прим. ред.). Если у героя нет денег, он может расплатиться за проигрыш пощечиной — стоимость одного удара равна сумме выигрыша. В конце концов, организаторы оставляют визитную карточку с загадочной фразой «позвоните, если захотите сыграть во что-то большее». Герои не знают, с чем им предстоит столкнуться, но от нищеты и безысходности набирают нужный номер. Они сами решают принять участие в испытании и даже могут его покинуть. По условиям договора, если большинство проголосует за отмену игр, всех отпустят домой. Правда, все деньги в этом случае отправятся в семьи погибших участников.
В «Голодных играх» всё не так: жители вымышленного государства Панем знают об играх почти с рождения. Испытания на выживание — наказание за восстание, которое произошло 74 года назад. Каждый год во время торжественной жатвы выбирается 12 юношей и 12 девушек в возрасте от 12 до 18 лет — по паре из каждого города-дистрикта. В некоторый местах, например, в первом и третьем дистриктах, к играм готовятся намеренно. Вся молодежь усиленно тренируется, чтобы однажды победить.
Кто наблюдает за играми?
В «Игре в кальмара» об испытаниях не знает практически никто. Все проходит в условиях строгой анонимности: каждый организатор носит маску и красный костюм, а ведущий полностью облачен в чёрное. При этом есть несколько богачей, которым разрешается смотреть на финальные испытания — в сериале их называют «випами». Они носят золотые маски в форме животных. В последней серии выясняется, что випы — создатели игры. Это значит, что, кроме них, организаторов и участников, о существовании смертельной схватки никто не знает.
Мир «Игры в кальмара» закрыт от масс (Источник: Netflix)
В серии фильмов Гэри Росса об играх знает вся страна: их транслируют в каждом уголке Панема, о них говорят, их обсуждают. Богатые жители столицы делают ставки на игроков. Некоторые становятся спонсорами и помогают участникам на поле: за большие деньги отправляют лекарства, еду и средства для выживания. Например, в первом фильме главные герои получают заживляющую мазь и лечебный суп, а во втором — устройство, с помощью которого можно извлечь сок из деревьев.
Где проходят испытания?
И в «Игре в кальмара», и в «Голодных играх» участники соревнуются в специально оборудованных местах. Вот только в дораме это современное здание, в котором есть кровати и трехразовое питание, а в фильмах Росса — арена, оформленная под реальные природные условия. Это может быть лес, как в первой части, или джунгли с песчаным пляжем, как во второй.
В дораме испытания проходят в специально оборудованных комнатах (Источник: Netflix)
В «Игре в кальмара» испытания проходят в разных помещениях, которые обставлены специально под определенный тип соревнований. Локации повторяются всего два раза: на первой и последней игре. Герои не могут этого не заметить:
— Узнаешь место? Здесь мы играли в «Тише едешь — дальше будешь». Здесь всё началось, и здесь всё закончится, — говорит один из финалистов испытания
В «Голодных играх» арена выглядит как простая открытая местность — на деле же это сложный механизм, которым управляют лучшие умы Капитолия. Они могут с легкостью устроить участникам дождь или лесной пожар, создать опасных ос-убийц или голодных псов-людоедов.
В «Голодных играх» арену создают и контролируют организаторы (Источник: КиноПоиск)
Главное отличие — посыл
Цель «Голодных игр» — показать, что деспотам и тиранам не место у власти. Людей невозможно вечно держать в страхе, заставляя убивать друг друга ради чьей-то забавы. Каждый игрок может стать звеном революции, которая свергнет устоявшийся режим насилия. У «Игры в кальмара» немного другой посыл: бедные и отчаянные готовы на всё, чтобы исправить свое положение. Убивать других или умереть самому — не столь сложный выбор, когда тебе нечего терять, но есть что обрести.
А что в итоге?
«Голодные игры» и «Игра в кальмара» — разные вселенные, в которых действуют разные законы. Если Панем — выдуманное антиутопическое государство, то локации дорамы — реальные города, улицы, платформы и магазины. «Игры» объединяет тема смертельного испытания, в котором может быть один победитель, но идея, посыл и наполнение у них разное. В серии фильмов Росса персонажи отстаивают право жить свободно, без жестоких правителей и пугающих игр. В это же время авторы дорамы будто бы спрашивают зрителя: вдруг однажды и ты согласишься сыграть?
В сентябре облик Парижа преобразила последняя работа художника концептуалиста Христо. Триумфальная арка на площади Шарля Де Голля в Париже скрылась под метрами ткани. В таком виде она пробыла до 3 октября 2021 года. Сам мастер не увидит результата своих трудов, так как Христо Явачев умер в 2020 году.
Триумфальную арку обернули в ткань по проекту Христо (Источник: France.24)
Христо Явачев был известен своей любовью «упаковывать» разные вещи в ткань. Ему удалось завернуть почти всё: от банок и телефонов до целых зданий и островов. Концепцию Empaquetage (ампакетаж — упаковка) изобрёл сам Христо ещё в 60-х годах. Именно она принесла ему мировую известность. Заниматься ампакетажем он начал с женой Жанной Клод. Сперва они упаковывали мелкие предметы, позже занялись завёртыванием островов и зданий.
Направление, в котором последние годы работали именитые художники, называется лэнд-арт. В основе него лежит работа с ландшафтом и использование природы на благо искусства. Примеров таких работ много. Так, в 1970 году Роберт Смитсон построил на берегу Большого Солёного озера огромную спираль, состоящую из грязи и соли, а в Аргентине владелец фермы высадил на своём поле деревья в форме гитары в память о жене.
Несмотря на большое количество используемых материалов для таких больших инсталляций, художники стараются не навредить природе. Христо и его жена создают произведения из перерабатываемых материалов, чтобы после завершения проекта всё можно было утилизировать или использовать повторно.
На то, чтобы укрыть Триумфальную Арку, потребовалось 25000 метров ткани и 3000 метров верёвки. Все проекты художник и его жена финансируют сами. Для оплаты используются деньги, накопленные с продаж рисунков и моделей построек. Для Триумфальной арки художникам потребовалось 14 млн евро.
Работа над монументом в Париже не стала самой масштабной в творчестве Христо. Для «Завёрнутого Рейхстага» потребовалось более ста тысяч квадратных метров ткани, а площадь работы «Окружённые острова» во Флориде составляла около шестисот тысяч квадратных метров.
Обернуть Триумфальную Арку художник мечтал ещё с 60-х годов прошлого века, но воплотить проект в жизнь удалось только сейчас. Помешали и ограничения, связанные с пандемией, так как работу планировали сделать ещё в 2020 году.
Христо Явачеву было 84 года. Он продолжал творить до последних дней. «Я хочу превратить архитектурные объекты в объекты вдохновения для артистов и в само искусство»,— говорил Христо. Теперь его работы стали неотъемлемой частью культурного наследия.
Христо на озере Изео. Проект «Плавучий пирс» (Источник: Christo et Jeanne-Claude)
Осенняя хандра шагает по стране, поэтому самое время обратиться к драйвовым и заряжающим кинокартинам. По этому случаю сегодня мы решили окунуться в мир спортивной гимнастики и пересмотреть фильм «Бунтарка» с дерзкой Мисси Перегрим в главной роли!
Мисси Перегрим с коллегами по фильму (источник: Кинориум)
Сюжет
Женский взгляд
В основе фильма «Бунтарка» лежит история сильной девушки со «спортом в крови». Однако развод родителей и позор на предыдущих соревнованиях напрочь отбили у главной героини желание стремиться к чему- либо, тем более к карьере спортивной гимнастки. Новая Хейли Грэм выбирает индивидуальность, свободу распоряжаться собой и своей жизнью, а не «6 часов ежедневных тренировок, которые тебя убивают». Веселые друзья, BMX-фристайл и свежий ветер в голове. Однако вскоре Хейли вновь приходится столкнуться с чопорным миром спортивной гимнастики и своим старательно забытым прошлым, ведь иначе ей грозит тюрьма. Героине предстоит обуздать свой бунтарский дух и усвоить важные уроки жизни. Что на самом деле не так с миром спортивной гимнастики? От чего зависит победа и какова ее истинная ценность?
Берт Викерман и Хейли Грэм в гимнастическом зале, кадр из фильма (источник: КиноПоиск)
Однако при этом фильм «Бунтарка» в большей степени посвящен не спорту. Это кино о жизни и взрослении, поиске себя и своих ценностей. Главные герои фильма — это, в первую очередь, обыкновенные люди, со своими личными проблемами, а уже потом волевые спортсмены. Хейли пытается справиться с обидой из-за ухода мамы из семьи, Джоанна мечтает побывать на выпускном балу, а Берт Викерман борется с жадностью к победам.
Мужской взгляд
Сюжет интересен тем, что, если развернуть его в обратном порядке, то получится еще одно самостоятельное высказывание. В экспозиции мы видим девушку (Хейли), полностью разочарованную в спорте и нашедшую свое место в субкультуре скейтбординга. Она видит спорт — в данном случае гимнастику — насквозь. И поспорить с ее взглядами крайне трудно: спорт действительно травмирует, как физически, так и ментально. Причудливое стечение обстоятельств, а точнее выбор без выбора (в котором она готова предпочесть тюрьму и военную академию возвращению в гимнастику, но ее мнение игнорируется) вынуждает ее вернуться обратно в спорт и взять реванш (у себя или у жизни?). За весь фильм ее убеждения, в общем-то, не меняются. Скорее Хейли выступает в роли мессии и открывает глаза другим девочкам-спортсменкам, и в этом ее бунтарство.
Разворачивая сюжет в обратном порядке, мы получим персонажа, который разочарован в спорте и нашел себя в другом занятии и ином обществе. Я не берусь утверждать, какое из высказываний — оригинальное или обратное — лучше, но второе, как минимум, ближе к правде.
Что же скрывается за дерзкой оболочкой? (источник: Irecommend)
Джессика Бендинджер с актерами (источник: kinomania)
Перед началом работы над фильмом Бендинджер в течение нескольких лет искала и отбирала материалы по спортивной гимнастике. Впоследствии она создала на их основе документальную презентацию, после показа которой проектом заинтересовалось сразу несколько киностудий. Однако права на реализацию заполучила студия Disney, что позволило Бендинджер дебютировать в качестве режиссера. Таким образом, Джессика осуществила свой проект для Touchstone Pictures в сотрудничестве с Spyglass Entertainment.
Несмотря на то, что «Бунтарка» претендует на жанр спортивной истории, многие критики поставили фильму низкие оценки именно по причине плохой передачи атмосферы спорта. Однако если взглянуть на картину в целом, то фильм не может не порадовать с точки зрения музыки, стилистики, цветокоррекции.
Кадр из фильма, 2006 (источник: КиноПоиск)
Костюмы гимнасток отражают внутренний мир и характер каждой героини. Отдельного внимания заслужил огненный леотард Хейли Грэм, в котором бунтарка выполняла вольные упражнения на чемпионате США под драйвовую музыку.
Кадр из фильма, 2006 (источник: КиноПоиск)
Музыкальная составляющая фильма также вызывает восхищение. Главную песню исполнила шестикратная обладательница премии «Грэмми» Мисси Элиот (Missy Elliott), а над большинством саундтреков работал Майк Симпсон, написавший музыку к таким общепризнанным хитам как «Бойцовский клуб», «Дорожное приключение» и «Чумовая пятница».
Стоит также отметить наличие в фильме интересных технических приемов, благодаря которым «Бунтарка» смотрится с интересом и не теряет своей динамичности. В этом плане особенно выделяется сцена чемпионата школы, которая смонтированав в стиле калейдоскопа. Все гимнастки в ярких леотардах и под быструю музыку одновременно выполняют упражнения.
Чемпионат школы, кадр из фильма (источник: l2db)
Также очень эффектно выглядит сцена представления двух значимых героев кинокартины, Берта Викермана и Джоанны. Фигурки обоих героев прокручивались на 360 градусов, в то время как рядом на экране появлялась информация о них.
Мужской взгляд
Фильм предлагает агрессивный монтаж в комедийных и экшн-сценах, и, напротив, в драматических сценах длинные, даже замедленные кадры, что дополнительно подчеркивает эмоциональный окрас действия. Общая же эстетика, в купе с саундтреками и звуковыми эффектами, напоминает клипы MTV. Телефоны-раскладушки, велосипеды BMX, снэпбэки — все это вызывает чувство ностальгии по началу-середине 2000-х, времени, когда фильм был выпущен.
Общее впечатление
Женский взгляд
Может эта история и проседает с точки зрения атмосферы спорта, но «Бунтарка» однозначно является красочным, стилистически выдержанным фильмом, который приятно смотреть. При этом кинокартина не лишена смысловой нагрузки, у каждого главного героя есть личная драма, свои вопросы к себе и к жизни.
Кадр из фильма, 2006 (источник: КиноПоиск)
Кино действительно не о спорте, а о людях. Хейли Грэм на протяжении всей ленты пытается понять, кто же виновен в ее неудачах. В итоге девушка осознает, что нет смысла искать ответственных– нужно действовать, потому что все завист только от нее. Это позволяет главной героине обуздать свой бунтарский дух и набраться смелости полностью взять свою жизнь под контроль.
Кадр из фильма, 2006 (источник: КиноПоиск)
После просмотра фильма остается приятное послевкусие, преисполненное вдохновением и надеждой. Эта история выводит для зрителей универсальное правило жизни: никогда не поздно взять все в свои руки. И вовсе не важно, касается ли вопрос спорта, порядочности или побед. В этом плане даже хорошо, что кино по своей тематике не ограничилось спортом, ведь таким образом «Бунтарка» становится интереснее более широкой аудитории.
Берт Викерман и Хейли Грэм на Чемпионате США, кадр из фильма (источник: КиноПоиск)
Мужской взгляд
Фильм, заявленный как спортивная драмеди, сохраняет непринужденную атмосферу. И хотя сам юмор местами строится на сортирных шутках и шаблонном поведении стереотипных персонажей, желания выключить не возникает — все таки это легкое кино для вечернего просмотра, желательно в компании друзей. Что касается общего послания, то оно прозрачно: если спорт жесток и лишен смысла и — раз уж так сложилось, что вас туда занесло — то оставайтесь солидарными к партнерам и соперникам, а также будьте готовы нести ответственность за свои поступки. Подобную философию следует перенести и на жизнь. Для Хейли так и происходит, поскольку спорт становится лишь фоном на пути к главной идее, озвученной самой героиней: «За все отвечаем только мы. Это и есть настоящая реальность».
Белый цвет уже несколько столетий прочно ассоциируется с браком: из поколения в поколение невесты надевают именно белые платья и укрывают голову белой вуалью. Как и почему этот цвет остался неизменным свадебным символом?
Белый цвет в одежде
Современный образ невесты не имеет ничего общего с образами невест предыдущих веков. Праздничный наряд всегда считался предметом роскоши, шился по последним тенденциям моды, которые и диктовали нужный цвет. Обычно использовалась дорогая редкая красная или черная ткань. Красный цвет на Руси считался самым подходящим для свадьбы, так как значил «красивый» и «нарядный». Чёрный цвет означал смерть невесты для старой семьи. В Европе белый же являлся траурным цветом: в нём ходили овдовевшие королевы, из-за чего их называли «Белыми Дамами».
В религии белый цвет играет ключевую роль. В Древнем Риме и Древней Греции жрецы носили белую одежду, для них — символ чистоты и веры. В Римско-католической церкви Папа Римский одевается в белый цвет с 1566 года, белый считается цветом Иисуса Христа, жертвы. В Японии и Индии такой цвет также является цветом священнослужителей. Ассоциации, укрепившиеся за белым цветом как цветом религии, относились и к невинной невесте, поэтому церковь поддержала использование светлых тканей для свадебных платьев.
Портрет Элизабет де Богарне (художник Николя де Ларджильер)
Первые белые свадебные платья
В 1499 году на свадебную церемонию герцогиня Бретани и королева Франции Анна Бретонская надевает белое платье. Брак с Людовиком XII был ее третьим замужеством. Первый супруг герцогини, Карл VIII, и их дети умерли, поэтому она выходила замуж в белом, траурном цвете.
К 19 веке восприятие светлых тонов меняется, они становятся символами богатства, так как на стирку одежды такого цвета тратится много денег. Белый цвет становится признаком высшего общества, и следующая в нем на свадьбе появляется вторая супруга Наполеона Бонапарта эрцгерцогиня Мария-Луиза Австрийская.
Триумф белого цвета пришелся на середину 19 века, после свадьбы королевы Виктории и принца Альберта. Платье стало настоящей сенсацией: его фотографии быстро разошлись по газетам, так что каждая девушка мечтала повторить мельчайшую деталь. Торжественный наряд невесты состоял из викторианского атласного платья кремового цвета, покрытого кружевами и цветами апельсина. Шлейф тянулся на 5,5 метров, белый венок и вуаль покрывали голову королевы вместо короны. Причиной выбора такого цвета стали кружева: именно они важны в этом образе, так как мелким ремесленникам-кружевникам была необходима поддержка со стороны государства во времена развития промышленности. Королева Виктория с помощью платья смогла показать, насколько ей важно благополучие подданных.
Свадьба королевы Виктории и принца Альберта (источник: Travel ASK)
Платья XX века
Одним из самых известных свадебных платьев 20 века стал наряд Принцессы Дианы. На него было потрачено тонны тафты, жемчуг и перламутр украшали светлую ткань. Длинный шлейф достигал 25 метров, в то время как рекорд английских королевских свадеб был только 20. Так, белое платье окончательно стало мечтой каждой невесты.
Фасоны платьев продолжают меняться, но белый цвет по-прежнему остается главным символом свадьбы. Это доказала и Бьянка Джаггер: девушка выбрала для своей помолвки строгий белоснежный костюм, состоящий из юбки длины макси и жакета на одной пуговице. Голову украшала широкополая шляпа с цветами, тонкая вуаль покрывала лицо, а на ногах — белые босоножки.
Свадьба Мика Джаггера и Бьянки Перез Морены де Масиаз (источник: журнал ELLE)
Год Германии в России стартовал в сентябре 2020 года и продлится до ноября 2021 года. В этот период проходило множество мероприятий, организованных при поддержке Гёте-института. Одним из таких событий является трехдневная постановка спектакля «Полнолуние» в Санкт-Петербурге. Гёте-институт уже привозил в Россию образцы немецкой современной театральной культуры. В 2005 году был поставлен спектакль «Эмилия Галотти» режиссера Михаэля Тальмахера. Источник – одноименная пьеса Готхольда Эфраима Лессинга. В нем режиссер переносит события пьесы в современный мир, но это не единственная вещь, которая меняется под авторским взглядом Тальмахера. Главные роли: Эмилия Галотти – Регина Циммерманн, и принц Гонзага – Петер Пагель.
Кадр из постановки, 2001 (Источник: henningvogt)
По сюжету источника принц Гваласталлы Хетторе Гонзага безумно влюблен в простую девушку Эмилию, и, желая ее заполучить, обманом захватывает перед свадьбой, убивая жениха, графа Аппиапи. В пьесе Лессинга прослеживается социально-политическая проблематика, неизменное столкновение правящего класса и простого народа.
Перенося материал Лессинга в свой спектакль, Тальмахер должен был принять множество смелых решений: от сокращения пьесы в пять актов до часа и семнадцати минут постановки, до сценического помещения и общей концептуализации. Особенно выделяется при просмотре сцена – она представляет собой очень высокое и довольно минималистичное место, на этом фоне все герои кажутся крошечными. Площадь пустует без какой-либо мебели и напоминает некий подиум, вдоль которого вышагивают герои. Сначала покажется, что стены лишены проемов, а выход к залу только один, но в действительности они есть: впервые зритель увидит их в сцене, где принц открывает створку в стене, а после протягивает руку для Эмилии.
Кадр из постановки, 2001 (Источник: welt.de)
Речь героев переполнена экспрессией, быстрым темпом почти без остановки. На таком фоне контрастно ощущаются сцены без диалогов, общение одними лишь жестами – например, как принц обводит лицо Эмилии рукой при встрече, а после рассматривает ладонь, как будто успел ухватить ее образ с собой. Театральный критик Ольга Галахова отметила в своей рецензии: «Режиссеру нет надобности быть верным сюжетным подробностям драматургии. Пьесу он очищает до голого каркаса, чтобы превратить в сценарий для пластического изложения и развести текст на голоса и зоны молчания». Большое значение в постановке отводится музыке – вальса Шиджеру Юмбайши, который играет на протяжении всего спектакля.
У цвета тоже есть вкус! И убедиться в этом можно взглянув на работы британского фотографа Майлза Олдриджа. Их с лёгкостью можно представить размещёнными в глянцевом журнале, будь то Vogue или Harpers Bazaar с их стремлением отражать представления общества о красоте. Однако, если задержать взгляд чуть подольше, можно заметить критику идеалов современности и той системы, частью которой они стали.
Снимок из серии «Работа по дому» позволяет посмотреть на быт домохозяек иначе
Главная героиня в произведениях Олдриджа — всегда женщина: привлекательная, чувственная, сильная, но при всём этом часто изображаемая им в ситуациях или местах, в которых больше всего заметны социальные роли, «порученные» ей обществом. На одной фотографии — жена, на другой — мать, на третьей — хранительница домашнего очага. Не так важно, в любом случае она предстаёт перед нами как объект потребления — один из множества, предлагаемых в современном мире ежеминутно.
Буйство красок стало визитной карточкой автора
Ещё будучи ребёнком Олдридж интересовался кинематографом. Именно поэтому ему так нравились плёночные снимки, напоминающие кадры из фильмов. Причём просто фиксировать фрагменты реальности на камеру юному Майлзу казалось скучным. Ему гораздо больше нравилось выстраивать свою, новую реальность, в которой он, почти как кинорежиссёр, сам руководил всеми своими историями, воплощая их в жизнь при помощи плёнки. И сегодня, несмотря на техническое развитие фотографии, Олдридж по-прежнему снимает многие свои работы на плёночный фотоаппарат, а также делает серии полароидов.
I think the power of image is in mystery — I endlessly create mysteries, by way of this dystopian message, to initiate intrigue (с) Miles Aldridge
Нередко в своём творчестве Майлз Олдридж исследует проблему общества консьюмеризма, обращая внимание зрителя на то, насколько быстро всё вокруг коммодифицируется с целью удовлетворения запросов покупателей. Так, тема потребительской культуры прослеживается в работе «A drop of red, 2001» (Капля красного), на которой мы видим туфли молодой девушки, стоящей на клетчатом полу, забрызганном кроваво-красной жидкостью из случайно или намеренно разбитой бутылки кетчупа узнаваемого бренда. При создании этого снимка Олдридж специально заменил томатный соус на ярко-красную краску, чтобы цвет казался вычурным и чрезмерно насыщенным, превращая бытовую ситуацию в своеобразную трагедию.
В своих работах Олдридж использует отсылки к живописи поп-арта
Цвет для Майлза — основной инструмент в работе. Он намеренно составляет палитру из неестественно ярких, практически неоновых оттенков, причём интересно, что окрашены ими могут быть совершенно обычные предметы вроде посуды, сигарет или тары из-под бытовой химии. В повседневности такие цвета нам не встречаются, вот почему ослепительные цвета обостряют восприятие и меняют наш взгляд на вещи, к которым мы привыкли. Интенсивность палитры придаёт кадру напряжённости, делая его «киношным» и создавая особый «фильтр».
Идея изображать женщин во время работы по дому пришла Олдриджу в ходе наблюдений за собственной матерью
Олдриджу удаётся выстраивать поистине особый мир, в котором обыденность и быт, будучи раскрашенными, перестают быть тривиальными. Его фотографии многослойны, в них есть место и драме, и юмору и, конечно, эстетике. На снимках Олдриджа мода никогда не предстаёт чем-то исключительно наружным, непременно дополняясь идеей и превращаясь в часть истории, мысленно закончить которую фотограф предлагает зрителю. До 23 февраля такую возможность даёт Центр фотографии имени братьев Люмьер.
The second season of «The Young Pope» was released this winter. After the success of the first part of the series about the Vatican intrigues (in Italy, the premiere of the first two episodes scored the highest rating in the entire history of the pay TV network Sky, even overtaking Game of Thrones), expectations from Paolo Sorrentino’s «The New Pope» were really high. Read about how this continuation turned out in this very article.
The Paolo Sorrentino’s series is back: now we have two popes
«The New Pope» turned out to be largely unlike the «Young» — but this is only at first glance. The viewer focus has shifted from Lenny Belardo (Jude Law) to Sir John Brannox (John Malkovich). If Pius XIII manifested himself in the affairs of the Church as a tough and unshakable conservative, then John Paul III, with his romantic nature, chooses a moderate development path. They are like two poles, promising Catholics from all over the world absolutely different options for the future.
I love God because it is so painful to love human beings (c) Lenny Belardo
It is important that Sorrentino does not force the viewer to make a choice between the popes: he makes them both imperfect and make us believe that they are just ordinary people, not gods. In this way, Belardo and Brannox are similar: they have drawbacks. Both pontiffs have the same sore spots: loneliness, doubts about themselves and their abilities, childhood traumas, fear of love. In the end, all this leads them to a common dream — both popes want to be forgotten.
The immense imperfection of the world makes Sir John Brannox cry
In «The New Pope» Sorrentino continues to explore the eternal problems that he has already raised in the first season. As for philosophical questions, here are the relations of the believers and God, trust in miracles, the search for a prepared place in life; as for essential ones — the problem of fathers and children, cruelty, war, fanaticism, as well as the perception of homosexuality. In the new season, the topic of terrorism is also added to this list. Exactly this theme (even to a greater extent than the struggle for power) became the basis of the conflict between the two popes in the last episode: each of them sees his own way out of the emergency situation.
Goodness, unless it’s combined with imagination, runs the risk of being mere exhibitionism
Withdrawal of the Law’s hero to the background is compensated by a detailed disclosure of characters which were secondary in the first part. Marketer of the Holy See Sofia Dubois, Cardinal Mario Assente, young nuns are no longer observers: in «The New Pope» passions are gathering around them too. Now these characters play a role not only in revealing the characters of the popes. Their personal stories, which splashes onto the screen in different forms of expression, worth particular interest.
Do not forget: everyone has vices in the walls of the Vatican
«The New Pope» is filmed with Paolo’s inherent love of visual cultural codes and aesthetics. However, the aesthetics of the second season is significantly different from the aesthetics of the first. Sure, there are still many works of art, and the sophistication of the outfits exclusively prepared by Giorgio Armani leads to a viewer’s delight. Nevertheless, «The New Pope» turned out to be more defiant than the «Young»: it has a lot of physicality and frankness, which is now not only sensual, but also noticeable to the eye. Dancing of half-naked nuns at the neon cross and Jude’s passage in dazzling white swimming trunks along the beach are good examples. Probably, the «bodily» beauty of Pius XIII, deliberately expressed in this season, can be regarded as a veneration of him as a pagan idol, to the rank of which he was raised by fanatics. You can interpret this directorial decision as a desire to return in his narrative to the origins of religion — the moment when the spiritual rigor dictated by Christianity has not arrived yet. At the same time, it can be considered to be just an experiment with a visual series: in one of the interviews, Sorrentino admitted that many images come to him simply subconsciously and do not carry a special semantic load.
Some people were charmed by the new screen saver, while the others were outraged
All in all, the series introduces us to religion through beauty (including bodily). It is specially made so to entice viewers to think about religion, faith, God and … about man himself. «The New Pope» provocatively hits us in the most vulnerable places. Through quite obvious claims to the universe, he brings our consciousness to the questions to which, as we learn from Lenny in the final, there are no answers.
В 2018 году немецкий кинорежиссёр Эдвард Бергер презентовал мини-сериал «Патрик Мелроуз», рассказывающий о попытках одноименного героя справиться с травмами прошлого и жить достойной жизнью. Проект не вызвал однозначно восторженной оценки зрителей, тем не менее выдался необычным. О том, почему стоит уделить ему несколько вечеров — в этой статье.
1.Нетипичная для Бенедикта Камбербэтча роль
Один из самых востребованных не только в Великобритании, но и в мире актёров в одном из интервью признавался:
«Полагаю, что моя сила — в мозгах, а не мышцах. Но меня это не смущает. Выглядеть умным очень легко. Куда сложнее умно играть. Но, из-за того что я вырос в высшем обществе и учился в одной из старейших школ мира, мне придется до конца своих дней играть асексуальных социопатов-интеллектуалов…»
Бенедикт Камбербэтч в роли Мелроуза-младшего
Так вот эксцентричное амплуа Патрика — роль совершенно иная. Главный герой претендует на звание лидера по саморазрушению всеми возможными способами: алкоголь, наркотики, беспорядочные половые связи — этим список не исчерпывается. Не каждый фильм даёт возможность понаблюдать за практически полностью деморализованным Бенедиктом, танцующем в пьяном угаре.
2. Визуальная составляющая
«Патрик Мелроуз» наполнен своей эстетикой: местами яркой и сочной, как фрукты на деревьях, что растут у роскошной виллы Мелроузов, местами — депрессивной и мрачной, подчёркивающей духовную нищету отдельных персонажей (без спойлеров).
Солнечные виды создают видимость идиллии (но это только на первый взгляд)
Детально проработанные интерьеры дополняют стиль воссозданного времени. То же касается и выбора самих локаций для съёмок (чего стоят одни пейзажи французской провинции) и костюмы героев: вместе они создают гармоничную картинку, на которую особенно приятно смотреть при естественном тёплом свете.
Светило солнце. А что ему ещё оставалось делать? Патрик Мелроуз
3. Звуки музыки
Музыкальное сопровождение этой истории также не оставляет равнодушным. Атмосфера ретро здесь не только в картинке, но и в саундтреках. Пилотный эпизод, к примеру, сопровождается песней Кэта Стивенса «Wild world», как бы подготавливающей зрителя к мысленному переносу на пару десятков лет назад. Только вот, постепенно погружаясь в детство Патрика и узнавая детали его общения с родителями, становится сложно назвать вызванное музыкой ностальгическое настроение умиротворённым.
Человек может сойти с ума из-за того, что испытывает эмоцию, которую он должен подавлять. Патрик Мелроуз
В сериале нашлось место и для оригинальных саундтреков, эмоциональный отклик на который варьируется от беспокойства и тревожности до меланхоличности и отчуждённости.
4. Остроумная трагикомедия
История Патрика представляет собой целостную повесть не только и не столько о методах, которыми он разрушает свою «нормальную» жизнь, сколько о тех причинах, которые сделали последнюю невыносимой (в первую очередь — ментально). Мелроуз родился в обеспеченной семье аристократов, однако происхождение и материальный достаток не сделали его счастливым. Равнодушие со стороны матери и необоснованная, извращённая жестокость со стороны отца перевернули жизнь маленького Патрика на много лет вперёд. Отношения внутри семьи — главная тема бергеровского мини-сериала, сопричастность к которой каждый из нас может ощутить особенно остро.
Прощение важная вещь, особенно, когда прощают тебя. Патрик Мелроуз
С каждой серией жизнь главного героя обрастает всё более и более обезнадёживающими подробностями. Тем не менее его история подана в интересной, местами даже по-своему забавной, сатирической манере так, что за ней хочется наблюдать до конца (пусть и психологически это бывает сложно).
5. Шанс сравнить впечатления от сериала с книгами
Сюжетной основой сериала стал цикл романов Эдварда Сент-Обина, чьё творчество высоко ценит исполнитель главной роли. Серию книг называют современной классикой, отмечая особый стиль автора с присущими ему искренностью, беспристрастностью и ироничностью. Важно заметить, что произведения о Патрик Мелроузе во многом автобиографичны: их идея была навеяна реальными событиями в жизни Сент-Обина.
