Харизматичный лидер, духовный провидец, непримиримый борец за социальную справедливость, пацифист, преданный проповедник растафарианства — Боба Марли можно описать по-разному. Ямайский музыкант, один из основоположников жанра «регги» рассказал о своем детстве, особенностях музыки и дал совет современному поколению.
— Известно, что у вас было непростое детство, а настоящим «университетом жизни» стал трущобный район Тренчтаун1 в Кингстоне. Какой самый важный «урок» вы получили на улицах Тренчтауна, и что из тех времен хотелось бы забыть?
Музей «Культурный двор Тренчтауна», где в начале своей карьеры жил Боб Марли
— Воистину, самый важный урок Тренчтауна… там я познал, что бедность — это не отсутствие денег, а отсутствие справедливости. «Вавилон»2 давит на людей, пытаясь украсть их достоинство. Но на этих улицах я увидел, что даже в грязи и пепле душа человека может оставаться чистой, как горный ручей. Мы делили одну порцию еките3 на шестерых, но в наших сердцах была одна любовь. Это научило меня истине: неважно, сколько у тебя есть, важно, сколько ты можешь отдать другим. Сила — в единстве, в том, чтобы поднять павшего, а не пройти мимо.
Что я хотел бы забыть… Забыть — не значит исцелить. Я не хочу забывать боль. Я хочу, чтобы она помнилась, чтобы мы не допустили её снова. Но если говорить о самом тёмном… так это звук страха в голосе матери. Видеть, как сильные люди ломаются, теряя веру. Это горькое семя ненависти, которое система пытается посадить в тебя. Но мы, раста, вырываем его и сажаем вместо него любовь.
— Продолжим говорить о детстве: тогда у вас была репутация ясновидящего — по отпечаткам на земле вы могли описать человека. Какое отражение нашла эта связь с незримыми нитями мира уже в творчестве?
— Этот дар… сменил форму, как гусеница становится бабочкой: в детстве я «читал» землю — отпечатки босых ног рассказывали мне истории о людях, а теперь я «читаю» вибрации мира. Тот же самый дар — видеть незримые связи между всеми живыми существами. Когда я пишу песню вроде «Redemption Song» или «No Woman, No Cry», я не сочиняю её из головы. Я слушаю… слушаю биение сердца этого мира, его боль, его надежду. Я лишь проводник.
Моя музыка — это и есть та самая земля Тренчтауна, залитая солнцем Ямайки и проросшая в сердца людей по всему миру. Это не интуиция, а знание. Прямо как в песне: «When the rain fall, it don’t fall on one man’s house». Мы все связаны. Всегда.
— Ваша музыка имеет уникальный «качающийся» ритм — one-drop4. Какое значение имеет для вас этот музыкальный прием?
— One-drop — это не просто барабанный паттерн. Это биение. Первое и последнее, что ты слышишь в этой жизни. Это пульс матери-Земли, сердцебиение твоей матери, когда ты был в утробе, ритм, под который качаются деревья и движутся волны…
Мы не играем ритм — мы отдаёмся ему. Это дыхание Джа. И если ты перестанешь его слышать — значит, ты перестал слушать саму жизнь. One love, one heart… one rhythm. Почувствуй это биение — и ты никогда не будешь одинок.
Боб Марли и Питер Тош, бывшие участники группы The Wailers, встретились с Миком Джаггером из The Rolling Stones в 1978 году
— Какой совет вы можете дать современному поколению, которое часто сфокусировано только на работе и достижении новых карьерных целей?
— Современный человек бежит так быстро, что забыл, куда и зачем бежит. Он покоряет горы, но не может покорить тревогу в своём сердце.
Система хочет, чтобы ты определял свою ценность по зарплате и должности. Но твоя душа — не для продажи. Ты — не человеческий ресурс. Ты — дитя Вселенной, носитель божественной искры.
Замедли свой бег. Ощути солнце на своей коже. Поговори с деревом. Поделись пищей с братом. Создай что-то своими руками не для продажи, а для души. Помни: самый большой успех — это прожить жизнь в ладу со своей совестью и в единстве с миром.
Твоя работа должна быть служением, а не рабством. Пусть твои руки трудятся, но пусть твой дух парит свободно, как горный орёл. Истинное богатство не в том, что ты накапливаешь, а в том, чем ты делишься. One love.
*За Боба Марли на вопросы отвечал искусственный интеллект.
Леонардо да Винчи — титан эпохи Возрождения5, гениальный художник, изобретатель и ученый. В этом интервью он рассказал о том, может ли алгоритм обладать душой художника, где грань между ремеслом и гениальностью и почему «идеальная» машина — это тупик эволюции.
— Однажды вы сказали: «Где дух не водит рукой художника, там нет искусства. Где мысль не работает вместе с рукой, там нет художника». Может ли искусственный интеллект, который создает изображения по текстовому запросу, считаться настоящим художником?
— Искусственный интеллект, создающий изображения по слову, — это не художник. Это сверхъестественный посредник. Он исполняет желания, как джинн из восточных сказок. Скажете «конь» — получите коня. Попросите «в стиле Леонардо» — и он, как раб, склонится над моими работами, чтобы подражать почерку. Но спросите его: «Почему этот конь должен быть печальным?» — он замолчит. У него нет необходимости в этом коне. Нет той внутренней бури, что заставляет руку проводить линию именно так, а не иначе.
Пока машина не научится страдать от своего незнания и ликовать от своего открытия, она останется лишь тенью художника в платоновой пещере6. Искусство — это не продукт. Это след души на материи. А у алгоритма души нет.
— Можно ли тогда считать искусственный интеллект угрозой для людей и искусства?
— Угрозой? Настоящая угроза — не инструмент, а намерение того, кто его держит. Искусственный интеллект — это новый тип зеркала. Он отражает нас самих — наше знание, наши предрассудки, нашу лень. Если мы ленивы, то он сделает нас слабее. Если мы любопытны, то он станет лестницей в неизведанное.
Угроза — не в новых технологиях, а в нас: если мы променяем труд души на удобство, а поиск истины — на иллюзию всемогущества. Но если мы останемся любопытными, неутомимыми и смиренными перед тайной мира — искусственный интеллект станет величайшим союзником человеческого гения.
— Вы бы доверили искусственному интеллекту дорисовывать ваши незаконченные работы, вроде «Битвы при Ангиари»7?
— Ни за что! Вы предлагаете вдохнуть в умирающего жизнь, подменив его душу механической куклой. «Битва при Ангиари» — не просто незаконченная фреска. Это борьба ярости и отчаяния, которую я так и не сумел полностью перенести на стену. Доверить искусственному интеллекту дорисовать её — всё равно что поручить анатому сделать гримасу покойнику. Он проанализирует мимические мышцы, рассчитает напряжение, но не сможет вдохнуть в лицо ярость, потому что никогда не чувствовал гнева. Я бы нашел для этой машины иное применение.
Фреска «Битва при Ангиари» осталась незавершенной после того, как Леонардо да Винчи переехал в Милан по приглашению французского наместника Шарля д’Амбуаза
— Как бы вы тогда использовали искусственный интеллект в своих творческих работах и исследованиях?
Наиболее ярким примером техники «сфумато» считается известная картина Леонардо да Винчи «Мона Лиза»
— Я бы его приручил, как когда-то приручал свет в своей мастерской, создавая сфумато8! Представьте: эта диковинная машина могла бы за ночь перебрать все сочетания крыльев и хвостов для моих летательных аппаратов, что я годами вычерчивал в дневниках. Она могла бы симулировать течение воды в каналах, которые я проектировал для герцога, или мгновенно находить в памяти все мои зарисовки мышц руки…
Но вот парадокс — я бы запретил ему показывать готовое решение! Искусственный интеллект должен стать не творцом, а идеальным подмастерьем: подсказывать варианты, но не выбирать за меня. Потому что в момент неочевидного выбора и рождается искусство. Я бы заставил его изучать узоры трещин на старых фресках, чтобы предсказывать, как состарится моя картина. Но последний мазок — тот, что вдыхает душу, — всегда оставался бы за человеческой кистью. Ведь даже самый умный алгоритм не знает, что такое сомнение или восторг. А без этого любое творение — всего лишь искусная копия.
*За Леонардо да Винчи на вопросы отвечал искусственный интеллект.
«Мона Лиза» (также известная как «Джоконда») Леонардо да Винчи — одно из самых известных произведений в мире. Хотя точная дата создания неизвестна, считается, что полотно было написано в период с 1503 по 1505 год. Первые итальянские биографы Леонардо да Винчи писали о его глубокой привязанности к этой картине. Он посвятил ей много времени и, покидая Италию в зрелом возрасте, взял с собой во Францию вместе с другими избранными картинами. В «Трактате о живописи» и заметках о художественной технике, которые не вошли в данный трактат, можно найти множество указаний, относящихся к «Джоконде».
По сей день произведение окутано множеством тайн и загадок. Одной из ключевых является «улыбка» Мона Лизы, которая не дает покоя человечеству уже несколько веков. Активная дискуссия началась в конце 19 – начале 20 века после Всемирной выставки в Париже. Поэты, писатели, философы и искусствоведы предлагали разные интерпретации. Алексей Лосев описывал ее как «не улыбку, а хищное выражение лица с холодными глазами и ясным осознанием беспомощности жертвы, которую Джоконда стремится захватить». Булгаков находил ее улыбку зловещей, в то время как Куприн считал ее развратной.
Улыбка Мона Лизы
В середине 20 века улыбку «Моны Лизы» пытались объяснить с медицинской точки зрения. У модели диагностировали бруксизм (он мог деформировать ее челюсть) и сифилис, который в то время лечили ртутью, из-за чего она могла стесняться оголять почерневшие зубы . Ее мужа обвиняли в домашнем насилии, в результате которого она потеряла зубы и даже получила шрам над верхней губой. Однако последнее предположение оказалось неверным: то, что принимали за зажившую рану, оказалось наслоением лака.
Глаза Мона Лизы
Ещё одна не менее интригующая часть — глаза «Моны Лизы». Её взгляд завораживает: женщина с картины будто не сводит глаз со смотрящего. В 20 веке этот феномен стали называть «эффектом Моны Лизы». Распространено мнение, что придумал его именно Леонардо да Винчи. Однако это заблуждение. Приёмы, позволяющие оживить глаза нарисованных людей или животных, были известны ещё в Древнем Египте, а в начале нашей эры научно объяснить это явление пытался Птолемей в «Оптике».
Главная тайна «Моны Лизы» — личность изображенной женщины. Наиболее распространена версия, что это Лиза Герардини, третья жена флорентийского торговца Франческо дель Джокондо. Эта гипотеза основана на анонимной рукописи 15–16 веков, где упоминается портрет Джокондо, но не Лизы. В работах да Винчи нет портрета мужчины, соответствующего этому описанию. Позже биограф Леонардо Джорджо Вазари уверенно назвал её «Мона Лиза», отметив, что картина была заказана в честь рождения второго сына и переезда семьи.
Существуют и другие теории, касающиеся скрытых символов в картине. Исследователь Паскаль Котт при увеличении изображения заметил в глазах женщины едва различимые символы.Итальянский исследователь Сильвано Винчети объясняет: «Символы невидимы невооруженным глазом, но при увеличении их можно разглядеть». В левом зрачке «Джоконды» видны буквы «LV», которые могут означать «Leonardo da Vinci». В правом зрачке, по его словам, видны очертания букв «C» и «E», но их значение остается неясным. Кроме того, Винчети обнаружил цифру «72» под арочным мостом на заднем плане, которая может символизировать двойственность человеческой природы: «7» ассоциируется с Богом Отцом, а «2» — с мужским и женским началами. Джузеппе Папаньи считает, что эта цифра может быть зашифрованным именем Всевышнего, состоящим из 72 букв.
«Руки противятся ему» («The Hands Resist Him») — картина, созданная американским художником-сюрреалистом Биллом Стоунхемом из Окленда, штат Калифорния, в 1972 году. На ней изображены мальчик и кукла-девочка, стоящие перед стеклянной дверью. К ней с обратной стороны прижаты несколько маленьких рук.
В основе сюжета лежит личная история Стоунхема и его усыновления. Мальчик на картине — это сам художник. Однажды Билл нашёл фотографию, сделанную в Чикаго в 1952 году, когда ему было 5 лет. Стеклянная дверь символизирует границу между реальностью и миром снов, а кукла выступает проводником в этот потусторонний мир. Руки за стеклом — это альтернативные жизненные пути. Такая интерпретация созвучна идеям хиромантии, согласно которым на ладони человека якобы начертана его судьба.
Картина обладает дурной репутацией. Ходит легенда, что люди начинают терять рассудок рядом с ней, а детям кажется, что персонажи картины оживают и выходят из картины. В 1974 году картину представили публике, её купил актер Джон Марли. Вскоре после этого последовала череда смертей тех людей, кто так или иначе был связан с полотном: в 1978-м умер Генри Селдис (автор рецензии для Los Angeles Times), в 1981-м — Чарльз Фейнгартен (владелец галереи, где работал Стоунхем), в 1984-м — сам Марли.
«Руки противятся ему»
Спустя время картина была обнаружена в заброшенной пивоварне. Новые владельцы решили повесить её в комнате четырёхлетней дочери. Постепенно в их жизни стали происходить события, похожие на сцены из фильмов ужасов. Однажды утром девочка заявила, что двое детей на картине «оживают» и «выходят в её комнату ночью». Встревоженный отец решил установить камеру слежения, которая срабатывала при движении, и оставил её включённой на три ночи. Камера несколько раз фиксировала движение и даже сделала снимок, на котором, казалось, мальчик выходит из картины. Пара решила незамедлительно продать полотно и выставила её на eBay.
Фотографии, размещённые на сайте, навевают необъяснимый ужас и открывают пространство для интерпретаций. Пользователи, которые заходили на страницу аукциона на eBay, сообщали о странных ощущениях: кто-то терял сознание, кого-то бросало в жар. Особенно остро реагировали дети: некоторые истошно кричали и плакали, другие же начинали вести себя так, будто в них вселилась другая сущность. Им казалось, что мальчик действительно покидает картину, в то время как кукла-девочка, напоминающая известную куклу-убийцу Чаки из фильмов ужасов, направляет на него некое оружие.
Аукцион вызвал огромный ажиотаж и даже привлёк внимание СМИ. За месяц её цена на eBay увеличилась с 199 до 1050 долларов. Автор картины Билл Стоунхем был не менее удивлён, чем остальные. Он уже успел забыть об одной из своих первых проданных работ, как вдруг спустя 25 лет она вновь оказалась в центре внимания.
Покупателем стал Ким Смит. Он владеет картиной по сей день. Никаких необычных явлений за последние 17 лет с ним не происходило. А вот Стоунхем до сих пор получает письма с требованием уничтожить «дьявольское» полотно или предложениями изгнать из неё бесов. По всей видимости, художник не разделяет подобных опасений. Более того, Стоунхем написал продолжение истории: «Сопротивление на пороге» (2004), где изобразил себя уже взрослым мужчиной, и «Порог откровений» (2012).
25 октября в Москве стартовала ярмарка современного искусства Cosmoscow. Это крупнейшая выставка, которая объединяет работы художников со всего мира. Мероприятие представляет интерес не только для тех, кто разбирается в современном искусстве, но и для новичков, желающих ближе познакомиться со сферой.
История ярмарки берет свое начало в 2010 году. Впервые она была проведена на «Красном Октябре», спонсорами выступали сами создатели. Мероприятие было непродолжительным – всего три дня. Основателем и директором проекта стала коллекционер с образованием в области искусствоведения Маргарита Пушкина. До этого она издавала архитектурный журнал «Проект Классика» и курировала коллекцию современного искусства банка Kit Finance. Основная задача заключалась не только в проведении очередного арт-мероприятия, но и в создании ярмарки международного масштаба, вокруг которой могла бы развиваться мощная экосистема. Cosmoscow задумывалась как площадка для взаимодействия российских и зарубежных коллекционеров, галерей и художников. Концепция включала в себя разнообразные VIP-мероприятия, параллельные программы и образовательные инициативы.
Экспонаты выставки – это не просто предметы, а искусство, которое заставляет думать, чувствовать и спорить, а так же носит инновационный характер и отражает актуальные проблемы, которые откликаются в душе каждого. Художники используют разнообразные материалы и техники: от традиционных живописных методов до цифровых технологий и инсталляций. Это создает уникальные визуальные и сенсорные впечатления, которые могут захватить воображение зрителя. Также художники оставляют посетителям широкое поле для интерпретации и фантазии. В каждом произведении можно увидеть что-то свое. Так посещение выставки превращается в уникальный, личный, почти интимный опыт. Например, потомственный архитектор и художник Нестер Энгельс видел дерево как часть плоти, а не только как материал для столов и стульев. Художник считал, что, если разрубить дерево топором, оно проявит свою суть и нутро и произойдет некое освобождение от оков и свобода. На ярмарке можно увидеть работы художника, где дерево – основной материал. Работы разрублены топором на несколько частей, выглядит это достаточно необычно и притягивает взгляд.
Люди тянутся к искусству, которое отражает их собственные переживания и мысли. Это создает пространство для самовыражения и саморефлексии, позволяя каждому находить в искусстве частичку себя.
Каждая последующая ярмарка – больше и масштабнее предыдущей. В 2024 году около 90 галерей приняли участие в этом арт-проекте.
Ежегодно ярмарка выбирает «художника года». В этом году это звание присвоили петербургской художнице Александре Гард. Она представила публике произведение «Постоянство веселья и грязи» – это массивная конструкция, обшитая деревянными досками. Металлический каркас поддерживает фигуры лошадей, расположенные по периметру. Название работы заимствовано у Даниила Хармс . Его одноименное стихотворение представляет собой поэтическое размышление о том, как время ускользает и аннигилируется под влиянием двух противоположных сил: беззаботного веселья и глубокого отчаяния, возникающего при столкновении с самыми мрачными сторонами жизни и человеческой души .
«Постоянство веселья и грязи»
В этом году дискуссионная программа ярмарки была посвящена сюрреализму и его современному прочтению в искусстве и жизни. Курировала обсуждение Дарья Пыркина, кандидат искусствоведения и руководитель школы дизайна НИУ ВШЭ по программе «Практика кураторства в современном искусстве». Участники посетили лекции о корнях сюрреалистического движения, приняли участие в обсуждениях о современных иммерсивных выставках, а также пообщались с художниками и искусствоведами о значении сюрреализма в наше время .
Выставка современного искусства Cosmoscow — это не просто событие, а настоящая культурная платформа, где пересекаются миры художников, коллекционеров и любителей искусства. В этом пространстве каждый может не только насладиться великолепием выставленных работ, но и стать обладателем уникального произведения искусства.
По данным ярмарки, в 2018 году продажи составили €1,3 млн, в 2019-м – €1,7 млн, в 2020-м – €2,4 млн, в 2021-м – €2,7 млн . Приобретение арт-объекта здесь — это инвестиция не только в материальное, но и в духовное.
Екатерина Кочеткова — основатель и художественный руководитель оркестра Nella Musica Orchestra в рамках проекта «СимфоМультимедия». Мы обсудили с ней программы концертов, источники вдохновения, сложности профессии дирижера, а также будущее симфонической музыки.
— Начало вашего творчества пришлось на ковидный период: идея создания первой программы появилась именно тогда, во время депрессии на карантине. Можете рассказать о том, как вы нашли вдохновение в условиях изоляции? Что помогло вам преодолеть трудности?
— Во время изоляции я повторно поступила в консерваторию: сначала я окончила ее как хоровой дирижер, а потом решила пройти обучение на симфоническом отделении. После поступления нас закрыли на карантин, и я оказалась в изоляции вместе со своим котом и не очень приятной соседкой. В это одинокое и действительно непростое время я погрузилась в мир кино и музыки — искусство помогало мне отвлечься от проблем. Тогда же я получила домашнее задание по инструментоведению: нужно было сделать инструментовку любого произведения, и я взяла музыку из мультфильмов Хаяо Миядзаки, ведь она вдохновляла и успокаивала меня. В процессе работы над инструментовкой у меня возникла мысль о создании мультимедийного концерта, посвященного творчеству японского режиссера.
Программа «Миры Миядзаки». Фото из соцсетей
— Есть ли в вашей жизни профессиональная деформация? Быть может, вы воспринимаете ту же популярную музыку несколько по-иному, с технической точки зрения? Как у вас обстоят дела с прослушиванием музыки в обычной жизни?
— Разумеется, в моей жизни есть место профдеформации, хоть я и стараюсь контролировать этот процесс. Я слушаю совершенно разную музыку: как классическую, так и современную… Мне, например, нравятся The Hatters, Shortparis, Sirotkin — то есть инди-рок. А вообще, вся популярная музыка в основном очень простая, ее легко разложить на аккорды. Когда я слышу попсовые треки, я автоматически «разбираю» их на слух, это совершенно несложно и происходит как бы само по себе.
— Чаще всего слушатель видит дирижера-мужчину в оркестре. Почему, как вам кажется, женщин меньше в этой профессии?
— Мне кажется, проблема неравенства в нашем деле — явление временное. Это сейчас женщин меньше, но ведь так сложилось исторически: просто женщины вообще стали заниматься чем-то на профессиональном и, главное, официальном уровне не так давно. Ну и, разумеется, сама профессия довольно непростая, нужно быть стрессоустойчивым, физически выносливым, уметь выстраивать коммуникации в оркестре, противостоять давлению. А если учитывать еще и патриархальные установки в нашем обществе, то становится ясно, почему многие выбирают семью. Однако я верю, что в скором времени в нашей профессии будет больше женщин: на это указывают амбиции окружающих меня людей. Конкуренция только закаляет нас и в целом как-то обогащает профессию — в сфере высокого искусства особенно важна мотивация. Если честно, на данном этапе «неравенство» только играет нам на руку: от нас не ждут чего-то гениального, и можно спокойно работать и совершенствоваться.
Екатерина Кочеткова и Nella Musica в парке Зарядье. Фото из соцсетей
— Как вы видите будущее симфонической музыки? Будут ли востребованы традиционные концерты классической музыки, или необходима трансформация, слияние с другими формами искусства, например, визуальными?
Екатерина Кочеткова. Фото из соцсетей
— Сейчас в этой консервативной, академической сфере наблюдается период застоя, если можно так выразиться, потому что классическая музыка привлекает людей образованных. Конечно, таких ценителей меньшинство, и массовое сознание обращено к поп-культуре. Потому нельзя сказать, что традиционные симфонические концерты сейчас у всех на слуху и пользуются невероятной популярностью. Но мы работаем немного по-другому: наша аудитория — современная молодежь примерно от шестнадцати до тридцати пяти лет, и мы создаем для них актуальные программы, которые реально имеют успех. Весь секрет в чувстве ностальгии, которое вызывает выбранная нами музыка: мы исполняем саундтреки из знаковых фильмов и мультфильмов. Все это сопровождается красочным визуальным рядом, дополняется особенной атмосферой киновселенной, которой посвящен концерт. У нас есть программы по мультфильмам Disney, мирам Миядзаки, «Гарри Поттеру», фильмам Marvel, по аниме, компьютерным играм и так далее. Обращение к горячо любимым и культовым проектам привлекает молодых слушателей. И да, синтез искусств, музыкального и визуального, действительно позволяет симфоническим концертам не терять своей актуальности, добавляет им жизненности. Это нечто вроде шага в будущее, где музыка лечит души, успокаивает, «возвращает домой». Признаться, у нас даже есть кое-какие масштабные планы: мы хотим наладить международное сотрудничество. Собираемся выступить в ОАЭ — пока в списке Дубай и Абу-Даби. Люди заинтересованы в таком искусстве, высоком и понятном одновременно. Будущее у симфонической музыки точно есть. Возможно, не в прежнем ее виде, а в какой-то формации, но людям просто необходимо находить успокоение в звучании. Мы получаем обратную связь, когда выступаем с программой, так вот некоторые пишут, что после концерта к ним вернулось желание жить. Музыка исцеляет. И, конечно, с помощью искусства можно и нужно воспитывать подрастающее поколение: концерты дарят гармонию, наставляют на верный путь.
В 2025 году ожидается премьера очередной 3D-мультипликации от Disney, в то время как с момента выхода последней двухмерной анимации9 прошло уже более десяти лет. Причиной отказа Disney от традиционной графики мог стать провал мультфильма 2002 года «Планета сокровищ».
Кадр из мультфильма «Планета сокровищ»
Бюджет анимационной картины о космических приключениях составил 140 миллионов долларов. Такая сумма обусловлена использованием сложной мультипликационной технологии Deep Canvas10, совмещающей в себе 2D11 и 3D-графику12. Однако мировые сборы принесли в кассу только 109 миллионов долларов, из-за чего релиз «Планеты сокровищ» признали провальным. По мнению критиков, картина не отвечала современным тенденциям индустрии: в начале нулевых компании DreamWorks и Pixar стремились сокращать стоимость производства мультфильмов, а техника создания трехмерной графики была значительно дешевле по сравнению с ручной 2D-рисовкой. В эти же годы выходят такие успешные проекты как «Шрек» и «История игрушек». Обе полнометражные картины приносят компаниям свыше трехсот миллионов долларов.
Вуди и Базз Лайтер, герои картины «История игрушек»
Кадр из мультфильма «Шрек»
Классическая анимация Disney всегда была двухмерной. В 1970-х годах после смерти Уолта Диснея компания переживала кризисный период, выбраться из которого помогли такие проекты как «Красавица и чудовище», «Король лев» и другие. Однако, несмотря на то, что 2D-анимации все еще имели успех, компания не могла игнорировать развитие компьютерных технологий. В газете The New York Times о диснеевской адаптации «Острова сокровищ»говорят следующее:
Среди последних проектов Диснея, включающих в себя элементы двухмерной графики, «Планета сокровищ» оказалась между прошлым и будущим анимации.
Эксперимент от создателей «Русалочки»
Режиссеры «Планеты сокровищ» Рон Клементс и Джон Маскер, также авторы «Русалочки» и «Алладина», пытались переосмыслить подход к производству мультфильмов, совмещая моду на трехмерную графику и на тот момент еще классический для Диснея 2D-формат. Технология Deep Canvas, которую использовали при создании картины, позволяет добиться взаимодействия нарисованных от руки персонажей с детализированным трехмерным пространством. Более того, у одного из героев фильма, Джона Сильвера, механическая часть руки была также смоделирована с помощью 3D-графики. Disney уже применял технологию Deep Canvas в мультфильме «Тарзан». Однако «Планета сокровищ» практически полностью исполнена в технике «глубокого холста»13, тогда как прежде трехмерное пространство использовалось в пяти-десяти минутах всего фильма. В интервью журналу Scene Magazine Film продюсер проекта Рой Конли рассказал, как художники-иллюстраторы работали над картиной:
С помощью технологии Deep Canvas сцена отрисовывается на все 360 градусов перед тем, как мы начнем её постановку. В нашей команде было около сорока аниматоров. Они разбивались на более узконаправленные группы. Например, так как герой Джим Хокинс практически всегда на экране, в его команде было 16 аниматоров. Для Джона Сильвера у нас было примерно 12 аниматоров.
Рон Клементс и Джон Маскер держат скульптуру Амелии из мультфильма «Планета сокровищ»
Красивая картинка против красивой истории
Джим Хокинс в картине «Планета сокровищ»
Disney ушел от 2D-анимации в том числе потому, что такой подход затрачивал большое количество ресурсов, из-за чего в мультфильмах часто страдала сюжетная линия. «Планета сокровищ» в этом вопросе стала показательным примером, ведь одной из причин провала картины при бюджете в 140 миллионов долларов стал плохо продуманный сюжет. В газете Los Angeles Times отмечают, что еще до релиза мультфильма многие в студии восприняли персонажа Джима Хокинса как слишком закрытого, чтобы привлечь зрителей, а вторая половина фильма показалась продюсерам банальной. Критик Энди Кляйн высоко оценил визуальную часть мультфильма, однако посчитал сценарий «недостаточно вдохновляющим». CGI14-анимация, напротив, позволяет режиссерам направить все внимание на концепт картины и её историю. Статистика кассовых сборов CGI и 3D-анимационных фильмов в США отражает прибыльность таких проектов.
Влияние провала «Планеты сокровищ» на деятельность Disney
После неудачного релиза мультфильма «Планета сокровищ» компания отменила продолжение истории. Более того, вышедшая в 2009 году картина «Принцесса и лягушка» была последней успешной 2D-анимацией от Disney. Завершил историю классической рисованной мультипликации в 2011 году мультфильм «Медвежонок Винни и его друзья», снятый теми же режиссерами, что и «Планета сокровищ». Лента провалилась в прокате, едва ли окупив заявленный бюджет.
Летом 2023-го года студия DreamWorks выпустила мультфильм «Руби Гильман: Приключения кракена-подростка». Кинокритик Джон Кирк отметил сходство между главной злодейкой ленты, русалкой Челси, и диснеевской русалочкой Ариэль. По мнению рецензента, идентичные манеры и очарование героини летнего релиза намеренно взяты из «диснеевского учебника» с целью продемонстрировать зрителям темную версию идеальной принцессы.
Челси, главная злодейка в мультфилме «Руби Гильман: Приключения кракена-подростка»
Ариэль, принцесса в мультфильме «Русалочка»
«Если смотреть на фильм с этой точки зрения, он перестает восприниматься как самостоятельная история. Больше похоже на то, что мы смотрим многомиллионную карикатуру на Дисней.» — Джон Кирк
DreamWorks затаил обиду на анимационную студию Disney
Джеффри Катценберг, генеральный директор студии DreamWorks
По данным агентства The Guardian, Джеффри Катценберг, председатель совета директоров Disney, покинул студию в 1994 году после отказа в повышении, после чего подал в суд на компанию и добился компенсации в размере 250 миллионов долларов. 12 октября того же года в партнерстве со Стивеном Спилбергом15 и Дэвидом Геффеном16 Катценберг основал анимационную студию DreamWorks. Первой картиной, идущей вразрез с традиционными представлениями Диснея о сказке, стал «Шрек» в 2001 году.
Как отмечает Chicago Tribune17, зрители картину восприняли как «укол мести» от бывшего директора Disney, Джеффри Катценберга, а сотрудники компании сразу обратили внимание на сатирический посыл мультфильма:
«Некоторые сказали, что это показалось им забавным, но один из топ-менеджеров закатил глаза, когда его спросили о фильме»
Как «Шрек» эволюционировал от издевки к новой философии
Шрек и Осёл из мультфильма «Шрек»
Желание разоблачить идеальную картинку Голливуда и Диснея, в частности, считывается в каждой детали мультфильма. Например, прекрасного принца – зеленого огра – сопровождает осел, а не белый конь. Принцесса в замке не нуждается в спасении, ведь она владеет навыками рукопашного боя. Высмеивается в мультипликации и традиционное для мультиков общение принцесс с животными: Фиона поет в лесу песни вместе с птичкой, но вскоре их дуэт превращается в вокальное соревнование, в результате которого птичка проигрывает и взрывается.
Издание The New York Times в статье к 20-летию кинофраншизы18сообщает, что изначально у режиссёров не было больших ожиданий относительно идеи создать сатирическую комедию. Однако, по данным газеты, «Шрек» стал визитной карточкой компании DreamWorks и задал вектор развития последующим анимационным историям. Мультипликации студии позволяют людям в персонажах увидеть себя:
«Фильм служит двойной цели: он не только высмеивает жизненные ситуации, но и выступает карикатурой на эти знаменитые сказки, которые мы все знаем»
Тем не менее успех медиафраншизы, которая в сумме принесла DreamWorks более одного миллиарда долларов, оказался не вечен. Как сообщает агентство Variety19, в 2023 году студия столкнулась с финансовыми трудностями, из-за чего компания сократила штат на 70 сотрудников, а также DreamWorks отходит от самостоятельного производства фильмов. Исходя из данных о самых кассовых мультфильмов компании в США и Канаде по состоянию на 2023 год, последний успешный релиз от DreamWorks вышел более пяти лет назад.
Существуют множество точек зрения о том, когда появилось понятие моды. По утверждению одних – в XII-XIII веках – именно тогда средний класс начал подражать элите. Другие же считают, что мода сопровождала человечество на протяжении всей истории.
Нередко тенденции в моде диктовались правителями государств. Например, Петр I, вдохновившись европейским стилем, ввел запрет на ношение бород русской знати и нарядов в старорусском стиле. Как мужская, так и женская мода практически полностью подчинялись западным традициям того времени. Тем не менее, широкому кругу людей она стала доступна лишь в XX веке.
Мода при Петре I
В разные периоды истории XX века мода становилась площадкой для самовыражения, протеста и поддержки различных движений. Она стала языком, на котором общество выражает свои ценности и идеалы.
20-е: эмансипация и Век джаза
В начале XX века мода претерпела большие изменения. Первая мировая война, а за ней «ревущие» двадцатые. Ушли традиционные корсеты и сложные наряды, характерные для предыдущего столетия. Женщины стремились к удобству и простоте. Силуэт стал свободнее, отражая стремление к освобождению и равенству.
Мода 1920-ых годов
С развитием социальных и политических течений мода стала платформой для выражения эмансипации женщин. Коктейльные платья и смелые аксессуары отражали новую роль женщин в обществе.
30-е: Великая депрессия и Голливуд
В 1930-е годы Голливуд стал не только эпицентром кинематографического искусства, но и значимым центром моды. Звезды большого экрана, такие как Грета Гарбо, Бетти Дэвис, Жан Харлоу и Кларк Гейбл, не только вдохновляли своими актерскими талантами, но и устанавливали новые стандарты стиля для миллионов поклонников. Костюмы, созданные для героев фильмов, стали важным элементом моды. Одежда звезд выходила за пределы кинозала и становилась источником вдохновения для повседневного стиля. Например, образ Гарбо в «Анна Кристи» (1930 года) внес вклад в популяризацию мужских костюмов для женщин, предвосхитив тенденции будущих лет.
Модные силуэты платья в 1930-ых годах
Но все омрачал экономический кризис, который получит название «Великая депрессия». Произошла демократизация моды, и ярким символом этой эпохи стало платье темного цвета с белым воротничком. Оно идеально дополняло образ скромной женщины, живущей в период длительного кризиса со всеми его трудностями и беспокойствами.
40-е: Вторая мировая
Конец Великой депрессии и начало Второй мировой войны.
В начале Второй мировой войны внимание моде не всегда уделялось из-за боевых действий. Большое количество тканей было ограничено для использования, они шли на военные нужды. Это привело к аскетичному и минималистичному подходу к оформлению и дизайну одежды. Для этого периода характерны строгие силуэты и простые линии. Часто для создания одежды использовали любые доступные материалы. А популярным цветом стал хаки.
Стиль военных лет
Именно тогда впервые появились платья-рубашки, а в широкий обиход вошел спортивный стиль одежды. Женщины пошли работать на заводы, модной стала практичность.
50-е: возвращение женственности
Мужчины возвращаются домой и на заводы, а женственность – в моду. Важным моментом стало появление коллекции New Look в 1947 году, которую представил Кристиан Диор. В ней были предложены невероятно женственные модели с покатой линией плеч, широкими юбками и глубоким декольте. Пышные юбки с корсетами подчеркивали изящность фигуры, делали силуэт утонченным и давали возможность каждой женщине выглядеть шикарно.
Женственные силуэты в моде
Коктейльные платья и вечерние наряды стали символом роскоши и изыска. Они были украшены бисером, пайетками и кружевом, подчеркивая элегантность.
60-е: дорогу молодым
Техногенный прорыв и первый полет в космос вдохновили модельеров. Они создали новые коллекции в уникальном стиле, используя синтетические материалы, которые были впервые разработаны химической промышленностью. Женская мода 1960-х годов объединяла серебристо-белые оттенки с синтетическими тканями, дополняя их оранжевыми, желтыми и зелеными акцентами. А главной фишкой десятилетия стала мини-юбка.
Яркая эпоха 60-ых
70-е: хиппи и диско
Расцвет движения Хиппи пришелся на конец 1960-х – начало 1970-х годов. Они внесли в моду яркие краски и обращение к природе. Лаконичные силуэты шестидесятых уступили место свободным, линии стали более плавными и мягкими. Юбки удлинились, а свободный сарафан и платье-рубашка стали самыми модными фасонами платья. Особую популярность обрели изделия из вязаного трикотажа.
Модные костюмы 70-ых годов
Семидесятые ознаменовались появлением диско, что никак не могло не отразиться на моде. Девушки предпочитали короткие шорты, леггинсы, яркие платья, обтягивающие футболки и выразительные украшения. Этот тренд стал настолько популярным, что даже смог проникнуть на территорию СССР. В советскую моду вошли джинсы-клеш, ставшие символом того времени.
80-е: ярко-розовая жвачка и спорт
Диско плавно перетек и в следующее десятилетие, но здесь яркость цветовой палитры выкрутили на максимум. Основными радарами модных трендов восьмидесятых стали звезды американской телеиндустрии и известные певицы того времени, такие как Шер и Мадонна. Девушки подражали своим кумирам, выбирая самые экстравагантные наряды.
Яркий, спортивный образ
В восьмидесятых стал популярен спорт: гимнастика, бодибилдинг и аэробика. Тренировки стали транслировать по телевидению и продавать в записи на видеокассетах. А самым узнаваемым лицом фитнес-тренда стала актриса Джейн Фонда. Многие люди, не имеющие отношения к аэробике и фитнесу, одевались в спортивном стиле: леггинсы, лосины, велосипедки и прочие обтягивающие изделия комбинировались с мини-юбками или платьями-рубашками. И все это было, конечно, ярких цветов.
90-е: модельный бум и гранж
Девяностые в мире моды запомнились как эпоха супермоделей. Наоми Кэмпбелл, Кейт Мосс, Клаудия Шиффер – все они стали иконами стиля. Супермодели 90-х были настоящими знаменитостями, их имена мелькали на обложках всех глянцевых журналов. Они являлись лицами многих модных домов, их сотрудничество с брендами приносило успех. Супермодели стали музами для многих дизайнеров.
В противовес высокой моде возникает стиль гранж. Сам термин (от англ. «grunge» – грязь, пыль) возник в музыкальной среде в начале 90-х годов, и он хорошо описывает эстетику гранжа в одежде. Молодые люди, вдохновленные музыкой и духом бунта, начали носить облегающие джинсы с потертыми коленями, футболки с логотипами рок-групп, рубашки в клетку, кожаные куртки и замшевую обувь. Одежда была часто несовершенной и выглядела так, как будто ее владельцы только что выбрались из гаража или подземного клуба.
Стиль «Grunge»
В середине десятилетия, после популярности группы Nirvana и их фронтмена Курта Кобейна, гранж-style начал влиять на мировую моду. Дизайнеры начали интегрировать его в свои коллекции, создавая модели с потертыми участками, клетчатыми рубашками и рваными подолами.
Новый век
С начала XXI века историки моды начинают путаться в характеристиках десятилетий, так как новые тренды менялись один на другой, но все таки общие черты уловить можно:
На нулевые большое влияние имели поп-звезды, которые внесли тренд на обилие обнаженного тела. Образу Бритни Спирс из клипа «Baby one more time» пытались подражать многие.
Бритни Спирс в начале 2000-ых
Топы, майки и джинсы на низкой посадке. Ультракороткими могли быть даже вязаные свитера. Шубы и мини платья – в моде гламур.
В 2010-х активно начали развиваться социальные сети. Блогеры и инфлюенсеры стали мощными инструментами в продвижении модных брендов и влиянии на вкусы массового зрителя. Это также привело к увеличению спроса на моментальную моду и уникальные персональные стили.
С ростом осознания экологических проблем и социальной ответственности, устойчивая мода стала все более важной темой в индустрии. Многие бренды начали использовать экологически чистые материалы, уменьшать отходы и бороться с плохими условиями труда на производстве одежды.
А что же происходит сейчас, в двадцатых XXI века?
Каждый новый сезон нам сообщают, что возвращается та или иная эпоха. И кажется, что моды замкнулась, а новые тренды – это уже хорошо забытые старые. Но если присмотреться, то можно понять, что все позаимствованные тренды из прошлого века ассимилируют и подстраиваются под современные условия. Экологи продолжают свою борьбу с так называемым «fast fashion» (быстрое обновления ассортимента марки, несколько раз в сезон), но кажется это колесо уже не остановить и вместе с быстрым ритмом жизни такую же скорость приобретают тренды.
«В последние несколько лет мы видим большой творческий подъем киноискусства и театра. Появляются новые формы, проводятся смелые эксперименты, а где-то даже возвращение к истокам. Один из режиссеров, который совмещает все эти вещи»
Константин Богомолов.
Российский режиссер, актер, театральный деятель и художественный руководитель Театра на Малой Бронной. Константин Богомолов с завидной частотой попадает в заголовки скандальной хроники и критических статей. Но известен ли он исключительно своей эпатажностью?
Богомолов известен своими провокационными постановками классических произведений на свой лад. Эту особенности режиссера принимали и принимают далеко не все. Сам Богомолов рассказывал о том, что в начале его карьеры его даже снимали со спектаклей. С других же представлений люди уходили толпами («Идеальный муж. Комедия», «Карамазовы», «Князь»).
Спектакль Богомолова «Идеальный муж. Комедия»
Театр
В самом начале своей карьеры на театральном поприще Богомолов был близок с Олегом Табаковым, который и позволил ему раскрыться. При нем, с 2009 по 2012 год в театре Табакова, он поставил спектакли: «Процесс» по произведению Франца Кафки, «Отцы и дети» по мотивам романа Ивана Тургенева, «Волки и овцы» по произведению Александра Островского, «Чайка» по пьесе Антона Чехова и много других. Для сценических зарисовок Богомолова характерны сочетание насыщенности визуального ряда с минимализмом актерской игры.
Спектакль «Процесс»
Уже после он был помощником худрука в МХТ им. А. П. Чехова, работал режиссером «Ленкома» Марка Захарова. Там ему удалось поставить «Бориса Годунова» по Александру Пушкину и «Князя» по Федору Достоевскому. Также его спектакли значились в афише московских Театра им. Н.В. Гоголя, Российского академического молодежного театра, Театра Наций, питерского Большого драматического театра им. Г.А. Товстоногова и других ведущих площадок страны.
Всего он осуществил свыше полусотни различных, в том числе очень резонансных, постановок, за которые неоднократно получал профессиональные награды.
В 2019 году 43-летний Богомолов был назначен художественным руководителем столичного Театра на Бронной, сменив на этом посту Сергея Голомазова. Таким образом исполнилась заветная мечта Богомолова и режиссер прокомментировал свое назначение: «Всегда понимал, что хотел бы возглавить театр, реализовать какие-то свои менеджерские амбиции. Но таких предложений раньше не поступало. И вот – поступило внезапно, в тот момент, когда я уже немножко отчаялся. Видимо, такие вещи случаются, когда ты уже в них не веришь».
«Содержанки» и «Хороший человек»
В сериальный мир Богомолов смог влиться в период расцвета интернет-платформ для просмотра фильмов и сериалов. Отсутствие цензуры и жестких рамок развязало руки многим режиссерам, в том числе и Богомолову.
В 2019 году на платформе видеосервиса START вышел эротический триллер «Содержанки» – дебютом театрального режиссера Константина Богомолова в многосерийном жанре. Блеск, деньги, секс и все, что за этим скрывается. Трейлер сообщал, что это то, что не покажут по телевизору. Откровенный сериал о том, как человеческие отношения меняются под воздействием очень больших денег.
Константин Богомолов на премьере сериала «Содержанки»
В лучших богомоловских традициях сериал вызвал нешуточные споры: кто-то возводил его на пьедестал «нового русского киноискусства», а кто-то нещадно критиковал и называл картину ширпотребом. Несмотря на смешанные отзывы первый сезон имел успех.
В том же году фильмография Константина пополнилась детективом «Хороший человек». В основу многосерийного фильма легла реальная история расследования дела «ангарского маньяка» Михаила Попкова. Личность убийцы в ленте раскрывается в первой же серии, что делает ее необычной и отличает от рядового российского кинематографа. Автор сделал это намеренно, желая сконцентрировать внимание зрителей на переживаниях героев, их давних психологических травмах. А не на обычном расследовании череды громких преступлений.
Премьера сериала «Хороший человек»
Актерская карьера
Мало кто знает, но первая роль в кино Богомолова была в фильме «Гобсек», вышедшего на экраны в конце 80-х. Юный Константин сыграл Эрнеста де Ресто, сына ветреной графини.
Также Богомолов проявляет себя как актер, хотя говорит. что это поприще ему не так близко, как режиссура.
Позже Богомолов вновь попробовал себя в роли актера, снявшись в фильме Федора Бондарчука «Псих». В этом проекте сценаристу довелось сыграть центрального персонажа, психотерапевта Олега. Его герой погружен в мир собственных клиентов. Работа накладывает отпечаток и на личность врача – в какой-то момент становится понятно, что мужчине самому нужна психологическая помощь.
Константин Богомолов в картине «Псих»
В конце 2023 года состоялась премьера снятого Богомоловым и спродюсированного Валерием Тодоровским сериала «Кеша должен умереть». Он сыграл в криминальной драме главную роль. Богомолов назвал такое сочетание режиссерской и актерской работы авантюрным опытом и понадеялся, что зрители оценят его по достоинству.
Голоса страны
В начале 2024 года Константин Богомолов представил свой новый проект под названием «Голоса страны». Основная идея заключается в создании 12 моноспектаклей, которые будут разработаны под руководством 12 молодых и талантливых режиссеров. Каждый из этих спектаклей расскажет уникальную историю об обычном человеке.
Еще в ноябре 2023 года организаторы проекта объявили о запуске конкурса. Согласно правилам, любой желающий мог подать заявку с собственной личной историей на официальном сайте «Голоса страны». Рассказы победителей стали основой моноспектаклей.
Показы спектаклей состоятся в десятых числах марте на Международной выставке-форуме «Россия» на ВДНХ. Онлайн-трансляции постановок пройдут в сообществе «Культура.РФ» в социальной сети «ВКонтакте». По итогам проекта также будет издана книга и опубликован документальный фильм – в них войдут истории всех героев, их фотосессии и видеозаписи интервью.
По словам Константина, проект представляет собой не только попытку продолжить развитие документального театра в России, но и является яркой демонстрацией того, что каждый человек может взять на себя роль героя и поделиться своей уникальной историей с аудиторией.
