Одну из самых престижных кинопремий мира «Оскар» не устают обвинять в дискриминации – на этот раз пожилых актеров. Сотрудники университета Южной Калифорнии, сообщает Deadline, провели исследование и выяснили, что за последние три года на премию был номинирован лишь один актер старше 60 лет – Майкл Китон. Но это обвинение «Оскара» далеко не первое, кинопремия подвергалась критике на протяжении ни одного десятка лет.
[popup_trigger id=»8846″ tag=»span»]А что вообще такое «Оскар»?[/popup_trigger]
Статуэтка «без мозгов»
Сценаристка Френсис Марион
У некоторых деятелей искусства отношение к кинопремии буквально с самого ее возникновения было скептическим. Например, сценаристка Френсис Марион, получившая «Оскар» в 1930 году, в своих мемуарах писала: «Эта статуэтка — идеальный символ кинобизнеса. Могучий, атлетического телосложения мужчина, сжимающий блестящий меч, оказался лишенным половины головы. Не хватает как раз той части, где должны были быть мозги».
Первый же серьёзный инцидент на вручении кинопремии произошёл в 1940 году. Тогда премию «за лучшую женскую роль второго плана» получила афроамериканка Хэтти МакДэниел за роль в фильме «Унесённые ветром». Однако на главной церемонии актрису посадили в отдельную часть зала, специально отведённую для темнокожих лауреатов. Конечно, это было явное проявление расизма, однако сам факт того, что премию вручили темнокожей актрисе, можно было рассматривать как начало пути к избавлению от расовой дискриминации.
«Парад свиных туш»
Джордж Кэмпбелл Скотт
О заветной статуэтке мечтают все актеры, и довольно трудно представить, что некоторые номинанты отказывались от нее. Первым таким человеком стал Джордж Кэмпбелл Скотт, который в 1971 году не пришел на церемонию, назвав ее «парадом свиных туш» и обвинив Киноакадемию в необъективности и коррупции.
Марлон Брандо
Примеру Скотта последовал актер Марлон Брандо, который также не явился на церемонию вручения «Оскара» 1973 года, однако послал вместо себя индианку Сачин Маленькое Перо. Со сцены девушка передала недовольство актера дискриминацией коренного американского населения – индейцев. Брандо был намерен игнорировать церемонии кинопремии до тех пор, пока ситуация не изменится.
Скандалы не утихают
В 21 веке к проблеме расизма прибавилась и проблема сексизма, что еще больше подорвало авторитет кинопремии. В 2012 году издание Los Angeles Times в своей статье опубликовало статистические данные, которые показали, что 94% членов Академии – белые, 77% — мужчины. А факт того, что афроамериканцам было вручено менее 4% наград, а Кэтрин Бигэлоу стала единственной женщиной-режиссером, получившей «Оскар», показал прямую зависимость между теми, кто награждает и теми, кого награждают. Однако мнения по этому поводу разделились. «Занятие кинематографией не должно определяться полом. Возмутительно, что это до сих пор так», — заявила член Академии Нэнси Шрайбер. А вот бывший президент Академии Фрэнк Пирсон не увидел никакой несправедливости в распределении наград. «Я не вижу никаких оснований для того, чтобы в Академии было представлено все население Америки. Для этого существуют Призы зрительских симпатий. Мы представляем профессиональных кинематографистов, и если это не отражает состав всего населения – так тому и быть», — отметил Пирсон.
Президент Киноакадемии Шерил Бун Айзекс
Однако в 2013 году он оставил свой пост, а президентом киноакадемии впервые за всю историю премии стала афроамериканка Шерил Бун Айзекс, которая впоследствии переизбиралась три раза подряд и до сих пор занимает этот пост.
Однако этот факт не помешал тому, что в 2016 году вокруг кинопремии разгорелся настоящий расистский скандал. Второй год подряд на «Оскар» не было номинировано ни одного темнокожего актера.
Спайк Ли
Американский кинорежиссер Спайк Ли даже призывал к открытым протестам, заявив, что, пока люди остаются «вне комнаты, в которой принимают решения» и идут «на поводу», «оскаровские номинанты будут только белыми». В результате, ряд актеров-афроамериканцев объявили премии бойкот. Ситуация обострилась настолько, что на нее отреагировал тогдашний президент США Барак Обама. Он призвал киноиндустрию «предоставлять возможности всем», чтобы все «чувствовали себя частью единой американской семьи».
Лед тронулся
Конечно, после такого широкого освещения скандала вокруг «Оскара», он просто не мог закончиться ничем. И действительно, к 2016 году состав Академии качественно изменился. Жюри кинопремии пополнилось 683-мя новыми членами, 46% из которых – женщины, а 41% не являются белыми. А к 2020 году Киноакадемия задалась целью увеличить число женщин и представителей расовых меньшинств вдвое. Теперь главное – не переусердствовать, чтобы маятник равноправия и толерантности не качнулся в обратную сторону.
Виниловые пластинки – знаковое явление культуры XX века. В начале 80-х компакт-диски практически полностью вытеснили их, однако в последние несколько лет винил снова набирает популярность. Проигрыватели и пластинки на любой вкус продаются в специализированных магазинах, их покупают любители ретро, коллекционеры и ценители качественного звука. Заглянем в историю звукозаписывающих технологий, в которой грампластинкам по праву принадлежит почётное место.
С чего все началось?
В 1877 году Томас Эдисон на своем рабочем месте у телеграфа заметил, что, проходя по отверстиям в перфоленте, контакты аппарата издают звуки разной высоты. А спустя несколько месяцев изобретатель получил патент на первое в мире устройство для записи и воспроизведения звука – фонограф. Эдисон предполагал использовать прибор для записи аудиокниг для слепых, говорящих часов, записи речей известных людей, создания музыкальных шкатулок. Воспроизводить на нём настоящую музыку было ещё невозможно.
Томас Эдисон с фонографом, 1878 год
Попробуем разобраться в сути работы фонографа Эдисона, так как этот прибор стал первым шагом к появлению граммофона и впоследствии виниловой пластинки.
Звуковые колебания в нём передаются на резец, который наносит борозду определенной формы на носитель (у Эдисона это был валик, покрытый воском). Резец колеблется в соответствии с высотой звука, поступающего на звукозаписывающую машину. Образующиеся на носителе канавки и есть те звуковые дорожки, которые впоследствии будет считывать игла проигрывателя.
Со временем технологии шагнули вперед, но принцип остался прежним. В том же 1877 году американский изобретатель Эмиль Берлинер запатентовал свою усовершенствованную версию фонографа и назвал ее граммофоном. В нем звук записывался на цинковую пластину.
Этикетка пластинки из шеллака, 40-е годы
Затем было несколько попыток найти подходящий материал для изготовления пластинок, одновременно недорогой и прочный. Сначала использовали эбонит, потом шеллак. Пластинки получались толстые, тяжелые и хрупкие, не прочнее стекла. На одну пластинку по-прежнему помещалась всего одна песня, а при частом прослушивании материал деформировался и приходил в негодность. Кроме того, иглы приходилось менять почти после каждого прослушивания, а если этого не сделать, то пластинка портилась еще быстрее.
Реклама первых долгоиграющих пластинок, 50-е годы
Настоящая революция в технологии производства пластинок произошла в связи с появлением винилата. В 1948 году компания «Колумбия» выпустила первую партию виниловых пластинок, и они принципиально отличались от старых образцов. Прочные, долгоиграющие (могли звучать до 45 минут) пластинки получили название Long Play. В то же время появились пластинки Single (по одной композиции с обеих сторон), Extended Play (мини-альбом, на каждой стороне 2-4 композиции) и Maxi-Single (3-4 композиции).
А что было у нас?
В СССР грамзаписи выпускались ещё до войны. С 1950 года начался массовый выпуск долгоиграющих пластинок. Их делали на Апрелевском заводе под маркой «Мелодия», долгое время являвшейся единственной государственной организацией в этой сфере.
Подпольная запись на рентгеновском снимке
По идеологическим соображениям не любая музыка допускалась к записи и продаже. Но нелегальные студии звукозаписи радовали ценителей композициями The Beatles и Pink Floyd. Песни записывались на рентгеновских пленках, как говорили, «на костях». Такие пластинки назывались «ребрами». Они быстро портились, но другого способа послушать, к примеру, Элвиса Пресли не было.
Зато у перекупщиков можно было купить привезенные из-за границы пластинки, разумеется, по запредельным ценам.
Давка у магазина «Мелодия»: выбросили дефицитную пластинку
Фарцовщики собирались возле магазинов грампластинок и в других местах, «широко известных в узких кругах», к примеру, за ГУМом. Цены на заграничные пластинки колебались от 50-ти до 100 рублей и выше (при средней зарплате инженера в 150 рублей).
В отделе симфонической музыки всегда было тихо и спокойно
«В Киеве винилом торговали под магазином «Мелодия», на бульваре Дружбы народов. У мужиков были дипломаты или кожаные портфели, набитые дисками», – вспоминает коллекционер Андрей.
На «толкучке» можно было не только купить, но и обменяться редкими пластинками. В регионах цены на заграничных исполнителей были еще выше, а достать пластинку было сложнее, чем в столице. Кроме того, покупатель рисковал нарваться на подделку. К примеру, на пластинке могли оказаться песни детского хора или ансамбля «Песняры», вместо западных хитов, указанных на обложке.
«Помню, когда мне было 13 лет, хотел купить записи Высоцкого. За ГУМом мне продали четыре пластинки. Отдал все деньги, что были с собой. Пришел домой, а в упаковках четыре одинаковые пластинки «Ростовских звонов», – продолжает Андрей. – А вообще, половину зарплаты приходилось отдавать за модную пластинку. Я так Delicate sound of thunder купил».
На советских курортах действовали специальные студии, где можно было записать на пластинку свой «привет с берега Черного моря» или напеть какую-либо мелодию и привезти ее как сувенир друзьям. Такую пластинку-открытку можно было украсить своей фотографией или же красивым изображением самого курорта.
Реинкарнация после забвения
В 1982 году на прилавках магазинов появились компакт-диски, и вскоре завершилась эра виниловых пластинок. Почти на 20 лет продажи виниловых пластинок практически сошли на нет, многие заводы по производству винила закрылись. Однако с начала двухтысячных продажи пластинок снова начали расти. За 2016 год в Великобритании было продано виниловых пластинок на 2,4 млн фунтов стерлингов, притом что выручка от продажи цифровых альбомов составила 2,1 млн.
Председатель Entertainment Retailers Association Ким Бейли прокомментировала ситуацию так:
«Музыкальные фанаты еще способны нас удивить. Не так давно будущее индустрии виделось за скачиванием альбомов и композиций в цифровом формате. Мало кто мог представить, что формат аудиозаписей, изобретенный в 1948 году и основанный на выдавливании бороздок на куске пластика, будет бить рекорды продаж в 2016-м».
The Vinyl Factory сообщил, что за 2016 в США было продано более 13 миллионов виниловых пластинок и опубликовал топ самых продаваемых альбомов по стране за прошедший год:
01. Twenty One Pilots – Blurryface (68,000)
02. David Bowie – Blackstar (66,000)
03. Adele – 25 (58,000)
04. Amy Winehouse – Back to Black (58,000)
05. Radiohead – A Moon Shaped Pool (57,000)
06. The Beatles – Abbey Road (54,000)
07. Bob Marley and the Wailers – Legend: The Best Of… (49,000)
08. Twenty One Pilots – Vessel (46,000)
09. Miles Davis – Kind of Blue (42,000)
10. Lana Del Rey – Born to Die (39,000)
Кто они и чего хотят?
Почему многие снова начали интересоваться грамзаписями? Одна из причин – ностальгия по прошлому. Действительно, люди не прочь вернуть старые добрые времена, когда «вертушки» стояли чуть ли не в каждой квартире. Нельзя забывать и об аудиофилах, считающих, что аналоговый звук винила более «живой» и глубокий по сравнению с цифровым, а композиции звучат теплее и приятнее.
Магазин виниловых пластинок в Торонто
Но есть и коллекционеры иного рода. В 2016 году BBC опубликовал результаты опроса проведенного среди покупателей винила, и оказалось, что 48% из них не имеет или не использует проигрыватель для прослушивания своих пластинок. «У меня в комнате есть пластинки, но они больше для декора. Я их не слушаю», сказал студент Джордан.
Некоторые из опрошенных покупают пластинки, чтобы поддержать любимых исполнителей, 50% респондентов назвали себя коллекционерами. Кроме того, опрос показал, что возраст примерно трети покупателей – от 25 до 34 лет.
Имя Федора Бондарчука привлекло огромное внимание к фантастической кинокартине. Это видно и по бюджету фильма чуть ли не в полмиллиарда рублей, и по тому, что это лишь 4-й фильм в нашей стране, который переведен в формат IMAX. Мы попытались выяснить, действительно ли кинокартина так хороша, как рассказывали о ней звезды в интервью телеканалу Москва 24 после предпоказа.
Сюжет
Мужской взгляд
«Притяжение» — фильм о том, что было бы, если бы первый контакт с инопланетной цивилизацией состоялся не в Нью-Йорке или Вашингтоне, а в Чертанове. Корабль пришельцев, сбитый ВВС России, становится камнем преткновения: правительство, желая избежать лишних жертв, ограждает его от людей, а сами люди требуют немедленно изгнать незваных гостей с «нашей Земли». Ситуация осложняется еще и тем, что в кордоне есть бреши, через которые чересчур инициативные подростки могут установить контакт с инопланетянами, последствия которого, по сути, и описаны в фильме.
Женский взгляд
Сюжет довольно тривиален. Юля Лебедева учится в школе в старших классах и живет со своим отцом-полковником, так как ее мама умерла. У нее есть любимый молодой человек Артем и лучшая подруга, с которыми они забираются на крышу высотки, чтобы посмотреть на метеоритный дождь. Вместо него на Землю падает инопланетный корабль Сол с пришельцами, очень похожими на трансформеров. Вроде бы складывается красивая картинка, но все портит вторая половина фильма, которая больше похожа на Евромайдан 2014-го года с коктейлями Молотова, чем на красивое сражение между людьми и инопланетянами.
Актерская игра
Мужской взгляд
Образы героев в «Притяжении» показаны со всей возможной тщательностью. Полковник Лебедев в исполнении Олега Меньшикова выглядит точь-в-точь как строгий отец, единственная дочь которого вошла в пубертатный период, а потому понять ее бывает крайне сложно. Сама дочь – Юлия Лебедева, которую в фильме сыграла Ирина Старшенбаум, – ведет себя как настоящий трудный ребенок, а ее парень Артем (Александр Петров) похож на обычного влюбленного молодого человека. Отдельного внимания также заслуживают школьный учитель (Евгений Коряковский) и Гугл (Евгений Михеев), в искренность которых действительно хочется верить.
Женский взгляд
Многие эмоции в «Притяжении» показаны Ириной Старшенбаум неплохо, но я в ней не увидела ничего необычного кроме ее фамилии. В этой актрисе нет изюминки! И Ирина, и ее героиня Юлия Лебедева будто лишены индивидуальности, которую так важно проявлять в фантастических фильмах. Иначе большое количество спецэффектов затмит такого актера. В кинокартинах такого жанра я привыкла видеть настоящих красавиц, как Джессика Альба в «Фантастической четверке», либо Скарлетт Йоханссон во «Мстителях», но никак не «серую мышку» в качестве главной героини. Александр Петров же больше подходит для комедийных кинокартин, нежели для драм.
Спецэффекты
Мужской взгляд
Уже с самого начала просмотра мы поражаемся масштабности съемок: крайне реалистичный космический корабль в бескрайнем космосе, истребители, взрывы ракет и удары метеоритов – все исполнено на высшем уровне. Сцену с падением НЛО на Чертаново и вовсе хочется пересматривать снова и снова – настолько круто она выглядит. Особый восторг вызывает качество проработки скафандров пришельцев, которые будто бы делались вручную, а не с помощью компьютерной графики. Взаимодействие же инопланетных технологий с водой смотрится просто невероятно – гораздо лучше, чем в том же «Повелителе стихий». По качеству и количеству спецэффектов «Притяжение» вполне сравнимо с голливудским блокбастером «2012», что обуславливается не только многомиллионным бюджетом, но и блестящей работой специалистов.
Женский взгляд
На первый взгляд на постере и в трейлере инопланетный корабль в виде сферы выглядит блестяще во всех смыслах. К сожалению, когда садишься смотреть фильм от начала и до конца, понимаешь, что все не так круто, как казалось ранее. Если НЛО посреди небоскребов Америки выглядит устрашающе, но уместно, то в Чертаново – нелепо. В фантастике нужна гипербола, чтобы каждый следующий кадр был сильнее предыдущего. Вот что по-настоящему «цепляет». Если сравнивать недавний фильм про пришельцев на Земле Дени Вильнева «Прибытие» и «Притяжение» Бондарчука, то американская драма, безусловно, выигрывает. И не только по спецэффектам.
Идея
Мужской взгляд
Задуматься о том, каким будет первый контакт с инопланетной расой, нам предлагали уже не раз. Где-то это знаменательное событие едва не оборачивалось катастрофой («Чужой», «Хищник»), где-то было смешным («Марс атакует!»), а где-то проходило вполне мирно («Контакт»). Однако «Притяжение» дает нам куда больше поводов для размышлений, ведь его действие происходит не где-то в Америке, а прямо в Москве, показывая, что подобное может случиться в любом месте в любое время. И если пришельцы действительно впервые вступят на Землю здесь и сейчас, будем ли мы готовы к такому контакту? Бондарчук уверен, что будем, и, в общем, у меня нет оснований ему не верить.
Женский взгляд
«Благодарность, одиночество, ненависть, любовь» — значения этих слов главная героиня пытается объяснить одному из инопланетян, который по внешнему виду ничем не отличается от обычного человека. Создатели фантастической картины попытались совместить в ней две истории: о самых сильных чувствах людей и о катастрофе, которая произойдет при приближении НЛО к Москве. Возможно, стоило сконцентрировать свое внимание на чем-то одном и более детально прописать сценарий. Иногда складывалось впечатление, что пропущен какой-то кадр, будто сценаристы не хотели сделать фильм затянутым. А он таковым и получился! Я невольно поглядывала на часы, когда сидела в кинотеатре.
Общее впечатление
Мужской взгляд
На просмотр я шел с четким ощущением того, что многого от «Притяжения» ожидать не стоит – слишком плохо, на мой взгляд, показывал себя отечественный кинематограф в последние годы. Однако я был приятно удивлен как качеством съемок, так и сценарием – фильм получился весьма и весьма достойным. Конечно, не обошлось без некоторых спорных моментов, но на них заострять внимание не стоит – серьезного влияния на общую картину они не оказывают. «Притяжение» после просмотра оставляет не только приятное впечатление, но и почву для размышлений, так что я однозначно рекомендую его к просмотру мужской половине аудитории.
Женский взгляд
Во второй половине 2016-го года российский кинематограф порадовал меня потрясающими фильмами, среди которых «Коллектор» с Константином Хабенским в главной и единственной роли, философская картина «Ученик» Кирилла Серебренникова и «Рай» Кончаловского. На фоне таких душераздирающих кинокартин со сложными сюжетными линиями «Притяжение» кажется слишком поверхностным. Если человек хочет от души поплакать, то он выбирает драму, а если есть желание отдохнуть и «разгрузить» мозг, то фантастику. Именно поэтому я не советую женщинам смотреть фильм Бондарчука: вы просто запутаетесь, что вам делать.
Жанр перформанса провокационен и порой раскалывает общество: эстеты восторгаются, а обыватели возмущены и требуют наказать автора. Взять хотя бы акции Петра Павленского, за которые художника несколько раз привлекали к суду. Не только перфомансы с политическим подтекстом, но и художественные эксперименты в сфере сексуальности и телесного контакта вызывают бурную реакцию. Где же грань между извращёнными инстинктами и высоким искусством? Попробуем найти ответ в ретроспективе самых скандальных перформансов за полустолетие.
Телесность
Мило Муаре: «Зеркальная коробка»
Летом 2016 года Мило Муаре была задержана лондонской полицией во время перформанса «Зеркальная коробка». Художница, которая уже выступила с этой акцией в нескольких городах, появилась на Трафальгарской площади и предложила прохожим дотронуться до ее гениталий, просунув руки в зеркальный ящик, надетый наподобие юбки. Мило объявила, что ее перформанс — это продолжение акции, которая прошла в Кельне после серии изнасилований. С помощью своего выступления девушка привлекла внимание общественности к проблеме обоюдного согласия при половом контакте. Она призвала уважать женщин и всегда помнить, что только они вправе решать, «когда и как кто-либо может до них дотронуться», а когда это недопустимо.
Вали Экспорт: «Тактильное кино»
Почти за полвека до Муаре молодая художница Вали Экспорт вышла на улицы Вены в картонной коробке с занавеской, закрывающей ее обнаженную грудь. Зрителям было объявлено, что этот ящик — кинозал, тело девушки — экран, а привычный просмотр им заменят прикосновения. Используя собственное тело как главное орудие, Вали исследовала проблему сексуальной объективизации. При этом она сама эксплуатировала зрителей, вовлекая их в необычную игру. В 1969 году художница провела новый перформанс, появившись на сеансе в кинотеатре в брюках с дырой, которую вырезала между ног. Она прошлась между рядами, периодически касаясь зрителей. Присутствующие в зале приходили в замешательство, ведь с проявлением женской сексуальности в такой экстравагантной форме многие из них столкнулись впервые.
Боряна Росса: «Деконструкция тактильного кино»
Боряна Росса во время акции «Деконструкция тактильного кино»
Идеи Экспорт нашли продолжение в работах акционисток следующей эпохи. Боряна Росса, болгарская художница, победила рак благодаря процедуре мастэктомии (удалению ткани молочных желез) и создала один из самых эффектных перформансов о телесности. В 2013 году Боряна деконструировала акцию Вали Экспорт. Девушка надела на себя ящик с занавеской и предложила всем желающим прикоснуться к ее телу — вот только обнаружить там грудь зрители уже не могли.
Гендер
Джуди Чикаго: «Трилогия рождения»
Участницы перформанса Джуди Чикаго
«Трилогия рождения» (1972) — один из последних перформансов Джуди Чикаго — отдаленно напоминал детскую игру в ручеек. Часть девушек стояли в плотной колонне и изо всех сил «тужились», в то время как другие участницы представления проползали у них между ног, изображая рождающихся детей. «Младенцев» укачивали на руках и пели песни, которые становились все громче и громче, а в конце переходили в иступленный, животный крик. Двадцать участниц перформанса старались погрузить зрителей в состояние, которое испытывает женщина при родах. Джуди часто сетовала, что акционистки почти не обращаются к теме материнства — то ли потому что им не достает опыта, то ли потому, что избегают проблемы гендерной роли, находящейся в плену многочисленных табу.
Елена Ковылина: серия перформансов
Елена Ковылина ждет нового противника во время перформанса «Бокс»
В своих представлениях Елена Ковылина не раз касалась темы гендерных стереотипов. Перформанс «Сделай сам» (1999) — иллюстрация покорности, зависимости женщины от решения мужчины. Надев на шею петлю, она вставала на табурет и предлагала представителям сильного пола его выбить. Перформанс «Бокс» (2005 год) был посвящен теме женской слабости. Елена выходила на боксерский ринг и ждала противника, а после — пыталась продержаться на ногах хотя бы несколько раундов. Об эмоциональной неустойчивости рассказывает «Вальс» (2005), во время которого девушка танцевала буквально до потери сознания, выпивая стакан водки после каждого тура, на который она приглашала поначалу заинтригованных, а затем испуганных мужчин.
Отношения
Марина Абрамович и Улай: серия перформансов
Марина Абрамович и Франк Уве Лейсипен (Улай)
История Абрамович и Улая — яркий пример того, как отношения внутри пары становятся частью перформанса. До знакомства с немецким художником Марина Абрамович пыталась изучить грани собственного тела и психики, но, встретив любимого человека, обратилась к теме духовного слияния мужчины и женщины.
«Отношения в пространстве»
Марина и Улай исполняют перформанс «Отношения в пространстве»
Одна их первых совместных инсталляций Марины и Улая была представлена в Венецианской биеннале в 1976 году. Раздетые художники быстро перемещались по залу, сталкивались, а затем расходились, повторяя это на протяжении нескольких часов. Акционисты пытались объединить энергию обоих полов, чтобы породить нечто третье — существо, которое они окрестили «ThatSelf» («Та сущность»).
«Вдох/выдох»
Перформанс Марина Абрамович и Улая «Вдох/выдох»
«Вдох/выдох» — перформанс, который пара провела в Амстердаме в 1978 году. Марина и Улай соединили свои рты при помощи специального устройства и дышали выдохами друг друга, пока не кончился кислород. Представление длилось около 15 минут, после чего они оба упали на пол, потеряв сознание. В этом представлении художники пытались показать, что влюбленные могут поддерживают жизнь друг друга, в то же время ее забирая.
«Энергия покоя»
Художники свободно отдаются весу своих тел во время перформанса «Энергия покоя»
Перформанс, который состоялся в Дублине в 1980 году, Марина и Улай посвятили теме безграничного доверия между близкими людьми. Они стояли друг напротив друга и не отрывали взгляда. Абрамович держала в руке боевой лук, а Улай — натянутую тетиву и стрелу, которая была направлена в сердце партнерши. Под одеждой у каждого находились устройства, которые фиксировали сердцебиение и транслировали звук на весь зал. Это продолжалось около четырех минут, но для Марины «они стали вечностью».
Насилие
Рудольф Шварцкоглер: «3-я акция»
Рудольф Шварцкоглер во время «3-ей акции»
Почти все эти перформансы проходили в Вене в 60-х и были связаны с экспериментами над телом, попытками контролировать боль и входить в состояние медитации. Рудольф Шварцкоглер примыкал к одной из наиболее радикальных групп австрийских художников и вместе с ними изобретал новые методы ритуального насилия в искусстве перформанса. В своих представлениях он нарушал все мыслимые табу, утверждая, что дает выход инстинктам, которые подавляются обществом послевоенной Европы. Во время «3-ей акции» (1965) он обмотал себя бинтами и делал надрезы, наблюдая, как кровь стекает на кусок металла, который лежал рядом с его головой. Самоистязание для Шварцкоглера — возможность доказать, что власть над телом человека может принадлежать только ему самому.
Марина Абрамович: «Ритм 0»
Марина Абрамович «Ритм 0»
Марина Абрамович создала целую серию перформансов под общим названием «Ритм». В 1974 году она на шесть часов была заперта в галерее вместе с публикой. Перед ними были разложены 72 предмета, некоторые символизировали наслаждение (мед, роза, меховое боа), другие — насилие (цепи, нож, ремень) и смерть (пистолет, пуля). На одной из стен висело объявление о том, что все предметы на столе и тело художницы находятся в полном распоряжении публики. Поначалу люди включались в «игру» с осторожностью, но через пару часов становились по-настоящему агрессивны. Одежда Марины была разорвана, ее тело исколото шипами, покрыто ссадинами и порезами, один из зрителей приставил к голове художницы дуло пистолета, но его удалось остановить. Абрамович объяснила, что хотела показать, «насколько быстро человек может вернуться в дикое пещерное состояние, если ему это позволить».
Мнение экспертов
Специально для Hit.media
Александра Старусева-Першеева, магистр изящных искусств, преподаватель НИУ ВШЭ
«Перформанс не должен восприниматься как способ эпатировать публику, этот феномен стал полноправной формой современного искусства. А оно, как известно, склонно к провокационности. Если мы будем рассматривать общество как механизм, то перформанс в нем — та сила, которая может привести его в действие, взбудоражить, а, главное, восстановить нужный баланс».
Редактор раздела «Искусство» сайта Colta Сергей Гуськов
«Само появление и распространение акционизма связано прежде всего с тем, что искусство всегда ищет и находит новые, более доступные способы диалога со зрителем».
Фотохудожник использует нестандартный«кинематографический» подход, словно документируя жизнь своих героинь и создавая из каждого кадра историю. Его модели не выглядят наигранно, у них естественные позы, в выражениях лиц нет фальши, статичности. Фотограф любит снимать моделей в неподходящие моменты: когда они готовятся к съемкам или просто дурачатся, чувствуя себя свободно. Фотографии Дениса Пила неоднозначны, нельзя разгадать их смысл с первого раза, они заставляют задуматься над тем, что было до этого кадра и что будет после, порождая всё новые вопросы.
Денис Пил на открытии персональной выставки «Стоп-кадр. Модная фотография»
Денис Пил во время паблик-тока в Центре фотографии имени братьев Люмьер
«В чем секрет хороших кадров? Мы с моделью должны чувствовать и понимать друг друга, то есть в процессе возникает погружение в историю, которую я хочу рассказать, она прислушивается к моей идее, следит за ходом моих мыслей и, конечно, может их изменять, это даже придает некий шарм фотографии. Вот так выглядят мои идеальные съемки. Такие отношения для фотографа чрезвычайно важны».
«Я никогда не создаю четкий, детализированный сценарий, не прописываю его, не раздаю конкретные роли моделям, я просто держу идею в голове и уже походу решаю, как его реализовать, что изменить, что добавить, это долгий процесс создания истории. Именно поэтому мои фотографии не получаются замороженными и статичными, в них полно жизни и эмоций».
«В съемке меня интересуют только кинематографичные моменты, мне не нравятся стандартные, пускай и красивые, позы, не нравятся статичные кадры, я пытаюсь поймать что-то реальное, живое, историю, за которой скрывается какой-то вопрос, загадка, которую невозможно решить с первой попытки, в ней заложена идея, над которой нужно поломать голову».
«Мне кажется, что каждый творец должен каждый раз влюбляться в свою модель, находить в ней что-то неординарное и неповторимое, восхищаться ее характером, внешностью, позволить себе быть очарованным ей. Я так всегда делаю».
Денис Пил специально для Hit.Media
«Моя любимая серия работ: девушка в длинном вечернем платье с воланами прогуливается по тенистым аллеям сада, а за ней устремляется павлин. Он ходит за ней по пятам, как будто влюбился в ее статную фигуру, увидел что-то прекрасное. Это меня поразило — такая горделивая птица признала поражение в «конкурсе красоты» и восхитилась чужим превосходством».
«Кто из режиссеров меня вдохновляет? Конечно, это Кубрик. Мне очень льстит, когда меня сравнивают с ним, хотя я никогда не буду сопоставлять свои работы с его фильмами, это кощунство. Мне нравится его воображение, непредсказуемость, оригинальное развитие сюжета, декорации и актеры, которые так естественно играют безумцев, меня поражает глубокий психоанализ его картин».
«Определяет ли Vogue, что я буду снимать? Нет, за мной сохраняется свобода выбора в идее и концепции работы. Арт-директор приглашает меня на съемку, есть заданная одежда, мы выбираем моделей, определяем локацию, приезжаем в определенное место, и уже там я создаю свой собственный сценарий, затем снимаю эту историю и сдаю ее журналу».
«Стоп-кадр. Модная фотография»
Его муза
Джиа Каранджи для «Vogue»
Центральное место в экспозиции занимают фото дерзкой и необузданной модели, любимицы Дениса Пила – Джии Каранджи. Эта девушка ещё совсем юной успела вскружить голову многим дизайнерам и участвовала в показах великих кутюрье, но покинула этот мир слишком рано, наркотики погубили ее.
«Моей самой любимой моделью была Джиа. – признается Денис, – Я не встречал более прямолинейного и открытого человека, она была невероятно талантливой и сильной. Мне очень жаль, что Джиа ушла так рано, она навсегда останется в моем сердце».
Прелестное дитя
Брук Шилдс для »Vogue»
Юная актриса Брук Шилдс как будто играет во взрослую женщину: нарядилась в шелковое вечернее платье и сделала парадную прическу, но в ее позах все равно читается детская непосредственность и легкая неуклюжесть.
Контраст двух миров
Серия «Марокко»
В серии фото из Марокко Денис Пил «поселил» европейскую девушку, привыкшую к роскоши и беззаботной жизни, в нищие кварталы, где она знакомится с уличными торговцами, ремесленниками и домохозяйками, играет с их детьми. Главная идея съемки на бедных улицах Марокко в том, что модель и зрители видят «болезненный контраст двух миров».
Простота и безмятежность
Кристи Тарлингтон для «ELLE»
Из Марокко мы перемещаемся в Калифорнию, где встречаем Кристи Тарлингтон, супермодель 90-х. Она нежится в лучах солнца, сидя на веранде рыбацкого домика. Поза и нежное лицо модели выражают полную безмятежность. Кристи Тарлингтон олицетворяет собой сексуальную простоту, в которой нет ничего вульгарного и пошлого, она поистине восхитительна.
Прекрасный лебедь
Энди Макдауэлл для «Vanity Fair»
Фотосъемка с американской актрисой и моделью Энди Макдауэлл — гордость Дениса Пила. Он рассказал нам, что Энди, когда пришла к нему, была жутко стеснительной и закомплексованной. Фотограф возмутился и решил превратить гадкого утенка в прекрасного лебедя прямо на съемке»: включил музыку, начал рассказывать смешные истории, и вскоре девушка почувствовала себя свободно. Позже Макдауэлл не раз признавалась, что эта встреча в корне изменила ее представление о себе.
Ума. Начало пути
Первая фотосессия Умы Турман
Уме Турман было всего шестнадцать, когда она пришла на первую съемку к Денису Пилу. Совсем подросток, ужасно напуганная и забитая: сверстники Умы издевались над ней, считая нестандартную внешность настоящим уродством. Но с Пилом все было по-другому, Ума Турман полностью раскрылась.
История фотохудожника
Денис Пил – один из самых выдающихся фэшн-фотографов 20 века. В 80-х его печатали в таких известных глянцевых изданиях, как «Vogue», «GQ», «Vanity Fair», «ELLE» и «Marie Claire». Большинство из этих кадров являются настоящими иконами фэшн-фотографии. Героинями его снимков были модели, ставшие легендами 1980-х: Кристи Тарлингтон, Рейчел Уильямс, Лара Нашински, Ева Уоллен, Нэнси Донахью, Келли Леброк, Джоан Северанс, Йоанна Пакула. На выставке представлены фотосессии с Энди Макдауэлл, Умой Турман, Джией Каранджи, Брук Шилдс, Кристи Тарлингтон и другие.
Где посмотреть?
8 февраля в Центре фотографии имени братьев Люмьер состоялось открытие персональной выставки Дениса Пила «Стоп-кадр. Модная фотография». На ней представлены лучшие работы фотохудожника, которые были напечатаны в «Vogue»,«Elle»,«New York Times» и «Marie Claire».
О причинах общественной дискуссии, которую вызвало решение петербургских властей передать Исаакиевский собор Русской Православной церкви в безвозмездное пользование на 49 лет, рассуждали эксперты ток-шоу «В точку»: ректор Свято-Филаретовского Православно-христианского института Отец Георгий Кочетков, искусствовед, профессор Свято-Филаретовского Православно-христианского института Александр Копировский и профессор культурологии Высшей школы экономики, журналист Ян Левченко.
Александр Копировский уверен, что информационный шум вокруг передачи Исаакиевского собора РПЦ – «вещь искусственная, — когда в определенное место нужно бросить гранату, отвлекающую от других тем». В этой истории, по его мнению, главный вопрос – духовно-нравственный: если это действующий храм, его главная функция – быть местом молитвы.
Отец Георгий обратил внимание на зарубежный опыт: «Для музея – музейное помещение. Храм должен быть храм. При этом одно с другим может сочетаться. Это практика распространенная по всему миру и давно отработана. Мне даже странно, что здесь возникают какие-то конфликты».
Ян Левченко полагает, что полемика вокруг Исаакия требует взвешенных позиций с обеих сторон:
«Этот конфликт позволяет поднять вопросы, которые прежде решались либо автоматически, либо на уровне «кто кого».
Один из главных вопросов – деньги. В Министерстве культуры рассчитывают, что затраты на Исаакий возьмет на себя новый собственник, а РПЦ ждет госсубсидий «в рамках той или иной программы».
Отец Георгий уверен, что средства на содержание храма-памятника придут только из государственного кармана:
«Других вариантов нет и не должно быть. Общество и государство заинтересованы в сохранении памятников культуры. Если вы хотите, чтобы это было культурным явлением, а не только культовым – платите. И это абсолютно нормально».
Александр Копировский не видит драматизма в материальном вопросе:
«На такие вещи очень легко найти деньги. Любой миллионер, жертвуя на Исаакий, не будет бояться, что кто-то эти деньги утащит».
Ян Левченко призывает рассматривать сложившуюся ситуацию в качестве «показательного» акта, который должен послужить поводом для решения накопившихся разногласий между активной культурной общественностью и церковью:
«Ситуация не может быть прежней в силу ее двусмысленности. Нужно не о конкретном Исаакиевском соборе думать, а воспринимать эту передачу, этот конфликт репрезентативным для разворачивания общественной дискуссии на тему, что дальше делать со взаимоотношениями государства и церкви».
Полная версия программы
Ток-шоу «В точку» выходит с весны 2016 г. как учебный студенческий проект факультета коммуникаций, медиа и дизайна Высшей школы экономики.
В Америке кассовые сборы мультфильма Гарта Дженнингса «Зверопой» трижды окупили его бюджет в 75 миллионов долларов. В России премьера назначена только на 2 марта, а мы уже успели посмотреть этот красочный анимационный фильм и оценить его по достоинству.
Мужской взгляд
Сюжет
Действие мультфильма «Зверопой» происходит в мире, населенном человекоподобными животными. Коала Бастер Мун – хозяин некогда знаменитого театра, доставшегося ему в наследство от отца. Сейчас заведение переживает не лучшие времена, и герою необходимо найти способ спасти его от закрытия. Организованный им песенный конкурс, благодаря череде непредвиденных случайностей, собирает вместе разных, но очень талантливых участников, каждому из которых предстоит преодолеть свои преграды на пути к мечте. Мультфильм расскажет нам историю каждого из героев во всех возможных подробностях, порадует нас многочисленными репетициями и комичными ситуациями и, конечно, покажет развязку истории театра Мистера Муна. В общем, скучно не будет.
Женский взгляд
Рисовка
«Universal pictures» в сотрудничестве с «Illumination Entertainment» просто не могли нарисовать плохо. Все цвета очень сочные и яркие, прямо как дети любят, но при этом они подобраны со вкусом, так что совершенно не режут глаза. Например, у гориллы Джонни, которая связана с криминальным миром, насыщенная зеленая кофта отлично сочетается с черной косухой. А хряк Гюнтер, виртуозный танцор, одет в малиновое трико, и кажется, что все так и должно быть. Даже самые мелкие детали в «Зверопое» прорисованы с особой точностью. Естественно, в 2017 году с помощью компьютерной графики можно сделать все что угодно. И все равно умиляешься тому, как сидит на самовлюбленном мышонке-саксофонисте Майке его бордовый костюмчик с крохотной шляпкой. Даже у дикобразихи Эш и каждая иголочка, и градиент на ней видны невооруженным взглядом.
Мужской взгляд
Музыка
Музыкальное сопровождение «Зверопоя» достойно отдельного упоминания – настолько разнообразным и обильным оно не было ни в одном из виденных мной ранее мультфильмов. Герои исполняют музыку почти в любом существующем жанре от хард-рока (Queen «Under Pressure») до традиционной поп-музыки (Frank Sinatra «My Way»), так что каждый сможет найти композицию себе по душе. Причем в мультфильме песни прозвучат как в оригинале (Scarlett Johansson «Set It All Free»), так и в исполнении актеров озвучки: Сет МакФарлейн, например, сделал кавер на Френка Синатру, а Тэрон Эджертон спел «I’m Still Standing» сэра Элтона Джона. В полной мере оценить эти и многие другие композиции поможет то, что их тексты переводить на русский язык не стали, за что авторам дубляжа отдельный поклон.
Женский взгляд
Ассоциации
Конечно же, каждый зритель увидит схожесть этого мультфильма со «Зверополисом». Стили рисовки практически одинаковы, но все остальное кардинально отличается. Были выбраны совершенно другие животные. Если в анимационном фильме «Walt Disney» упор сделан на детективную историю, то «Зверопой» больше похож на вокальное шоу «American Idol» в США или «X Factor» в Британии. Если вас уже раздражает очередной сезон «Голоса» на Первом канале, то этот мультик – отличная ему альтернатива. Режиссер, безусловно, вдохновлялся музыкальными конкурсами и сделал свое мини-шоу. Зрителю не приходится ждать полгода для того, чтобы узнать, кто выиграет в соревновании голосов, все решается за 108 минут.
Мужской взгляд
Мораль
Каждый из героев мультфильма, от хозяина театра до участников конкурса, живет мечтой, связанной с песенным шоу. Кому-то просто нравится петь, кто-то хочет доказать себе и близким, что он способен на большее, а некоторые прельстились денежным призом. Каждый из участников, независимо от мотивации, сталкивается на своем пути с различными трудностями, такими как непонимание близких или стеснительность, но только лишь для того, чтобы с успехом их преодолеть. «Зверопой» доказывает, что к мечте надо идти наперекор всему, надо отдать всего себя любимому делу, и тогда ты обязательно достигнешь цели несмотря ни на что.
Женский взгляд
Общее впечатление
На этот раз мы рекомендуем мультфильм «Зверопой» или, если дословно переводить с английского, просто «Пой» к просмотру как женской, так и мужской аудитории. Многодетная мать-хрюшка Розита покорит своей скромностью и находчивостью милых дам, а то, как Бастер Мун крадет электричество и воду для своего театра, только чтобы вернуть ему былую популярность, понравится молодым людям. В этой картине все идеально сочетается и переплетается. Например, спокойная семейная жизнь с криминальной, эгоизм мышонка Майка с искренностью большой слонихи Мины, а бедность главного героя с шикарной жизнью барана Эдди. Если вы любите красивые голоса, умиляющую картинку, да и просто хотите поднять себе настроение, то «Зверопой» был создан специально для того, чтобы радовать и бодрить.
Грузинский авангард зародился в начале 20 века, самый яркий период его развития пришелся на 1917-1921 годы. Именно в это время в Тифлисе или, как его тогда называли, «грузинском Париже», работали художники, поэты, писатели, музыканты, которые осваивали новые направления, возникшие после революции в России и окончания Первой мировой войны.
Тифлис стал «землёй обетованной» для новой культуры, из него работы молодых художников могли попасть в Европу. Сообщества футуристов издавали манифесты с призывами «надеть мир на новую ось», а в 1919 был открыт «Футурвсеучбище», специальный институт, где проводились поэтические вечера, лекции о футуризме и авангарде. В этом месте юные поэты и художники могли свободно выражать свои взгляды и, вдохновляясь фольклорными мотивами Грузии, создали новую волну в искусстве, которая будет существовать до середины 20-того столетия.
Несмотря на то что многие грузинские живописцы, как Ладо Гудиашвили и Какабадзе, следовали парижской школе и брали пример с Фужиты, Модильяни, Пикассо и Матисса – легенд Монпарнаса, их живопись не переняла манеру французского авангарда, не стала европеизированной, а сохранила свой национальный колорит. Грузинский авангард – это уникальное явление, в котором соединились веяния новой живописи и этническая самобытность.
На выставке «Грузинский авангард», в музее личных коллекций ГМИИ имени Пушкина представлены 200 картин мастеров грузинского авангарда: Пиросмани, Гудиашвили, Зданевича, Какабадзе и Ираклия Гамрекели. Творчество каждого художника показано в развитии, и видно, как менялся его стиль на протяжении времени под влиянием различных событий.
Экспозиция позволяет посетителям увидеть жизнь Грузии той поры – картины Пиросмани переносят зрителей на шумные весёлые пиры и праздники, Гудиашвили указывает путь в мир грузинских сказок и легенд, Какабадзе погружает в настоящий водоворот событий – вначале мы оказываемся на склонах холмов его родной Имеретии, затем попадаем в кубические города, любуемся французскими пейзажами в духе импрессионизма и в итоге возвращаемся в исходную точку – на родину художника.
Такие разные мотивы, такие разные подходы художников к живописи, такие разные жизненные пути слились воедино и образовали уникальную культуру.
Нико Пиросмани: его пиры и звери с человеческими глазами
Пиросмани, крестьянского сына и художника-самоучку из Тифлиса, критики часто сравнивали его с французскими современниками Руссо и Матиссом.
Для его работ, особенно портретов, характерны яркие насыщенные цвета в одежде героев и предметах, а также чёрный фон, который, по мнению художника, служил для выделения главного образа на полотне и был нужен для того, чтобы не отвлекать внимание зрителей от центральных персонажей.
Портреты Пиросмани предпочитал выполнять по фотографиям – так были написаны портрет Ильи Зданевича (1913) и Александра Гаранова (1906). Ещё одна особенность творчества Пиросмани: он любил быстро заканчивать работу – ему понадобилось всего три дня, чтобы создать портрет Зданевича. Художник считал, что если уделять картине слишком много времени, то её можно только испортить. Наоборот, нужно писать сразу, пока есть вдохновение, и полностью посвятить себя работе. Пиросмани никогда не исправлял и не дополнял свои рисунки, он оставлял их сразу, как только добавлял последний штрих.
Животные на его картинах выглядят очень трогательно и реалистично, а их глаза, как сказал один критик, напоминают глаза самого Пиросмани. Художник пытался очеловечить своих зверей, через их задумчивые выражения показать, что звериная душа намного глубже, чем кажется людям, что они понимают абсолютно все, что происходит в жизни, и даже способны видеть вещи за ее гранью. «Жираф», «Лань», «Погонщик с верблюдом», «Белая корова на черном фоне» находятся в главном зале Музея личных коллекций.
«Семейный праздник» Нико Пиросмани
Пиросмани изображал шумные весёлые праздники, на которых собирались родственники и друзья знатных грузинских семейств, пиры с изобилием яств, где вино лилось рекой. Однако сам был очень беден, и ему были не доступны подобные удовольствия, он лишь мог наблюдать за ними со стороны. Возможно, в процессе работы над этими сценами, Пиросмани представлял себя участником беззаботного кутежа, на котором ему удалось отведать вкуснейшие блюда и насладиться праздностью вечера.
К картинам этой серии относятся несколько вариаций «Пира», «Семейный праздник», «Кутеж» и «Обед тифлисских торговцев с граммофоном», представленные в музее. Художнику нравилось изображать повседневную жизнь крестьян, ремесленников и работников. Он изображал, как они занимаются привычными делами, в процессе их труда, поэтому их позы не статичны, они живые. На выставке можно увидеть картины «Пастух в бурке», «Девочка с гусыней и гусятами», «Рыбак среди скал», «Гумно». Творчество Пиросмани завораживает искренностью и простотой сюжетов, в них прослеживается философия грузинской жизни.
Волшебные миры Гудиашвили
«Зеленые нимфы» Ладо Гудиашвили
Другой грузинский авангардист Ладо Гудиашвили выполнял свои работы в разнообразных техниках и жанрах. Он писал маслом, гуашью, акварелью, в своих произведениях использовал мифологические, исторические, эпические, политические и лирические мотивы. Гудиашвили практически не писал с натуры, большинство образов и сюжетов – это порождение его фантазии. Художник старался придать своим картинам сказочность, сделать их фольклорными и фантазийным.
В работах Гудиашвили преобладают мягкие, светлые тона, его излюбленные цвета – бледно-бирюзовый и светло-зелёный. Животные и люди выглядят как персонажи с иллюстраций к грузинским легендам и преданиям – загадочные фигуры цариц, храбрые герои, чудовища и сказочные создания заполняют его картины.
Центральными героями произведений лирической тематики Гудиашвили сделал изящных животных: лань, лошадь, экзотические птицы занимали особое место в этих работах. В эпических картинах часто присутствовали медведь, волк, обезьяна или какое-нибудь чудовище из легенды. Гудиашвили любил включать образы животных и в портреты, в ассоциации с конкретным человеком. Рядом с Галиной Улановой он поместил лань, рядом с Пиросмани – газель. Самые интересные работы с мифологическими сюжетами: «Зеленые нимфы», «Юноша c пятнистой ланью», «Весна» и «В плену любви».
Гудиашвили преподнес себя как фантазера, который способен соединить два мира – реальный и сказочный.
Давид Какабадзе – смелый экспериментатор из Имеретии
«Абстрактная композиция» Давид Какабадзе
Творчество художника из Имеретии Давида Какабадзе сильно отличается от живописи Пиросмани и Гудиашвили. Он был представителем кубизма. Какабадзе в основном писал пейзажи родной Имеретии («Имеретия — мать моя!» – самая яркая картина из этого цикла), эпические мотивы кавказской и французской природы, натюрморты, сцены из театра. Во время поездки во Францию Какабадзе создал серию работ «Париж», которая включает в себя этюды городских видов и жизни парижан – все они представлены на выставке.
Путешествуя по стране, Какабадзе написал много пейзажей провинции Бретань. Рисунки с маленькими уютными домиками, полями и садами в стиле импрессионизма украсили целую стену в музее.
Поездка во Францию кардинально повлияла на технику работ Какабадзе – художник увлёкся беспредметной живописью, отошёл от кубизма и постимпрессионизма. В своих новых работах Давид сочетал модерн с авангардными экспериментами, которые стали переходом от постфутуризма к абстрактно-кинетическому искусству. Художник ввёл в свои коллажные работы зеркала, линзы, блестящий металл, стремясь к эффекту внутреннего света, который должна была излучать сама картина. В его нестандартных работах отчётливо читался «дух машинизма».
Серия механических композиций занимает основное место в зале, посвященном живописи этого художника. После парижских экспериментов Какабадзе вернулся домой и возобновил занятия пейзажной живописью, ориентируясь на кубизм, абстракционизм и социальный реализм, но он все равно не смог отойти от романтической направленности своих произведений.
«Театральный карнавал» Какабадзе и Гамрекели
Театральные костюмы Гамрекели
Позже Какабадзе стал первым художником-оформителем во 2-ом Государственном драматическом театре в Кутаиси. В театральных работах Давида, в костюмах и декорациях к спектаклям, отразилось течение абстракционизма. В одежде отсутствовали четкие простые формы, она была броской и многослойной, ярких кричащих цветов, некоторые платья и пиджаки расцвечены двухцветными ромбами и крупным горохом. Таким образом Давид оформил следующие спектакли: «Гурия Ниношвили» Дадиани, «Гибель эскадры» А. Е. Корнейчука (1934), «Каменный гость», «Мачеха Саманишвили» Клдиашвили (1937), «Непобедимые» Готуа (1945).
Многие театральные работы Давида Какбадзе: костюмы, эскизы, части декораций, выполненные в стиле кубизм — размещены в отдельном зале музея. Кроме этого реквизита для спектаклей на выставке можно увидеть костюмы к пьесам Шекспира, над которыми трудился ещё один грузинский художник – Ираклий Гамрекели. Интересно, что одежда для Гамлета, принца датского, целиком выполнена в национальном грузинском стиле, в ней нет ни малейшего намека на европейскую моду того времени.
«Оркестр» Зданевича
»Музыкальный оркестр» Илья Зданевич
Четвертый грузинский авангардист, работы которого выставлены в музее – Кирилл Зданевич. Он был основателем оригинальной оркестровой живописи: художник брал сцены из различных концертов и выполнял их в кубическом стиле, сочетая мелкие детали и создавая музыкальные образы контрабасистов, виолончелистов и скрипачей.
Выставка «Грузинский авангард» открыта до 12 марта 2017 года.
Совсем недавно на большие экраны вышла эта музыкальная мелодрама, а уже через несколько дней она была номинирована на 14 «Оскаров». В чем заключается потрясающий успех кинокартины «Ла-Ла Ленд» и почему «фильм века» может не понравиться? На эти и на многие другие вопросы мы постараемся ответить в нашей рецензии.
Сюжет
Женский взгляд
Девушка Миа выглядит совершенно несчастной, работая в обычном кафе за кассой, зато сильно преображается, когда оказывается на прослушивании или кастинге. Она мечтает стать настоящей актрисой, но её каждый раз отвергают. А Себастьян – потрясающий пианист, который живет и дышит джазом. Он хочет открыть свое заведение, чтобы люди приходили туда послушать именно этот жанр музыки. Их пути пересекаются еще в самом начале фильма, и на протяжении всей картины они отчаянно пытаются убедить друг друга следовать за своей мечтой. Но в итоге они должны выбрать: быть вместе, либо посвятить себя искусству.
Мужской взгляд
История, рассказанная в «Ла-Ла Ленде», тривиальна до неприличия: два безработных, но очень талантливых молодых человека пытаются пробиться в мир звезд. Они замечают друг друга в пробке на шоссе, и уже после третьей встречи у пары завязываются отношения. Авторы фильма, вероятно, рассчитывали, что противостояние любви и мечты заинтересует зрителя и вытащит его из пучины «клишированности» и банальности. Этого, увы, не происходит. Мы не до конца понимаем мотивы главных героев, не имеем полного представления об их жизни до «Ла-Ла Ленда», и это оказывается серьезным препятствием при просмотре фильма.
Актерская игра
Женский взгляд
Райан Гослинг и Эмма Стоун великолепно показали в «Ла-Ла Ленде» не только свою харизму и артистичность, но и то, что они готовы долго и кропотливо трудиться, оттачивая мастерство. Гослинг до съемок фильма ежедневно заучивал все композиции, которые звучали в мюзикле. Мне показалось, что Эмма Стоун не играла в этой кинокартине, а проживала в ней настоящую вторую жизнь. В Эмме нет фальши. В течение всех двух часов ее героиня искренне любит и переживает, по-настоящему показывает, что зла, обижена или расстроена. Думаю, что любой зритель почувствовал, как разрывалось сердце Мии, когда на кастингах ее перебивали, а после не перезванивали. А когда Себастьян не поддержал возлюбленную на премьере ее собственной пьесы, то Стоун сыграла так, будто ее действительно только что предали.
Мужской взгляд
Фильм строится вокруг исполнителей главных ролей: Райана Гослинга и Эммы Стоун. Остальные актеры оказываются в тени звезд и абсолютно ничем не запоминаются. Впрочем, есть сомнения и в видимой величине звёзд: если Гослинг играет еще очень достойно, то Стоун в некоторых эпизодах выглядит крайне неестественно. Порой кажется, что актерские пробы ее героини сыграны лучше, чем сама героиня, и это несколько настораживает.
Музыка
Женский взгляд
Каждая композиция очаровывает по-своему. Когда актеры начинают петь и танцевать, то пропадает желание сидеть в зрительном зале. Хочется оказаться в парке перед огромным экраном и начать вальсировать или отбивать чечетку так же красиво, как и Миа с Себастьяном в музыкальной мелодраме. Композиция «Sоmeone in the crowd» подталкивает прыгать от заряда энергии, «A lovely night» идеально подходит для романтической прогулки, а под «City of stars» хочется посидеть в одиночестве и подумать о своей жизни, возможно, со слезами на глазах. В общем, «Ла-Ла Ленд» идеально сочетает в себе песни под любое настроение, а значит, слушать голоса Гослинга и Стоун можно постоянно, и это не будет надоедать.
Мужской взгляд
Музыки в «Ла-Ла Ленде» много, или, точнее, ОЧЕНЬ много. Различные песни возникают в фильме по поводу и без, да так часто, что главная тема успевает надоесть уже за первые полчаса просмотра. Большинство композиций хочется прервать выходом из зала или хотя бы «фейспалмом» – настолько неуместно и глупо они выглядят. Само исполнение не вызывает вопросов, но вот место всех этих песен и плясок в сюжете остается непонятным – они скорее мешают, чем помогают. Несколько сглаживает неприятное впечатление обилие хорошей джазовой музыки, однако даже этого оказывается недостаточно. В итоге не получилось ни полноценного фильма, ни мюзикла.
«Фильм века»
Женский взгляд
Операторская работа поражает уже в самом начале. Камера «плывет» между машинами, на которых между тем поют и танцуют сотни актеров во время пробки на шоссе. Более того, этот своеобразный флешмоб в течение длительного времени снимался одним кадром. Отдельные аплодисменты посвящаю режиссеру. В кинотеатре ты сидишь в полном шоке, потому что невозможно сразу отличить правду от выдумки, когда съемки реальной жизни героев кинокартины переплетаются с кадрами их желаний и мечтаний.
Мужской взгляд
Помимо чрезмерно обильного музыкального сопровождения «Ла-Ла Ленд» может запомниться ошибками и неточностями операторов и звукорежиссеров. Камера иногда ведет себя так, будто находится в руках любителя, и это выглядит скорее как случайность, нежели как авторская задумка. Звук в «Ла-Ла Ленде» также не совсем чист: довольно часто закадровый шум перекрывает голоса актеров, и бывает трудно услышать их реплики. Понятно, что фильм с таким количеством косяков претендовать на какие-либо награды не должен.
Общее впечатление
Женский взгляд
Безусловно, я советую «Ла-Ла Ленд » для просмотра женской аудитории. Это потрясающая картина, которая украшена яркими нарядами, в ней звучат ласкающие слух фортепьяно и саксофон. Райан Гослинг и Эмма Стоун самостоятельно исполняют все танцы и композиции. Красивые съемки шумного мегаполиса смягчаются нежной и искренней историей о любви. Могу с уверенностью сказать, что за последние несколько лет я не смотрела ничего столь волнующего. После просмотра действительно становится тепло на душе.
Мужской взгляд
«Ла-Ла Ленд» напоминает одновременно плохой индийский фильм и «Вишневый сад»: если герои не танцуют и не поют, они разговаривают. И делают это так же бессвязно, как и персонажи бессмертной комедии Чехова. Сюжет развивается стремительно и фантастично, а концовка и вовсе повергает в шок в плохом смысле этого слова. Зритель выходит из зала опустошенным, с давящим чувством на сердце, при этом просидев полфильма с рукой на лице. Я бы не стал рекомендовать этот фильм к просмотру мужчинам. И даже если вы безумный фанат джаза – поверьте, оно того не стоит.
Глава Министерства культуры Владимир Мединский собирается поднять стоимость прокатных удостоверений для зарубежных картин с нынешних 3 500 до 5 000 000 руб., чтобы стимулировать отечественную киноиндустрию, сообщают «Ведомости». Он также упомянул, что Минкульт может не выдавать прокатные удостоверения иностранным фильмам на даты, которые заняты кинокартинами со схожей тематикой. Деньги, полученные за прокатные удостоверения, планируется тратить на развитие российского кино.
Кроме того, в Министерстве обсуждается возможность такого же увеличения стоимости прокатных удостоверений российских фильмов с условием последующей компенсации затрат.
Что такое прокатное удостоверение
Прокатное удостоверение — это документ, позволяющий владельцу прав на фильм распространять его на территории РФ, сдавать в прокат и аренду, публично демонстрировать и транслировать по кабельному телевидению. Прокатное удостоверение выдается Министерством культуры РФ и подтверждает регистрацию фильма в Государственном реестре, а также содержит информацию о возрастных ограничениях. Оно не выдается картинам, в которых присутствует нецензурная лексика и материалы, нарушающие законодательство РФ.
Для получения удостоверения в Министерство культуры подается необходимый пакет документов, справка о нахождении копии фильма на государственном хранении и квитанция об оплате вышеупомянутой госпошлины.
Повышенный сбор за прокатное удостоверение является «мягкой» формой защиты национального кинематографа, в отличие от более жесткой системы регулирования в виде квот, которые количественно ограничивают долю иностранных картин на внутреннем рынке. В России в разное время предлагались оба варианта стимулирования российского кинематографа.
Что было раньше
В апреле 2016 года депутат «Справедливой России» Ильдар Самиев разработал законопроект, вводящий «прогрессивный налог» на зарубежные фильмы. В планах Самиева было облагать иностранные картины налогом от 5 до 20% в зависимости от процента занимающихся прокатом зарубежного фильма российских кинозалов. Эту идею поддержал Владимир Мединский.
Ранее, в марте 2014 года, «Единая Россия» предложила законопроект, согласно которому число зарубежных фильмов должно составлять не более 50% от общего числа показываемых картин. Позднее закон о квотировании был отложен.
В 2015 году сети кинотеатров («Люксор», «Пять звезд» и другие) заключили договор с Министерством культуры, по которому кинотеатры обязались приложить все возможные усилия для повышения популярности российских фильмов и обеспечить им 20% проката в год.
Факты
С 2001 года по настоящее время российское кино собрало в прокате 1,78 миллиардов долларов. Кроме того, в 2016 году российское кино закрепилось на кинорынке Китая, сообщает «Комсомольская правда» со ссылкой на ТАСС. Согласно исследованию «Кинопоиска», наиболее популярный жанр отечественного кино — военная драма.
Российское кино
Зарубежное кино
Самым кассовым фильмом стал «Сталинград» со сборами в 68 миллионов долларов.
119 млн. долларов собрал самый кассовый фильм российского проката — «Аватар».
8,6 миллиардарублей пришлось на 2016 год.
В первой половине 2016 года собрало в общей сложности 23 миллиарда рублей, что составляет 79% от всех сборов.
Доля отечественного кино в прокате выросла за прошедший год до 18,5%.
Количество зарубежных фильмов в прокате на данный момент составляет 81,5% от общего числа.
Российский фильм «Экипаж» среди кассовых хитов-2016 оказался на 5 месте (24 млн. долларов).
35 млн. долларов собрал самый популярный фильм в российском прокате в 2016 году — «Зверополис».
Самый рейтинговый фильм — «Легенда №17» (8.0 на «Кинопоиске»)
Самый рейтинговый фильм — «Побег из Шоушенка» (9.1 на «Кинопоиске»).
Кадр из фильма «Легенда №17»
Опыт других стран
Китай
Система квотирования в Китае является одной из самых жестких в мире. Чтобы защитить свой внутренний рынок, в КНР до 2009 года было разрешено показывать не более 20 иностранных картин ежегодно. Право на показ кинопродукции при этом было только у китайских дистрибьюторов. Позднее в 2014 году число разрешенных к показу фильмов выросло до 34-х, при этом 14 из них обязательно должны быть в формате 3D.
Южная Корея
В 1996 году в Южной Корее были введены квоты, обязывающие кинотеатры показывать местную кинопродукцию минимум 90 дней в году. Впоследствии это число много раз менялось и сейчас достигло 106 дней. Данная квота, однако, соблюдается не всеми кинотеатрами.
Европейские страны
Квотирование на иностранные фильмы существует и в странах Европы. В Греции местные кинокартины должны показываться минимум 28 дней в году, в Испании — от 73 до 91 дня.
Франция — не квоты, но поддержка
Особняком в вопросе помощи национальному кинематографу стоит Франция. Отказавшись от запретов и квотирования, французское Министерство кино оказывает финансовую поддержку кинотеатрам, показывающим авторское кино, европейские фильмы и артхаус.
