«Созданное не исчезает»

Национальная травма Японии в аниме

Время чтения: 5 минуты

Люди по-разному реагируют на антропогенные1 и природные катастрофы. Основное отличие в том, насколько глубоко проникает страх и отпечатывается травматический опыт, на сколько лет затягивается рефлексия2. После цунами или землетрясения тоже гибнут люди, разрушаются дома, но после окончания стихийного бедствия можно сразу приступать к восстановлению. Техногенные катастрофы чаще всего оставляют след в виде радиоактивного или токсического загрязнения, нарушая жизнедеятельность на десятки лет. Так возникает коллективный страх, ведь люди не могут назвать произошедшее случайностью или Божьей волей, они ждут неизбежного повторения катастрофы.

О коллективной травме

Коллективный страх — симптом такого явления, как «коллективная травма». Ее особенность в том, что она может распространятся на целую нацию и несколько поколений, даже когда последствия самой катастрофы преодолены. Страх передается сквозь поколения. Так, художник Такаси Мураками рассказывает, как учителя в школьные годы предостерегали его: «Осторожнее, дождь может быть опасным. Осадки смешаны с радиоактивным пеплом. Берегитесь, иначе выпадут волосы».

В случае антропогенных бедствий возникает дискуссия об ответственности и о вине. Извержение вулкана или торнадо неизбежно, над ним не властны ни ученые, ни правители, ни уж тем более обыватели. Однако в техногенных катастрофах чаще всего ищут и находят виноватых, то есть происходит стигматизация. После аварии на «Фукусиме-1»3, которая, между прочим, произошла вследствие землетрясения, крайними стали работники станции, которые, на самом деле, боролись с ликвидацией последствий.

Кадр с изображением последствий землетрясения из аниме-сериала «2020: Гибель дракона»
Кадр с изображением последствий землетрясения из аниме-сериала «2020: Гибель дракона»
Выход страха

Наиболее приемлемой и точной формой для рефлексии национальной травмы японцев оказалась анимация. Поражение во Второй мировой и чувство вины, связанное с ним, Хиросима и Нагасаки4, авария на «Фукусиме-1» — центральные события, которые требовали рефлексии и стали основой для аниме. Сериал 1958 года, который создал паттерны5 жанра, в переводе на русский называется «Могучий Атом»6, отсылая к атомной бомбардировке Хиросимы и Нагасаки. Научно-фантастическая направленность была выбрана создателем Осамой Тэдзукой не случайно, ведь в конце 50-х все в стране говорили об опасности ядерной энергии. Тем не менее автор был уверен, что может существовать мирный атом, поэтому главный герой сериала Атом — спаситель обездоленных и борец с несправедливостью.

Постер аниме-сериала «Могучий Атом»
Постер аниме-сериала «Могучий Атом»

Вторжение США в Японию в 1945-м разрушило более чем тысячелетнюю традицию милитаризма, а также национального превосходства. В общем, тэнноизма — философии о непобедимой стране богов Японии. Многие политические деятели и обычные граждане свели счеты с жизнью после поражения во Второй мировой, а коллективистская ментальность японцев оказалась в кризисе.

Демонстрация ужаса

Выходившая на экраны с 1982 года лента «Босоногий Гэн» обращалась к травматичному эпизоду бомбардировки Хиросимы и Нагасаки напрямую. Серия рассказывает о жизни семьи мальчика Гэна после трагедии 6 августа 1945-го. Манга, на которой основаны анимационные фильмы, на несколько лет была включена в школьную программу в качестве курса по «обучению миру», хотя и встречала обвинения в однобокости. Действительно, автор вложил в историю недвусмысленный посыл о том, что в ужасах войны и последствиях бомбардировки виноват японский милитаризм и национализм. Но финал картины — не обвинительный приговор, а скорее объяснение, почему трагедия никогда не должна повториться. «Босоногий Гэн» был первым аниме о войне и стал своеобразным стандартом натуралистичности, с которой изображают последствия использования ядерного оружия в последующих аниме-сериалах и полнометражных лентах.

Ужасающие сцены из аниме «Босоногий Гэн»
Ужасающие сцены из аниме «Босоногий Гэн»
Теории о конце света

Несмотря на обеспеченное продажей товаров, произведенных с помощью передовых технологий, экономическое процветание Японии в 60-х, появлялись сомнения в непогрешимости научно-технического прогресса. В аниме появлялся новый лейтмотив, связанный с неизбежным наступлением конца света. Помимо ядерных катастроф, авторы начали обращаться к сюжетам вроде ушедшей под воду Атлантиды, пророча Японии гибель от затопления. Идея Апокалипсиса транслировалась, к примеру, в аниме «Великая война с Гэммой», где ясновидящие коллективными усилиями боролись против приближающегося конца света.

Идеи о постъядерном мире

Некоторые авторы, берущиеся за сюжеты о ядерной энергии, рассуждают о том, что будет после ядерного взрыва, превратившего планету в выжженную пустыню. Так, лента «Кулак Северной звезды» показывает жизнь выживших в результате атомной войны. Этот мир лишен всех привычных институтов и социальных норм, которые роднили бы его с реальным обществом Японии, будто предостерегая человечество от использования атома не в мирных целях.

Образ взрыва
Взрыв из манги «Акира»
Взрыв из манги «Акира»

Одним из часто встречающихся мотивов в аниме-сериалах, даже напрямую не связанных с военной тематикой или рассуждениями о ядерной катастрофе, является некий уничтожительный взрыв. Так, в ленте «Акира» (1988) действие начинается со взрыва неизвестной природы, который приводит в Третьей мировой, но идея ленты при этом не антимилитаристская, ведь эта энергия может открыть необыкновенные способности человека, не только вызвать тотальную гибель.

Подобный образ появляется и в завязке аниме-сериала «Евангелион», созданного в 1995 году. В результате «Второго удара», взрыва в районе Антарктиды, мир был частично уничтожен. Герои, жители Токио, поколениями живут в страхе, что это повторится, а работники корпорации NERV пытаются предотвратить это, хотя происхождение удара не так очевидно. Возможно, сюжет «Евангелиона» основан не только на трагедии Хиросимы и Нагасаки, но и на событиях бомбардировки Токио.

«Второй удар» в аниме «Евангелион»
«Второй удар» в аниме «Евангелион»

Если в 80-х создатели «Босоногого Гэна» обвиняли японское правительство в национализме, то с наступлением нового столетия, принесшего человечеству опыт трагедии 11 сентября 2001 года, техногенная катастрофа стала наднациональным и объединяющим явлением. Война и ядерное оружие стали скорее фоном для развития других тем, хотя порой появляются аниме-переосмысления событий Перл-Харбора7, Хиросимы и Нагасаки и «Фукусимы-1».

«Черные списки» Голливуда

Почему деятелям кино запрещали работать

Время чтения: 4 минуты

В 1940-1950-х годах появился так называемый «чёрный список» Голливуда. В этом списке находились имена людей из сферы культуры и искусства, которым запретили заниматься профессиональной деятельностью. Причинами были: членство в Коммунистической партии США или же ее поддержка.

С чего все началось?

После Второй Мировой войны, когда СССР установил контроль над странами Восточной Европы, в Америке посчитали коммунизм новой угрозой для всего мира. С 1946-го до конца 1980-х годов между двумя странами велась «холодная война»8 за идеологическое доминирование. В 1947 году президент США Гарри Трумэн решил провести проверку среди всех госслужащих. Именно в этот момент на арене «холодной войны» появился сенатор Джозеф Маккарти. Он взял на себя все антикоммунистические расследования и убедил Америку в том, что коммунизм — главная угроза для страны.

Сенатор Джозеф Маккарти составил список из 3000 госслужащих, заподозренных в симпатии к коммунизму
Сенатор Джозеф Маккарти составил список из 3000 госслужащих, заподозренных в симпатии к коммунизму

Сенатор быстро нашел себе сторонников. Деятельность маккартистов9 приобрела огромные масштабы и формы. Они обвиняли в антиамериканизме каждого, кто давал хоть малейший повод подозревать его в симпатии к коммунизму. За несколько месяцев было уволено более 800 госслужащих. Помимо государственных структур, «чистке» подвергались и другие сферы: так и появились «черные списки» Голливуда.

«Голливудская десятка»

В 1947 году началась проверка в Голливуде, а 20 октября состоялись первые слушания в Вашингтоне. На них присутствовали 43 свидетеля из сферы культуры и искусства: 24 из них были «дружественными», то есть поддерживающими антикоммунистические действия, а 19 — «недружественными», то есть заподозренными в просоветских настроениях. Актеры Роберт Тейлор и Гэри Купер, глава Гильдии киноактеров Рональд Рейган говорили о «левом засилье»10 в Голливуде. А Уолт Дисней, один из «дружественных» свидетелей, и вовсе заявлял, что коммунисты спонсировали стачки на его студии.

Вскоре из 19 «недружественных» деятелей осталось 11 человек. Они создали «Комитет по защите Первой поправки к Конституции», настаивая на том, что закон дает им право на свободу слова и собраний. Члены этого комитета отказывались отвечать на вопрос: «Состоите ли Вы или состояли когда-либо в коммунистической партии?». Однако один из отказавшихся, немецкий драматург и сценарист Бертольт Брех, вскоре дал показания, ответив коротким «Нет» на все вопросы. Затем он эмигрировал из Америки.

Оставшиеся 10 кинематографистов до последнего упорствовали. Среди них: сценаристы Далтон Трамбо, Ринг Ларднер-младший, Сэм Орнитц, Лестер Коул и Джон Говард Лоусон, писатели Алва Бесси и Альберт Мальц, продюсер Адриан Скотт и режиссеры Эдвард Дмитрык и Герберт Биберман. Их прозвали «голливудской десяткой» и внесли в первый «черный список» в 1947 году.

«Голливудская десятка» в 1948 году
«Голливудская десятка» в 1948 году

Через год «десятку» обвинили в «неуважении к Конгрессу США». Это привело к тому, что слушания превратились в подсудное дело. Спустя 2,5 года судебных заседаний и апелляций вся «голливудская десятка» получила от 10 месяцев до 1 года заключения.

Президент Американской ассоциации кинокомпаний Эрик Джонстон заявил, что коммунисты не получат работы. Он говорил:

«Они [коммунисты] являются деструктивной силой, и я не хочу их видеть вокруг себя».

Red Channels

Самым большим «черным списком» Голливуда является памфлет под названием Red Channels: The Report of Communist Influence in Radio and Television («Красные каналы: Отчет о влиянии коммунистов на телевидение и радио»). Этот доклад был опубликован в промаккартистски настроенном еженедельнике Counterattack 22 июня 1950 года. Список «красных фашистов» включал 151 фамилию журналистов, кинематографистов и других деятелей искусства и науки. В список попали актрисы Ли Грант и Джин Мьюр, режиссеры Стенли Крамер и Орсон Уэллс и многие другие. Все они подозревались в сотрудничестве с коммунистами или в симпатии к ним (таких людей называли не красными, а розовыми, то есть сомнительными). Актер Филип Лойб покончил с собой, увидев свое имя в Red Channels.

Кинокарьера Ли Грант стала возрождаться с конца 1960-х годов
Кинокарьера Ли Грант стала возрождаться с конца 1960-х годов

Попавшие в список люди фактически лишились шанса работать в киноиндустрии или на телевидении. Например, Ли Грант отказалась свидетельствовать против своего мужа, драматурга Арнольда Маноффа. По этой причине Грант включили в Red Channels, и ей пришлось уйти из большого кино в театр. Актриса Джин Мьюр, работавшая в 1950-ые годы на NBS, была уволена из-за многочисленных писем зрителей, которые не желали видеть на экране «красную фашистку». Мюьр долго не могла найти себе работу, из-за чего у нее появились проблемы с алкоголем. А кинорежиссер Орсон Уэллс покинул Голливуд и начал работать в Европе.

Впоследствии «чёрный список» Голливуда насчитывал уже 300 человек.

«Черные списки» утратили свою силу в 1960 году, когда вышли фильмы «Спартак» и «Исход». Их сценаристом был Далтон Трамбо, один из членов знаменитой «десятки». Его возвращение позволило другим деятелям киноиндустрии, попавшим в список, восстановить свое имя, а этот период в истории прозвали «охотой на ведьм».

 

Manic Pixie Dream Girl

Неоднозначный киноархетип

Время чтения: 3 минуты

Manic Pixie Dream Girl (сокращённо MPDG) дословно переводится на русский как «маниакальная девушка-мечта». Это устоявшийся в массовой культуре архетип героини женского пола, который активно используется в литературе и кино. Характерные особенности девушки-мечты — эксцентричный характер и яркая внешность, её главная сюжетная функция — подталкивать главного героя мужского пола к изменению своей жизни.

Manic Pixie Dream Girl: Начало
Американский кинокритик Нейтан Рейбин
Американский кинокритик Нейтан Рейбин

Впервые термин «Manic Pixie Dream Girl» был сформулирован американским кинокритиком Нейтаном Рейбином в 2007 году в заметке «The Bataan Death March of Whimsy Case File #1: Elizabethtown». В ней Нейтан пишет: «Manic Pixie Dream Girl существует исключительно в воспаленном воображении чувствительных сценаристов-режиссеров, чтобы научить задумчивых и одухотворенных молодых людей принимать жизнь с ее бесконечными тайнами и приключениями». Фильмом, побудившим Рейбина дать определение этому архетипу, стал «Элизабеттаун», американская романтическая комедия 2005 года. Её главный герой — молодой дизайнер Дрю Бейлор, который потерял работу, возлюбленную и теперь собирается совершить самоубийство. Во время полёта в родной город Элизабеттаун, на похороны отца, Дрю знакомится со стюардессой по имени Клэр. Именно Клэр в этом фильме становится «девушкой-мечтой» для главного героя, потерявшего смысл жизни.

Кадр из фильма «Элизабеттаун», Клэр и Дрю
Кадр из фильма «Элизабеттаун», Клэр и Дрю

Одна из ключевых черт Manic Pixie Dream Girl, которую выделяет Нейтан Рейбин, жизнь по принципу «всё или ничего». Под этим понимается импульсивность, спонтанность и практически детская непосредственность, которую проявляют героини в неподходящих обстоятельствах. Главной же чертой MPDG является тяга к эмоционально незрелым мужским персонажам. Именно на таких героев, по мнению Рейбина, «девушка-мечта» способна произвести впечатление, влюбить в себя.

Примеры героинь в кино

Представительницы архетипа Manic Pixie Dream Girl встречались в массовой культуре задолго до первой формулировки термина в XXI веке. Среди MPDG прошлого столетия киновед Мередит Меткалф выделяет героиню Мэрилин Монро в фильме «Зуд седьмого года», Энни Холл в исполнении Дайан Китон в картине «Энни Холл» и персонажа Одри Хепбёрн в «Завтраке у Тиффани».

Сегодня «девушка-мечта» продолжает существовать в фильмах. Образ появляется даже в независимом кино, обычно свободном от преувеличенных и искусственных образов, как мужских, так и женских. Самыми известными современными MPDG считаются Рамона Флауэрс из фильма «Скотт Пилигрим против всех», Клементина Кручински из «Вечного сияния чистого разума» и Саммер Финн из картины «500 дней лета».

Критика архетипа

Образ «Manic Pixie Dream Girl» активно критикуют представительницы феминистского сообщества. По их мнению, такой архетип построен на мизогинии и представляет собой «male-gaze feminism» («феминизм мужскими глазами»). Героиня, которая изначально обладает ключевыми феминистскими чертами — независимость, тяга к свободе, уверенность в себе — в итоге направляет эти качества на главного героя мужского пола, а не на решение собственных проблем. Сам Нейтан Рейбин говорил: «…(MPDG) соответствует особой мужской фантазии: быть спасенным от депрессии и скуки женщиной-фантазией, которая врывается подобно сверкающему бризу, чтобы спасти вас от вас самих, а затем исчезает, как только ее работа выполнена».

Американская актриса и сценаристка Зои Казан
Американская актриса и сценаристка Зои Казан

Американская актриса и сценаристка Зои Казан в интервью изданию «Vulture» назвала образ Manic Pixie Dream Girl «однобоким, шаблонным и мизогинным» и попросила никогда не называть таким термином главную героиню её фильма «Руби Спаркс».

Палочка-выручалочка в кино

История хромакея и особенности его использования

Время чтения: 4 минуты

Хромакеем (chroma key, с англ. «цветовой ключ») обычно называют зеленый фон, на котором снимают фильмы, телепередачи и другие видеоматериалы. Однако на самом деле хромакей — это особый метод цифровой обработки видео, при котором зеленый или синий цвет фона может быть заменен абсолютно любым кадром. Технология смещения двух изображений не является новой для видеопродакшена11.

Переложить кадры друг на друга в конце XIX века позволила возникшая в то время техника мультиэкспозиции (или двойной экспозиции): эта технология заключается в многократном экспонировании12 одних и тех же кадров и совмещении различных объектов и действий. Впервые мультиэкспозицию использовал кинорежиссер Джордж Альберт Смит. В 1899 году он наложил в статичный фильм «Поцелуй в туннеле» кадры с вагоном поезда, показав тем самым непрерывность и одновременность происходящих событий.

В 1903 году в фильме «Большое ограбление поезда» была применена двойная экспозиция для создания пейзажа в окнах поезда, которые на съемках были затянуты черной тканью.

С развитием кинематографа в 1920-е годы появляется техника рир-проекции. Она работала следующим образом: на экран сзади проецировалось ранее отснятое фоновое изображение; актеров помещали перед экраном, и вторая камера снимала кадры еще раз. Рирпроекция была впервые использована в фильме «Метрополис» режиссера Фрица Ланга в 1927 году.

Схема рирпроекции. Фото: Wikiwikiyarou
Схема рирпроекции. Фото: Wikiwikiyarou

В 1949 году инженер Филип В. Пальмквист создал технологию фронтпроекции. Теперь светоотражающий экран, на который проецировались фоновые изображения, находился перед актерами. При этом проектор и киноаппарат были расположены таким образом, чтобы оптические оси их объективов были направлены на центр экрана. Эта технология впервые была использована при съемках фильма «Матанго» 1963 года.

Один из способ фронтпроекции. Фото: Wikiwikiyarou
Один из способ фронтпроекции. Фото: Wikiwikiyarou

Технология хромакея появилась еще в 1950-е. Однако активно им пользоваться начали только с 1970-х, когда появились технические возможности наложения кадров с помощью компьютера. Особенно востребованным хромакей стал для телевидения: ведущих прогноза погоды начали снимать на зеленом или синем фоне, который при монтаже заменялся на географические карты.

Использование хромакея в передаче о прогнозе погоды
Использование хромакея в передаче о прогнозе погоды

Все съемки, в монтаже которых используется техника хромакея, проходят на цветном полотне. При этом полотно должно быть матовым (блестящее отражает свет), а кадр — освещаться равномерно, иначе возникнут тени, которые невозможно убрать на монтаже.

Хромакей также называют «кеингом по цвету». Кеинг — это отделение объектов от фона. Иногда эту работу проводят вручную, но обычно используют специальную программу, которая распознает цвет фона и очертания предметов или актеров. После кеинга кадр с объектами совмещают с изображением, заменяющим хромакей. Этот этап называется композитинг. Фоном может послужить как статичная картинка, так и анимация или другие видеоматериалы.

Композитинг делается в специальных программах — видеоредакторах
Композитинг делается в специальных программах — видеоредакторах

«Ключом для вырезания» может послужить любой цвет. Однако при кеинге программа может удалить все цвета, пиксельно приближенные к фону, что может привести к нежелательным дырам в объектах. По этой причине использует те оттенки, которые редко можно встретить в природе, а также в тонах человеческой кожи: неоновый зеленый и синие цвета.

Изначально для хромакея пользовались синим цветом. Он отлично подходил еще во время съемок на плёнку, так как в цветном негативе превращался в чёрный. Затем с помощью двойной экспозиции накладывалось другое изображение поверх черного цвета. От синего хромакея пришлось отказаться во время съемок фильма о Супермене 1978 года. Синий плащ героя требовал другого фона, и именно тогда появился зеленый цвет. К тому же зеленым фоном можно пользоваться и при съемках на улице.

Кристофер Рив в роли Супермена в фильме 1978 года
Кристофер Рив в роли Супермена в фильме 1978 года

В современной киноиндустрии обычно пользуются зелеными оттенками, так как цифровые камеры наиболее чувствительны к ним, а при кеинге эти цвета легко отделяются от объектов.

Хромакей — удобный способ наложения нескольких кадров, тем не менее это довольно «требовательная» технология, для которой нужен правильно поставленный свет, а также отсутствие цвета, используемого на фоне, одежде актеров или в окружающих их предметах.

Истинный пионер кино: загадочная история Луи Лепренса

Почему французский изобретатель не стал «отцом кинематографа»

Время чтения: 3 минуты

В учебниках истории, ближе к периоду индустриализации, всегда появляются два имени — Огюст и Луи. Так звали братьев Люмьер, которые считаются родоначальниками кинематографа и создателями киноиндустрии как таковой. Однако не многим известно, что Люмьеры на самом деле лишь продолжили уже начатое до них дело. Признанным первооткрывателем киносъёмки мог бы стать французский изобретатель Луи Лепренс, если бы не пропал при загадочных обстоятельствах в 1890 году вместе со всем своим оборудованием.

Луи Лепренс заинтересовался концептом киносъёмки в 1869 году, когда в свет вышли знаменитые сегодня фотографии авторства Эдварда Мейбриджа — последовательно расположенные снимки со скачущей лошадью. «Первое ожившее изображение», как окрестят его позднее специалисты теории кино. Увидев фотографии, Лепренс, будучи химиком и физиком по образованию, задумался, можно ли из отдельных снимков создать нечто цельное, а главное — действительно подвижное, и принялся за эксперименты.

Эдвард Мейбридж с оригинальными фотографиями лошади в движении, 1878 год
Эдвард Мейбридж с оригинальными фотографиями лошади в движении, 1878 год
Сохранившиеся негативы плёнки «Человека, поворачивающего за угол», 1887 год
Сохранившиеся негативы плёнки «Человека, поворачивающего за угол», 1887 год

Для того чтобы обмануть мозг, заставив его воспринимать разрозненные фотографии как единое движущееся изображение, Лепренсу нужна была камера, которая способна делать минимум 16 снимков в секунду. Тогда изобретатель создал уникальный хронофотографический аппарат с 16 объективами, которые были расположены в 4 ряда.

Изобретение практически сразу же было запатентовано в США, Англии и Франции. В 1887 году с помощью этой «камеры» был снят первый киноролик: видеозапись длилась всего 3 секунды и получила название «Человек, поворачивающий за угол».

Не желая останавливаться на достигнутом, французский изобретатель совершенствует аппарат. В результате появляется «LPCCP MkI» — камера, имеющая уже один объектив вместо 16. Именно с помощью нового аппарата снимается «Сцена в саду Раундхей», первый ролик, вышедший за пределы мастерской Лепренса при его жизни. Позднее появляются ролики «Движение транспорта по мосту Лидс» и «Аккордеонист», в каждом из которых актёрами являются друзья и члены семьи изобретателя.

16 ноября 1889 года Луи Лепренс получает патент на новую камеру в США и планирует запатентовать изобретение и в Великобритании, чтобы более активно продвигать аппарат в Европе. Незадолго до запланированной на сентябрь 1890 года поездки в Соединённые Штаты ради выставки в «Моррис-Джумель», особняке на Манхеттене, Лепренс едет к брату во французский город Дижон. Проведя там три дня, 16 сентября он садится на обратный поезд до Парижа. Но до города так и не доезжает. По прибытии поезда купе оказывается пустым и запертым изнутри. Ни тела, ни багажа на месте не обнаруживают. Лепренс словно растворился, а что самое интересное — сделал это вместе со своим оборудованием, которое так и не успел запатентовать в Европе. Так, звание «отца кинематографа» в итоге отошло Томасу Эдисону, представившему публике кинетоскоп в 1891 году.

Изобретатель кинетоскопа Томас Алва Эдисон
Изобретатель кинетоскопа Томас Алва Эдисон

Вокруг исчезновения Луи Лепренса строится множество теорий. Некоторые предполагают, что изобретатель пал жертвой в «войне патентов» и руку к этому приложил сам Томас Эдисон. Выпускник Нью-Йоркского университета Алексис Бедфорд нашёл в библиотечном архиве дневник Эдисона с записью от 20 сентября 1890 года: «Эрик позвонил мне сегодня из Дижона… Принса больше нет… мои изобретения теперь могут развиваться». После всестороннего анализа записи были признаны подлинными, но доказать вину Эдисона наверняка сегодня уже не представляется возможным. В 1902 году сын Лепренса Адольф приехал в Нью-Йорк, чтобы выступать на судебных патентных слушаниях в пользу пропавшего отца и заодно узнать у Томаса Эдисона, был ли тот знаком с Луи. Но уже на следующий день после приезда Лепренс-младший был найден застреленным в своём гостиничном номере.

Не исключаются также версии о суициде изобретателя, побеге из-за возможного мошенничества и убийстве Луи собственным братом ещё в Дижоне из корыстных побуждений. В архивах парижской полиции и вовсе было обнаружено подозрительное фото утопленника, датированное 1890 годом: изображённый на нём человек был крайне похож на пропавшего Лепренса.

Исчезновение Луи Лепренса со всем оборудованием сделало невозможным получение нового патента, а все старые были аннулированы. В результате ни изобретения, ни их создатель не получили общественного признания, несмотря на то, что значительно опередили все последующие разработки в этой области кинематографа — «Кинетограф» Томаса Эдисона появился только спустя полтора года, а «Синематограф» братьев Люмьер — спустя семь лет.

Вкусные выходные

Подборка фильмов, после которых точно захочется подружится с готовкой

Время чтения: 5 минуты

Иногда приготовление еды может выйти за рамки жизненной необходимости и стать источником удовольствия и любимым хобби. Только вот овладеть всеми необходимыми навыками такого ремесла бывает очень непросто. Мы собрали подборку фильмов для тех, кто всё ещё гуглит, как правильно варить макароны, но при этом отчаянно хочет развить кулинарные способности.

1. «Джули и Джулия: Готовим счастье по рецепту», 2009
Кадр из фильма «Джули и Джулия: Готовим счастье по рецепту»
Кадр из фильма «Джули и Джулия: Готовим счастье по рецепту»

В фильме встречаются две женщины и две эпохи: начинающая писательница Джули Пауэл, работающая оператором в call-центре, и Джулия Чайлд — автор культовой книги «Осваивая искусство французской кухни». Однажды Джули решает разнообразить свою жизнь и заводит блог о том, что любит больше всего — о кулинарии. Она ставит перед собой цель: приготовить все 524 блюда из книги Джулии в течение года. В это же самое время зритель может наблюдать, как в 19401950х годах начинается карьера самой миссис Чайлд. Становится очевидно, что истории двух женщин похожи не только любовью к готовке, но и отношением к трудностям и даже к собственному браку.

2. «Пряности и страсти», 2014
Кадр из фильма «Пряности и сласти»
Кадр из фильма «Пряности и сласти»

Семья индийских эмигрантов, проводящая жизнь на колёсах, решает открыть небольшой ресторан восточной кухни во французской провинции. Однако здание, которое им удаётся выкупить для этой цели находится прямо напротив ресторана «Плакучая ива» — обладателя звезды «Мишлен», регулярно принимающего на ужин самого президента Франции. Между владельцами двух ресторанов начинается холодная, но активная война. За гостей, продукты и, в какой-то степени, даже за любовь.

3. «Тост», 2010
Кадр из фильма «Тост»
Кадр из фильма «Тост»

Великобритания, 1957 год. Найджел Слэйтер — кулинарный вундеркинд, безумно любящий свою маму, единственным съедобным блюдом которой иронично является обычный тост. После смерти матери, мальчик остаётся с отцом, отношения с которым оставляют желать лучшего. Сыпет соль на рану ещё и появление в доме новой уборщицы Джоуэн, которая оказывается талантливым поваром и, по мнению мальчика, пытается занять место его мамы. Найджел решает во что бы то ни стало победить Джоуэн в выдуманном кулинарном соревновании и заодно найти способ сблизиться с отцом.

4. «Шеф Адам Джонс», 2015
Кадр из фильма «Шеф Адам Джонс»
Кадр из фильма «Шеф Адам Джонс»

Несколько лет назад Адамс Джонс работал шеф-поваром в одном из лучших ресторанов Парижа, но пристрастие к наркотикам заставило его расстаться с любимой работой. Теперь он работает в обычном баре в Штатах, а его главная обязанность — вытаскивать устриц из раковины. Устав от бессмысленности происходящего, Адам решает вернуться в Европу и покорить кулинарный мир Лондона. А заодно — получить сразу 3 звезды «Мишлен».

5. «Шоколад», 2000
Кадр из фильма «Шоколад»
Кадр из фильма «Шоколад»

Экранизация романа британской писательницы Джоан Харрис.
В провинциальный французский городок приезжает молодая женщина по имени Виенн. Появление новых людей в городе и так будоражит жителей, а когда Виенн открывает собственный шоколадный магазин, те и вовсе теряются в догадках, что за странная гостья приехала в их город. Вместе со своей дочерью Анук, кондитер пытается наладить жизнь на новом месте, а заодно приобщить местных к изысканному вкусу шоколада.

Что не так с «Золотым глобусом»?

Премия вернулась на телевидение спустя год после масштабного скандала

Время чтения: 3 минуты

В ночь на 11 января «Золотой глобус» отметил свою 80-ю церемонию вручения в Лос-Анджелесе.  Премия вернулась в медийное пространство после нескольких скандалов, на урегулирование которых потребовался год: учредители провели ряд реформ, которые отразились на внутренней структуре организации.

Участники премии "Золотой глобус". Источник: Vanity Fair
Участники премии «Золотой глобус». Источник: Vanity Fair

В 2021 году сотрудники газеты Los Angeles Times провели расследование и обвинили Голливудскую ассоциацию иностранной прессы в этических нарушениях. Издание сообщило, что в ассоциации, которая состояла из 87 человек, не было ни одного темнокожего представителя, и что учреждение принимало взятки от студий, добивающихся благосклонности. Расследование The Times также показало, что некоммерческая организация HFPA13 регулярно производила значительные выплаты своим членам способами, которые противоречат руководящим принципам Налоговой службы. Члены HFPA получили около 2 миллионов долларов 2020 году за работу в различных комитетах, что более чем вдвое превышает уровень доходов трехлетней давности.

После скандала ассоциация избрала новых членов в совет директоров, включив в него представителей национальных меньшинств, запустила горячую линию, по которой можно сообщить о нарушениях в работе организации, а также установила новое правило, согласно которому членам ассоциации запрещается принимать подарки от студий в каком бы то ни было виде. Несмотря на это, некоторые звезды шоу-бизнеса все же отказались от посещения премии из-за недоверия к организации. В 2021 году Том Круз вернул три «Золотых глобуса» и отказался от посещения церемонии. В 2022 году Брендан Фрейзер, который был номинирован на лучшую мужскую роль в фильме «Кит», также не посетил церемонию.

Джеррод Кармайкл на премии "Золотой глобус". Источник: CNN
Джеррод Кармайкл на премии «Золотой глобус». Источник: CNN

В 2023 году церемония вручения «Золотых глобусов» началась с громкого заявления ведущего Джеррода Кармайкла: «Я ваш ведущий Джеррод Кармайкл, и я скажу вам, почему я здесь, я здесь, потому что я черный». Он также продолжил шутить: «Я не скажу, что HFPA была расистской ассоциацией, однако у них вообще не было темнокожих представителей, пока Джордж Флойд не умер, так что делайте с этой информацией, что хотите». Зал практически никак не отреагировал на слова ведущего: пронеслось всего несколько неловких смешков. В своем вступительном монологе Кармайкл продолжил: «В одну минуту вы готовите мятный чай дома, а в следующую вас приглашают стать черным лицом сражающейся белой организации. Жизнь действительно быстро меняется, понимаете?»

Ке Хуэй Цюань был награждён в  первой номинации вечера за лучшую мужскую роль второго плана в кинофильме «Все везде и сразу». Актер выступил с рассказом о том, как трудно было найти свое место в первые годы его карьеры из-за нехватки ролей для азиатских актеров, о том, как было сложно найти работу после съемок в фильме «Индиана Джонс и Храм судьбы», о том, как получил второй шанс преуспеть в карьере спустя почти тридцать лет.

«Я помню, как я впервые приехала в Голливуд. Это была мечта, ставшая явью, пока я не попала сюда», — заявила малазийская актриса Мишель Йео в своей речи. Она подчеркнула, что пробиться в Голливуд — это меньшая трудность из тех, с которыми можно столкнуться при фактическом найме на роли: Мишель поделилась историей о том, как сталкивалась с расизмом и эйджизмом.

Хелен Хоэн, президент HFPA, на премии "Золотой глобус". Источник: The Hollywood Reporter
Хелен Хоэн, президент HFPA, на премии «Золотой глобус». Источник: The Hollywood Reporter

В довершение всего президент HFPA сделал заявление о том, как они гордятся проделанной работой, и пообещал представить еще большую расовую репрезентацию членов организации в будущем. Несмотря на заявления о новой политике премии, список номинантов был не таким разнообразным, как ожидали участники и зрители. Так, ни на одну из категорий «Лучший фильм», будь то комедия или драма, не была номинирована женщина. В номинации за режиссерскую работу их также обошли стороной, не обратив внимание на фильмы Сары Полли «Говорят женщины», Марии Шрадер «Ее правда» и Джины Принс-Брайтвуд «Королеву-воина», фильмы, которые высоко оценили и зрители, и кинокритики.

«Кот в сапогах 2»

Новый взгляд на пушистого героя

Время чтения: 4 минуты

В медиа-пространстве растёт популярность новой части истории о говорящем (с прекрасным испанским акцентом) коте. «Кот в сапогах 2: Последнее желание» появился на российских экранах совсем недавно, но уже успел растопить сердца как поклонников франшизы «Шрэк», так и тех кто случайно наткнулся на детский мультик.

Какие изменения — визуальные и сюжетные — произошли в фильме по сравнению с первой частью, и как история для детей трансформировалась в картину о проблемах, присущих взрослой части аудитории? Разберёмся вместе.

1. Сюжет
Кадр из мультфильма «Кот в сапогах 2: Последнее желание»
Кадр из мультфильма «Кот в сапогах 2: Последнее желание»

Если первая часть истории Кота в сапогах переосмысливала старую сказку «Джек и волшебные бобы», представляя на суд зрителю очевидного злодея и мотивацию героев, то во второй части всё немного усложнилось. Несмотря на присутствие в мультфильме антагониста в виде пирогового магната Билла Хорнера, самым большим злом в истории является не он. Во второй части Кот борется с самой Смертью. И да, это имя собственное. У смерти есть волчье лицо и два серпа, которые находят Кота, куда бы он не сбежал. Истратив 8 из 9 своих кошачьих жизней, Кот понимает, что больше не может оставаться отважным героем. Цена риска для него резко возросла. Приняв непростое для себя решение уйти на пенсию, Кот не задерживается там надолго. И случайно узнав о таинственной звезде, исполняющей желания, пускается в новое приключение, чтобы вернуть себе истраченные жизни и возможность снова смеяться в лицо Смерти.

Но гораздо важнее то, что сражение со Смертью напрямую связано для Кота со сложным процессом принятия и отчасти борьбы с самим собой. Действительно ли постоянная опасность и одиночество — цель его жизни? Или есть что-то большее за геройским фасадом? Этими вопросами Кот задаётся на протяжении всего мультфильма.

2. Графика
Кот в сапогах из первой части (сверху) и Кот из второй части (снизу)
Кот в сапогах из первой части (сверху) и Кот из второй части (снизу)

Первая часть приключений Кота в сапогах была сделана по уже классической схеме студии Dreamworks. Повторяя принципы мультипликации из «Шрэка» (где впервые и появился отважный Кот), мультфильм был сделан с помощью 3D механик. Однако вторая часть стала успешным экспериментом для студии — мультфильм представил собой синтез 2D и 3D анимации. Примечательно, что 2D анимация была использована преимущественно в боевых сценах. Такой приём позволил мультипликаторам сосредоточиться больше не на детализации персонажей, а на графической наполненности эпизодов. Похожая анимация была использована в картине «Человек-паук: Через Вселенные» 2018 года, где резкие движения, звуки и даже запахи сопровождались небольшими нарисованными элементами.

3. Проблематика

С первых минут мультфильма становится ясно, что градус серьёзности во второй части будет значительно выше, чем у предшествующей. И касается это не столько сюжета, так как приключенческая часть вполне соответствует канонам повествования для детских историй, сколько переживаний героев картины. Так, например, Кот переживает кризис идентичности, осознав, что без подушки безопасности из запаса жизней он оказывается умеет бояться и уже не готов смотреть Смерти в лицо. Несколько раз на протяжении картины он испытывает подобие панической атаки, не в силах совладать с нахлынувшими эмоциями. Проблема принятия себя без привычного образа жизни, целей и планов становится самым ярким аспектом личности нового Кота в сапогах.

Помимо Кота нам также представляют героиню по имени Златка — аналог нашей Маши из «Трёх медведей». Воспитанная тремя косолапыми в любви и заботе, она тем не менее спешит добраться до волшебной звезды, чтобы пожелать обрести «настоящую семью». Здесь уже поднимается вопрос о том, действительно ли семья — это только кровные узы, или за этим скрывается нечто большее. Возвращается и героиня предыдущей части «Кота в сапогах» — Киса-Мягколапка. Она на протяжении фильма заново учится прощению и доверию.

Терапевтом для всех героев становится самый неожиданный персонаж — бездомный щенок. Его несколько раз бросали хозяева, над ним издевались и даже пытались утопить. Но ирония в том, что он единственный, кому от звезды не нужно никакое желание. Он просто счастлив жить и путешествовать со своими друзьями (даже если друзьями их пока можно назвать лишь с большой натяжкой). Оптимизм щенка способствует сплочению героев в самые ответственные моменты и помогает им справиться с собственными внутренними переживаниями.

Щенок и Кот на кадре из мультфильма «Кот в сапогах 2: Последнее желание»
Щенок и Кот, кадр из мультфильма «Кот в сапогах 2: Последнее желание»

Мораль нового «Кота в сапогах» можно сформулировать довольно просто: самое главное в жизни — просто быть счастливым. Это счастье нельзя измерить количеством подвигов или тем, насколько много в тебе смелости. Оно гораздо проще, и чтобы найти его, не нужно пытаться обмануть саму Смерть и вступать в бесконечную гонку с самим собой. Стоит лишь обратить внимание на те простые вещи, которые уже нас окружают. А ещё, конечно, не бояться любить и принимать любовь от других.

Киноправда Жана-Люка Годара

Жан-Люк Годар — один из главных экспериментаторов мирового кино. Что нам дали его 129 фильмов?

Время чтения: 4 минуты

3 декабря Жан-Люк Годар мог бы отметить 92-й день рождения, но в сентябре этого года один из зачинателей кинематографа французской новой волны добровольно ушел из жизни14. После его ухода президент Франции Эммануэль Макрон в Твиттере назвал режиссера «мэтром французского кинематографа, разрушившим каноны и табу и создавшим современное свободное искусство».

Кадр из фильма «На последнем дыхании». 1960 год
Кадр из фильма «На последнем дыхании». 1960 год

Фильм «На одном дыхании», полнометражный дебют Годара, ознаменовал начало новой волны во французском кино. Родившемуся в семье швейцарского врача и предпринимателя Жан-Люку наскучила буржуазная жизнь в пригороде Женевы, и он отправился в Париж, где познакомился с людьми, которым сделают синематеку одним из главных учреждений того времени. Старые французские картины казались Годару экранизацией театральных пьес, либо литературных произведений. Прежде страстно любивший американское кино, нуары и дешевые вестерны, Годар выступил с осуждением голливудской киношколы. Молодому бунтарю Годару же суждено было стать экспериментатором и непонятым гением.

Но карьера режиссера началась не с кино, а со стройки. В начале 1950-х молодой Годар работал на плотине строителем, а когда закончился его контракт, он перешел на должность оператора телефонного коммутатора, чтобы снять документальный фильм об этом месте. Камеру ему одолжили друзья. Так родился кинодебют Жан-Люка Годара под названием «Operation béton» (Операция «Бетон»).

Кадр из фильма «Operation béton» (Операция «Бетон»). 1954 год
Кадр из фильма «Operation béton» (Операция «Бетон»). 1954 год

«Конкретный анализ конкретных ситуаций» — так формулировал свой режиссерский принцип Жан-Люк Годар, пытаясь противоречить цеховому кино «старой волны». Эти и другие новаторские догмы он вынес из киноклубов: Французской синематеки, Киноклуба Латинского квартала и издания «Кайе дю синема», где писал рецензии. Позже режиссер напишет: «В Синематеке я открыл для себя мир, о котором мне никто не говорил. Они рассказали нам о Гёте, но не о Дрейере. Мы смотрели немые фильмы в эпоху звукового кино. Мы мечтали о кино. Мы были как христиане в катакомбах».

В «Кайе дю синема» Годар знакомится с другими лицами французской новой волны. Помогает Трюффо со съемками неудавшейся криминальной драмы, работает с Ромером над короткометражными фильмами. Примерно в это же время режиссер начинает работать с Жан-Полем Бельмондо, снимая свой последний перед грядущим успехом короткий метр «Шарлотта и её Жюль».

Кадр и фильма «Шарлотта и ее Жюль». 1960 год
Кадр и фильма «Шарлотта и ее Жюль». 1960 год

В полнометражном дебюте «На одном дыхании» (1959) Годар впервые использовал рваный монтаж15. А еще ручную камеру, которая стала символом борьбы режиссеров новой волны против правил «папиного»16 кино. Этот операторский прием имитирует субъективный взгляд героя на происходящее, помогает усилить эмоциональное впечатление, а также добавляет реалистичности, ведь именно к ней стремились режиссеры новой волны, включая Годара. Ручная камера ассоциируется с документальным изображением и репортажной съемкой с эффектом присутствия. Все, что происходит на экране, могло бы происходить в реальности. «Фотография — это правда, а кино — это правда со скоростью 24 кадра в секунду», — говорил Годар.

После зенита своей славы, 1960-х, Годар стал снимать еще более абстрактно и сложно. «Он терял память, терпение и желание разъяснять, его речи и фильмы становились все более туманными и непонятными, образы в его странных коллажных картинах мелькали уже со скоростью стробоскопа», — пишет кинокритик Василий Корецкий.

Тогда он познакомился с активистом Жан-Пьером Гореном, и постепенно приемы и взгляды режиссера стали радикальнее. Для продвижения политических киноработ он вступил в творческое объединение имени другого режиссера-новатора, уже советского, «Дзига Вертов», а после его распада создал собственный кинопродакшн «ЗвукОбраз» совместно с Анн-Мари Мьевиль.

Анн-Мари Мьевиль и Жан-Люк Годар
Анн-Мари Мьевиль и Жан-Люк Годар

В это время реализуется мысль Годара о том, что культура — это прислужница политики. Появляются не только кинематографические манифесты режиссера, начиная с критики его ультралевой молодости и последующего маоистского периода, когда была снята «Китаянка» и «Уик-энд». В составе группы «Дзига Вертов» он внедряет в свои картины уже социалистические идеи: производство становится действительно коллективным, картины распространяются на основе свободной дистрибуции. Примечательно, что преданность размышлениям о социализме, режиссер сохранит до настоящего времени. Так в 2010-м появится картина «Фильм-социализм» с бесконечными разговоры о судьбах Европы.

Кадр из фильма «Фильм-социализм». 2010 год
Кадр из фильма «Фильм-социализм». 2010 год

Жан-Люк Годар сжег мосты с массовым кино и крупными студиями, посвятив дальнейшие годы (примерно с 1980-х по 2022 год) разработке собственного киноязыка и системы производства. Он не мог найти себе места между интеллигенцией и широким зрителем, в чем и был обвинен другими деятелями французской культуры. Годару оставалось только отказаться от работы со студиями, по их правилам. В 2014 году вышел фильм «Прощай, речь», в названии которого скрывается новая веха в развитии режиссера. Когда киноиндустрия доходит до того, что двухчасовую ленту можно снять, не выходя из студии, Годар создает картину, где сочетает 3D и немое кино, как бы подшучивая над рвущимися вперед новыми технологиями, возвращаясь к приемам 1910-х. Герои фильма молчат не потому, что не могут говорить, а потому, что речь, как и принятые приемы монтажа, съемки, работы со звуком, режиссер считает лишними для передачи смысла.

3 малоизвестных факта о культовой актрисе Инне Чуриковой

крашеный лук и любовь с первого взгляда

Время чтения: 3 минуты

14 января 2023 на 80 году жизни скончалась актриса Инна Чурикова. За свою долгую жизнь и карьеру она приняла участие более чем в 60 кинопроектах и получила звание народной артистки СССР. Однако не многим известно, с каким трудом ей приходилось отвоёвывать место под софитами и признание современников.

Представляем вам несколько интересных фактов об актрисе целого поколения, которые вы могли не знать, а заодно затронем важные для её жизни и карьеры фильмы.

1. С юношества её преследовали обидные слова о внешности
Инна Чурикова в фильме «Начало», 1970 г.
Инна Чурикова в фильме «Начало», 1970 г.

Окончив школу, Инна Михайловна была твёрдо нацелена поступить в один из театральных институтов «Золотой пятёрки»: МХАТ, Щепкинское училище, ГИТИС, ВГИК и Щукинское училище. Но приёмная комиссия приняла начинающую актрису не очень радушно. Один из экзаменаторов в школе-студии МХАТ спросил, знает ли она, кто такая Афродита. А увидев отрицательное мотание головой, пояснил: «Это богиня красоты. Идите и посмотрите на себя в зеркало!» Инна действительно пошла в туалет, где расплакалась перед зеркалом. Но потом, всмотревшись в свои черты лица, сама себе сказала: «У меня своеобразное, необычное лицо, и не каждый может его оценить». И в итоге поступила. Правда не в МХАТ, а в Щепкинское училище, которое позже закончила с красным дипломом.

С историей поступления Инны Михайловны тесно переплетается фильм «Начало», где она сыграла роль Паши Строгановой —  ткачихи из маленького города, которая случайно попадается на глаза столичному режиссёру. Роль Бабы-Яги в любительском драмкружке сменяется образом легендарной Жанны д’Арк для больших экранов, и Паше приходится учиться существовать в новых для неё обстоятельствах.

2. Инна Михайловна «выгрызла» себе роль в фильме
Инна Чурикова в фильме «Морозко», 1964 г.
Инна Чурикова в фильме «Морозко», 1964 г.

В культовый фильм «Морозко» 1964 года актриса попала случайно. Изначально на роль Марфушеньки планировали взять однокурсницу Инны — Тамару Носову, но ассистентка режиссёра заприметила Чурикову и предложила и её попробовать на роль. Позже Инна рассказывала, что на прослушивании ей и Тамаре пришлось грызть орехи (что было необходимо в одной из сцен фильма). И начинающая актриса так сильно хотела получить место в фильме, что «не щадила зубов». По словам самой Инны, поэтому режиссёр Александр Роу и решил утвердить её на роль.

На самих съёмках «Морозко» Инне Чуриковой тоже пришлось «несладко». Буквально. Картина снималась во времена продуктового дефицита, и яблоки, которые в одной из сцен должна была с упоением грызть Марфушенька, были заменены на покрашенный репчатый лук. Разумеется, не желая подводить съёмочную группу, Инна с прекрасно сыгранным удовольствием принялась обкусывать лук. Стоит добавить, что сцену сняли далеко не с первого дубля.

3. Будущего мужа Инна встретила «прямо как в кино»
Инна Чурикова с мужем, Глебом Панфиловым
Инна Чурикова с мужем, Глебом Панфиловым

В 1966 году Инна Чурикова получила роль в фильме «В огне брода нет». Когда Глеб Панфилов, режиссёр картины, придумывал героиню и размышлял над её образом, он решил её нарисовать, чтобы иметь перед глазами образ своего идеального персонажа. И однажды, включив телевизор, увидел на экране танцующую девушку, точь-в-точь его героиню с рисунка. В Москве и Ленинграде он дал друзьям фотографии со своего наброска и попросил их найти актрису, которая так сильно похожа на изображённую девушку. Откликнулся Ролан Быков, который рассказал, что знает некую «Лидию Чурикову», которая играет в Московском ТЮЗе. Конечно, «Лидия» оказалась Инной, и увидев её, Панфилов не только узнал девушку из телевизора и нашёл главную актрису для своей картины, но и влюбился. Вместе они провели больше 50 лет.

На похоронах Инны Михайловны Панфилов сказал: «Мне нужна была актриса на роль… А нашлась Инна Чурикова».