Наврятли в мире есть вид искусства, который может посоревноваться в эпатаже с перфомансам. Что же такое перфоманс? Художественное выступление (действие), которое может включать в себя элементы искусства, театра, музыки, танца и прочих форм выражения. Основное отличие перформанса от традиционных форм искусства заключается в том, что он чаще всего происходит в реальном времени и пространстве, вовлекая зрителей в процесс искусства прямо на месте.
Перформанс в современном понимании возник во второй половине XX век. Одним из первых художников, который стал известен новыми формами искусства, считается американский художник Аллан Капроу. Его перформансы включали в себя различные эксперименты с телом, движением, звуком и пространством и предвосхитили последующие тенденции в развитии перформанс-искусства.
Мы собрали 5 самых ярких перфомансов, которые отражают актуальные проблемы человечества.
Мила Йовович и стеклянный куб
Проблема потребления отражена в перформансе с участием известной актрисы. Мила Йовович была погружена в стеклянный куб, из вещей ей предложили только телефон, через который участница перформанса могла заказывать различные товары из интернет-магазинов. Спустя 6 часов куб был переполнен вещами, которые были куплены под влиянием маркетинга и бессознательного потребления.
Актриса Мила Йовович в стекляном кубе
Пастель и мир
Джон Леннон со своей супругой Йоко Оно придумали, как донести свою позицию до общества и политики, касательно войны во Вьетнаме. Свою первую медовую неделю пара провела в одном из отелей, куда была приглашена пресса. Пришли журналисты в надежде полакомиться с итнимными подробностями из жизни знаменитостей, но Джон и Йоко просто сидели в пижамах, с распущенными волосами напротив плакатов «HAIR PEACE» и «BED PEACE» с 9.00 до 21.00 каждый день на протяжении семи дней.
Английский художник, чья личность является загадкой для всего мира, в 2019 году без приглашения разместил свои работы на очередной биеннале в Венеции. Инсталляция из нескольких картин с единым сюжетом: на фоне круизного лайнера проплывают гондольеры. Этим Бэнкси хотел обратить внимание общественности на то, что лайнеры загрязняют окружающую среду.
Работы Бэнкси в Венеции
Горящее фортепиано
Слабовидящий музыкант Данила Большаков играл композиции Макса Рихтера на горящем фортепиано. Действие происходило на фоне финского залива. Смысл перформанса автор объясняет так:
«У инструмента, как и у человека, своя судьба: один умирает на помойке, другой проживает яркую жизнь».
Данила Большаков за горящим фотрепиано
Ритм ноль
В 1974 году в Неаполе, одна из самых известных художниц перформативного жанра Мария Абрамович организовала перфоманс, который обнажил человеческую сущность. В галерее художница разложила 72 предмета, которые можно было использоваться для того чтобы доставить удовольствие Марине или же сделать больно. Абрамович стояла голая 6 часов подряд и люди могли делать все, что им захочется с телом художницы. Поначалу гости с осторожностью относились к предложенной им вседозволенности, но потом, осознание безнаказанности взяло вверх и открыла в толпе дикость и жестокость. За время перфоманса Марину Абрамович домогались, наносили ей увечья и даже приставили заряженный пистолет к шее.
Перфоманс «Ритм 0»
Перфоманс — искусство в паре с провокацией, которые создали форму, притягивающую людей. А художники, за счет резонанса, получают возможность донести свою мысль на широкую аудиторию.
Техно — это электронная танцевальная музыка с быстрым битом и синтезированными с помощью диджейской установки звуками. Алан Олдхам, культовый техно-диджей, характеризует жанр так: «Это что-то разное для всех. Техно может быть мелодичным и спокойным. Но для меня техно — это что-то более агрессивное». Значение термина «техно» отличается в разных языках. На немецком «Techno» — зонтичный термин, который подразумевает не только саму музыку, но и все андеграундные музыкальные мероприятия. На английском «техно» — просто один из музыкальных жанров.
Техно — не только музыка, для некоторых это стиль жизни. Культура техно особенно распространена в Германии: Берлин насчитывает более 300 ночных клубов, а каждый год около 12 миллионов туристов приезжают в немецкую столицу.
Музыка определяется инструментами, за счет которых она рождается. Техно называется так, потому что для его создания используется технологически продвинутое оборудование. Развитие техно музыки происходило параллельно с танцевальной и диджейской культурой.
«Клубная культура всегда упрощалась до гедонизма и эскапизма. Но в 21-м веке так сказать нельзя. Люди идут за атмосферой, к конкретным диджеям, в конкретные клубы», — рассказывает Анита Йори, лингвист и медиа эксперт.
Детройт
Детройт считается местом рождения техно музыки. Город был одним из индустриальных центров Соединенных штатов. В Детройте находился Ford River Rouge complex — крупнейший автомобильный завод, от которого зависела жизнь города.
В 1980-е годы город постепенно приходил в упадок, рабочих мест становилось все меньше, роботы заменили людей на производствах. Жители Детройта искали способ отвлечься от реальности.
Хуан Аткинс на Record store day 2019. фото — Offtherecord
Техника для создания музыки, такая как Roland TR-909, становилась все более доступной. Электронная музыка давала возможность переосмыслить зависимость от машин и индустриального производства.
В начале 80-х по радио играли диджейские хаус 1 композиции. Они вдохновили школьных друзей Хуана Аткинса, Кевина Сондерсона и Деррика Мэя на эксперименты с футуристичным звуком. Они создавали треки с помощью драм-машины2 TR-909, смешивая европейскую электронную музыку и афро-американские танцевальные биты.
«Это было спонтанно. У нас была примерная идея что мы хотели получить, эксперимент из разных ингредиентов. Результат оказался в 10 раз лучше, чем мы ожидали», – вспоминает Аткинс.
Все трое добились успеха в музыкальной сфере. Аткинс стал первым из трех друзей, кто выпустил музыку. В 1981 году его дуэт Cybotron с Ричардом Дэвисом выпустил трек «Alleys Of Your Mind/Cosmic Raindance», положив начало техно-музыки.
Кевин Сондерсон попал в несколько чартов и продал около шести миллионов пластинок. Самый известный сингл «Strings Of Life», выпущенный под псевдонимом Rhythim is Rhythim играл на британском Second Summer Of Love 1988-89 годов, когда рейв-культура стала набирать популярность.
Деррик Мэй дебютировал с песней «Let’s Go», впоследствии создал музыкальную компанию Transmat label.
Берлин — Клуб «Трезор»
В середине 80-х в Европе, в частности в Берлине уже зарождалось движение экспериментальной музыки. Техно-музыка пришла в город благодаря музыкальному предпринимателю Димитри Хегеманну. В 1988 году он приезжает в Америку для встречи с торговым посредником. В офисе компании Хегеманну попадается пластинка известного в то время техно-диджея Джеффа Миллса. Она так понравилась Димитрию, что он попросил забрать ее себе. В дальнейшем Хегеманн знакомится с Миллсом, а через него — с другими диджеями Детройта, в том числе с Аткинсом. Тогда Димитри и решает открыть техно-клуб в Берлине.
В 1989-ом году Берлин был разделенным городом. В социалистической восточной части города государство контролировало почти все аспекты жизни. Но втайне молодежь ГДР все равно перенимала то, что происходило на Западе. Здесь, по другую сторону Берлинской стены, у людей было больше свободы, но они чувствовали себя изолированными.
После падения Стены в Берлине началась настоящая эйфория. Впервые с 1949-го года больше не было комендантского часа, не стало полицейского контроля. По словам Хегеманна, тогда появилась возможность организовать ночную жизнь города.
Димитри Хегеманн исследовал заброшенные места в бывшей пограничной зоне. После объединения Берлина осталось много зданий, которые никому не принадлежали.
«Нам очень повезло найти локацию недалеко от Стены, в самом сердце Берлина. Это здание было в зоне, куда никто не мог заходить, даже с западной части города. Эта местность оставалась нетронутой более 45-ти лет», — рассказывает Димитри Хегеманн.
Толпа возле «Трезора» в 2005 году. фото — The Guardian
Первый техно-клуб Берлина «Трезор» обосновался в подвале бывшего универмага. Там установили звуковую систему, барную стойку и оставили сотни старых сейфов, металлические прутья и стальную входную дверь весом в три тонны.
«Когда мы открылись, клуб был забит с самого первого дня. Казалось случайностью, что это вообще происходит. Хаус не получил такого общественного ажиотажа, но техно людям очень понравилось. Люди хотели танцевать», — говорил Димитри Хегеманн.
Джефф Миллс (слева), Димитри Хегеманн и Лоран Гарнье в «Трезоре», Берлин, 1990е. фото — Hero-magazine
Через несколько месяцев после падения Стены в 1990 году Хегеманн пригласил Миллса в Берлин. В том же году музыкальный коллектив Underground Resistance с участием Миллса выступил в «Трезоре».
Техно восхищало людей, это было что-то совершенно новое. В те времена вечеринки происходили необычным образом. Клуб почти не афишировали, но люди все равно находили его. Внутри было так темно, что не было видно соседей: только тени и свет софитов. «Акустический наркотик» стал тем, что сближало людей. Техно стало символом освобождения, воссоединения и радости от начала новой жизни. Место сыграло важную роль: маленький подвал создавал особую атмосферу. Из-за тесноты пространства у людей появлялось чувство общности.
В 2005 году клуб закрыли. На прощальную вечеринку пришло около 14 тысяч человек. После ее окончания люди выходили в слезах.
Внутри клуба «Трезор», 2021. фото — Mitch Altman
Через два года «Трезор» открылся снова, но уже по другому адресу. Сейчас клуб находится на месте бывшей атомной электростанции. В новое здание перенесли все предметы интерьера из старой локации, кроме металлической двери, которая оказалась неподъемно тяжелой.
Брутализм (от французского béton brut — «необработанный бетон») — архитектурное направление, появившееся в 1950-ые годы. Своей популярностью брутализм обязан Второй мировой войне. Разрушенные войной города надо было восстановить быстро и на ограниченные средства. Новый архитектурный стиль давал сделать и то, и то: основным материалом был недорогой бетон, а полное отсутствие архитектурных изысков и простота форм ускоряла процесс постройки.
Брутализм появился в Великобритании, а широкую популярность получил в основном в странах социалистического лагеря: СССР, Югославии и Чехословакии.
Питер и Элисон Смитсоны
Основоположники стиля — Питер и Элисон Смитсоны, супружеская пара архитекторов из Великобритании. Они стали реформаторами послевоенной британской архитектурной школы.
Массивные конструкции из железобетона и бетона контрастировали с буржуазной архитектурой довоенной эпохи. «Брутализм заставляет чувствовать. Это попытка заставить человека прожить (не обязательно положительный) эстетический, даже художественный опыт: погрузить его в среду, в которой ничего не отвлекает от формы и материала», — говорит искусствовед Ричард Уильямс. Брутализм стал новой архитектурной философией, манифестом гуманизма и символом новой жизни после войны.
Брутализм считается одним из самых неоднозначных архитектурных стилей, вызывая многочисленную критику. Так, например, по словам принца Чарльза, культовое здание национального театра в Лондоне, выполненное в стиле брутализма, напоминает ему атомную электростанцию.
Культовые здания
Робин Гуд Гарденс
Робин Гуд Гарденс. фото —Will of Memory
Робин Гуд Гарденс — это жилой комплекс в Попларе, Лондон, спроектированный в конце 1960-х годов архитекторами Элисон и Питером Смитсонами и завершенный в 1972 году. Проект задумывался как символ британского послевоенного прогресса. Смитсонам было поручено разработать проекты двух отдельных зданий с планами дальнейшего формирования «одной большой связанной жилой группы» в рамках проекта реновации жилой застройки. Сады Робин Гуда стали первым крупным жилищным проектом архитекторов.
Сады построены из панелей сборного железобетона и состоят из двух горизонтальных структур, включающих в общей сложности 213 квартир. Блочные части здания стоят под углом, бетонные «плавники», предназначенные для шумоизоляции, создают ритмическую структуру.
Эскиз проекта Робин Гуд Гарденс
В жилом комплексе используется подход «улиц в небе», который представляет собой ряды приподнятых дорожек. Так создается иллюзия домов с террасами над уровнем улицы. Между двумя частями здания расположен внутренний зеленый двор, который современники Смитсонов называли «зона без стресса».
Санаторий «Курпаты» (ранее — пансионат «Дружба»)
Пансионат «Дружба». Фото — Константин Антипин
В 1980 году руководители профсоюзов СССР и Чехословакии приняли решение о совместном строительстве пансионата «Дружба» в Крыму для трудящихся двух стран.
Проект «Дружба» был своего рода революционным. В архитектуре есть два пути взаимодействия постройки с окружающей природой. Первый — включить объект в ландшафт так, чтобы он соответствовал масштабу окружения. Второй — физически сохранить естественную среду, оторвав объект от поверхности земли. Второй вариант чаще используется в местах со сложными геологическими условиями и рельефом. Так появилась форма «Дружбы», напоминающая летающую тарелку. Несмотря на необычную форму, все части здания несут техническую функцию, нет ничего лишнего.
Пансионат «Дружба». Изображение предоставлено издательством ТАТЛИН
В СССР в связи с увеличением капитального строительства начало бурно развиваться сборное домостроение. Типовые постройки из сборного железобетона были спланированы по одной схеме, возможности проектирования были ограничены.
«Существующие в настоящее время мощные компьютеры позволяют рассчитывать сложные пространственные системы, что ранее было принципиально невозможно. Такой объект, как «Дружба», мог возникнуть только при использовании компьютера», — пишет инженер проекта Нодар Канчели.
Кадр из фильма Resident Evil: Retribution
Здание пансионата попало в фильм Resident Evil: Retribution (2012), где выступило в роли бывшей советской военной базы на Камчатке.
Башня Генекс, Западные ворота Белграда
Башня Генекс. Фото из архива автора
Свое название здание получило благодаря месту строительства — оно буквально «приветствует» тех, кто едет из белградского аэропорта Никола Тесла в центр города. Высота Башни Генекс — 135 метров, что делает ее вторым по высоте зданием сербской столицы.
Небоскреб был проектом известного сербского архитектора Михайло Митровича. Здание принадлежало компании Генекс, обанкротившейся в начале нулевых. С тех пор здание постепенно приходит в негодность, но не перестает привлекать туристов и любителей истории.
Башня Генекс, вид снизу
Две части здания соединены на верхних уровнях двухметровым переходом, там же находится ресторан с панорамным видом на город. Левая башня — жилая, на первом этаже даже есть парикмахерская.
Фрески на жилой части башни. Фото из архива автора
Особенностью стиля Митровича является использование элементов скульптуры и живописи в архитектурных объектах. Фрески признанных художников были размещены на входе в жилую башню. Правая башня полузаброшенная, поэтому можно попасть только в фойе. Дальше — заброшенные офисы, а фасад здания используется для размещения ракетных билбордов.
«Эта башня — символ памяти об этом времени, — рассказывает сербский антрополог Миодгар Симович. – В своем роде Югославия превратилась в миф о Земле обетованной. И это здание — проводник в ту эпоху, которую людям не удалось полноценно прожить».
Закат брутализма
Архитектурный стиль стал терять актуальность в конце 1970-х годов после энергетического кризиса. Монументальные бетонные конструкции перестали быть коммерчески жизнеспособными. Кроме того, многие здания оказались построены некачественно, за 20 лет эксплуатации дефекты стали очевидными. Бетон плохо переносил время, на зданиях быстро появлялись сколы и другие повреждения. Брутализм стал символом упадка и экономических трудностей, что сделало стиль непривлекательным. К тому же началась новая волна критики — архитектуру брутализма называли мрачной, неприветливой, даже нечеловеческой.
К началу 1980-х годов сталь уступил место структурному экспрессионизму и деконструктивизму.
Новая жизнь брутализма
Отель Тиинг, Бали
Экобрутализм — это архитектурный стиль, набирающий популярность благодаря сочетанию бруталистских элементов дизайна и растительности. Это ответ на излишества современной архитектуры и необходимость минимизировать воздействие человека на окружающую среду.
Дом джунглей, Бразилия
Естественный свет и зеленые элементы используются вместе с уже традиционным для брутализма бетоном. Цель — стереть границы между природой и искусственной средой. Включение зелени в архитектурный ансамбль несет не только эстетическую, но и практическую функцию. Растения улучшают качество воздуха, предотвращают перегрев здания и привлекают насекомых-опылителей.
Задача архитекторов и дизайнеров будет заключаться в том, чтобы найти способы создания зданий, которые были бы одновременно эффективными и привлекательными, а также учитывали бы социальные и культурные последствия архитектуры.
UN Парк Апартментс, Перу
Как отмечает архитектор и критик Александра Ланге в статье для The New Yorker: «Потребность в зданиях, способных противостоять стихийным бедствиям, экономить ресурсы и укреплять здоровье, станет только более острой».
14 сентября бренды нижнего белья Victoria’s Secret и Victoria’s Secret Pink, входящие в состав VS&Co, представили первую коллекцию нижнего белья, специально разработанного для женщин с ограниченными возможностями. Коллекция «VS and Pink Adaptive» была создана совместно с компанией GAMUT Management, которая работает с людьми с ограниченными возможностями и представляет их интересы в мире бизнеса и индустрии моды.
Коллекция включает в себя магнитные застежки, а также полностью регулируемые и трансформируемые передние бретели. Главным продуктом стал новый бюстгальтер, который вместо застежки-крючка сзади имеет магниты в центре, что делает процесс одевания более простым. Застежки же для регулировки бретелей стали располагаться спереди, что, по мнению дизайнеров, облегчает доступ к ним.
Модель Киа Мари на презентации новой линейки Victoria’s Secret
Victoria’s Secret и Pink стали первыми брендами, получившими знак одобрения GAMUT за создание инклюзивной3 коллекции. Знак одобрения GAMUT — это единственная сертификация на рынке, которая подтверждает качество выпущенной продукции для людей с ограниченными возможностями.
Ранее компания GAMUT Management также помогла разработать более инклюзивную и адаптированную для покупателей с ограниченными возможностями одежду для таких брендов, как Tommy Hilfiger и Adidas.
Общественная реакция
Бри Скалесс, модель из Нью-Йорка, пользующаяся инвалидной коляской, рассказала Fashionista: «Я уже давно с удовольствием смотрю шоу Victoria’s Secret, но никогда не видела тела, похожего на мое. А затем я узнала, что бренд Victoria’s Secret провел ребрендинг и создал собственную инклюзивную коллекцию — то, о чем я даже и не могла мечтать…»
«Потребительский спрос стал движущей силой перехода в сторону инклюзивности и адаптивной одежды, — отметила в комментарии CNN Кристен Класси-Зуммо, аналитик по швейной промышленности компании Circana. — Примечательно, что рынки детской4 одежды и нижнего белья возглавили это движение и установили высокие стандарты для всего швейного сектора».
Нижнее белье с металлическими застежками (из новой коллекции)
По мнению профессора прикладной психологии Рейчел Роджерс, новая коллекция Victoria’s Secret — необходимый, хотя и запоздалый шаг к инклюзивности. «Проблема заключается в том, каким образом бренд собирается убедить потребителей, что компания действительно проводит изменения и что эти новые ценности — не просто витрина», — заявила она. В целом же, Роджерс отмечает, что создание подобной линейки вписывается в общие тенденции ребрендинга компании Victoria’s Secret, которая за последние годы старается отойти от идеализированного образа женской красоты.
Еще весной 2023 года, когда бренд Victoria’s Secret объявил о готовящемся ребрендинге, певица Лиззо, известная сторонница бодипозитива5, подвергла сомнению искренность преобразований. «Если бренды начинают делать это только потому, что получили обратную реакцию, то что произойдет, когда «тренды» снова изменятся? — написала она в социальной сети X (бывший Twitter6).— Ценят ли руководители этих компаний истинную инклюзивность, или им важны только деньги?»
Компания Victoria’s Secret провела ребрендинг
В 2018 года объем продаж компании составил около 1,8 млрд долл. США, а выручка за последний финансовый год снизилась на 6,5%; при этом чистая прибыль сократилась почти вдвое. В сентябре акции компании достигли исторического минимума, снизившись на 78% по сравнению с 2021 годом.
Victoria’s Secret Fashion Show, 2018 год
В последние годы рейтинги шоу Victoria’s Secret снижались, и в мае генеральный директор компании Лес Векснер сообщил сотрудникам во внутренней служебной записке, что компания «решила переосмыслить традиционный показ мод Victoria’s Secret», пишет Wall Street Journal.
В марте 2023 года стало известно о возобновлении модного шоу Victoria’s Secret Fashion Show после того, как оно было отменено в 2019 году и не проводилось в течение четырех лет.
Общественность считает шаги мировых компаний к инклюзивности недостаточными
Благотворительная организация Leonard Cheshire в 2019 году провела опрос среди людей с ограниченными возможностями на тему их отношения к инклюзивным практикам индустрии моды. Он показал, что три четверти респондентов не удовлетворены уровнем вовлеченности компаний по производству одежды в разработку инклюзивных коллекций.
Всего, по данным Всемирной организации здравоохранения за 2023 год, 1,3 млрд человек имеют инвалидность. Это 16% населения Земли.
Сейчас все модные дома, fashion-издательства и медийные персоны отмечают в своем календаре первый понедельник мая. Это один из главных дней в году для индустрии моды — бал Met Gala. Таким значимым событием он стал недавно, в современной истории. Как же изменился бал за 75 лет существования?
Элеанор Ламберт
Элеанор Ламберт, основательница бала Met Gala
Человек, с которого началась история Met Gala. Элеанор Ламберт работала в рекламном бизнесе в сфере искусства и моды. Ее рекламное агентство курировало Джексона Поллока7, Якова Эпштейна8 и многих других художников. Она возглавляла PR-отдел Музея американского искусства Уитни и впервые, в 1948 году, провела Неделю моды в Нью-Йорке. Тогда же при Метрополитен музее в США открылся Институт костюма. Ему нужно было финансирование, и Элеонор, которая курировала проект, решила провести светский бал. Это помогло и найти средства, и повысить узнаваемость.
Вход на мероприятие был доступен любому желающему: билет можно было купить за 50$, и в его стоимость входила аренда платья из архива Института костюма. Стоит помнить, что бал Met Gala — это не просто вечеринка в стенах музея. Покупая билет, гости фактически финансировали искусство. Хотя тогда экспозиция музея не диктовала дресс-код, ведь даже само мероприятие проходило не в Метрополитен, а в отеле Waldorf Astoria или ресторане Rainbow Room. Тема бала тоже не устанавливалась, так что гости надевали коктейльные платья и black tie. Даже первый майский понедельник еще не стал значимой датой — впервые Met Gala состоялся в декабре, а вообще день проведения мероприятия не был закреплен.
Знаменательным стал бал 1960-ого года — мероприятие наконец-то перенесли в Метрополитен, в Great Hall. Зал не был заставлен экспозицией Института костюма, как нам это сейчас привычно. Его украшали настоящие египетские сфинксы из архива музея.
Диана Вриланд
Диана Вриланд, изменившая репутацию Met Gala в мире моды
Если Элеонор была основательницей классического Met Gala, то Диана Вриланд приблизила бал к тому, каким мы знаем его сейчас. Диана работала в Harper’s Bazaar 25 лет, затем она была главным редактором Vogue US, из которого ее уволили в 1972-ом. И в этом же году, в 69 лет, она стала консультантом Института костюма. Этот отдел Метрополитен музея был одним из самых непопулярных. Ежегодного бала было недостаточно, чтобы привлечь внимание общественности и увеличить количество посетителей. Приглашение Дианы на этот пост должно было исправить положение: она считалась не только одной из самых стильных женщин в Америке, но и смелым новатором в индустрие моды.
Ожидания оправдались. Уже в 1974 году Диана организовала выставку «Мир Баленсиаги», и сделала ее темой Met Gala. Если раньше дресс-код мероприятия был просто парадным, то теперь гостям нужно было подготовиться и выбрать наряд, соответствующий духу и стилю модного дома Balenciaga. Этот бал считается точкой отсчета современной истории бала Института костюма.
Певица Шер на своем дебютном Met Gala в 1974 году
Гостей на Met Gala Диана также подбирала самостоятельно. Актрисы Беринтия и Мариса Беренсон, певица Шер, графиня Жаклин де Рибе точно не случайные посетители — на балу должны были появляться громкие имена, чтобы поднять статус мероприятия до главного модного события в fashion-среде. Пришлось пожертвовать лояльностью простых гостей: на балу больше не было пышного ужина, и творчество Кристобаля Баленсиаги было понятно не всем. Поэтому количество посетителей уменьшилось, но ненадолго.
Met Gala начал задавать тон и определять модные тенденции. В 1976 году темой стал «Дягилев: костюмы и декорации к балетам», на балу Ив-Сен Лоран продемонстрировал новую «Русскую коллекцию», а гости, включая Жаклин Кеннеди-Онассис, появились в пышных меховых шубах. Это ознаменовало возвращение в моду стиля a-la russe. Кстати, есть предположение, что именно Жаклин выдвинула кандидатуру Дианы Вриланд на место консультанта Института костюма.
Нэн Кемпнер и Пэт Бакли
Пэт Бакли, жена американского писателя Кристофера Бакли, уже с 1979 года помогала Диане в организации бала. В ее телефонной книге были Нэнси Рейган, актриса и первая леди США, и Бетси Блумингдейл, светская львица, которые, конечно же, приглашались на Met Gala. Это делало мероприятие более статусным и увеличивало доходы музея.
Когда в 1985 году Диана отошла от дел Института костюма, к организации бала присоединилась Нэн Кемпнер, филантроп и светская львица (хотя она просила называть себя просто домохозяйкой). Про нее Диана Вриланд говорила: «В Америке нет шикарных женщин. Единственное исключение — Нэн Кемпнер».
В это время билет начинает стоить уже 1000$, а в числе гостей появляются не только светские люди, но и представители модных домов — Burberry, Chanel и Versace. Бал института костюма процветает и становится все более пышным, но его всё равно трудно сопоставить с тем Met Gala, который пересоздаст Анна Винтур.
Анна Винтур
Анна Винтур на своем первом Met Gala в 1995 году
К 1995 году, когда Анна начинает организовывать Met Gala, она уже 8 лет была главным редактором Vogue. С ее приходом начинается новая эпоха бала Института костюма. Влияние Анны Винтур буквально отразилось на Института костюма: с 2014 года он носит её имя.
Если Диана Вриланд просто приглашала известных людей на мероприятие, то Анна сама прописывала список гостей и рассаживала их за столики. Билет подорожал до 30 тыс. долларов, и его стоимость даже сейчас продолжает расти.
Дизайнер Александр Макуин с актрисой Сарой Джессикой Паркер на Met Gala 2006 года
Появились новые традиции. Например, выход дизайнера с моделью, которую он одевает — так было в 2006 году с Александром МакКуином и Сарой Джессикой Паркер и в 2009 году с Марком Джейкобсом и Кейт Мосс. На балу в принципе появилось куда больше звезд Голливуда, супермоделей и певцов.
Дженни Ким на Met Gala в 2023 году
За Met Gala теперь следит каждый, кто интересуется модой. Именно здесь определяются траектории развития трендов, решается, какой модный дом и селебрити станут трендсеттерами. В 2023 году это хорошо заметно. K-pop исполнители, к примеру, становятся все более популярными не только в Азии, но и в Америке с Европой, так что приглашение некоторых из них на бал стало очень символичным. Это, наверняка, подняло волну их популярности еще выше, и нам стоит ждать их в качестве амбассадоров еще большего количества модных домов. Так, на балу в этом году появилась Дженни Ким, участница музыкальной группы Blackpink, которая сотрудничает с Chanel. Есть и те бренды, которые в этом году никого на балу не одевали. Например, Saint Laurent и Alaïa пропустили Met Gala, потому что их основатель враждовал с Карлом Лагерфельдом, в честь которого проводился бал.
Подготовка к Met Gala ведется 8 месяцев, так что о следующей теме бала мы узнаем задолго до первого понедельника мая 2024 года.
Альтамира — это пещера, в которой сохранилась наскальная живопись эпохи верхнего палеолита9. Пещера находится в Испании, недалеко от города Сантильяна-дель-Мар. Альтамиру использовали примерно до 12000 г. до н.э., пока вход не был заблокирован оползнем. Последние исследование показали, что рисунки были сделаны в промежутке между 34000 и 23000 г. до н.э.
Открытие пещеры
Вход в пещеру открыл в 1868 году местный охотник Модест Кубильяс Перас. Его собака застряла в скалах, в попытках вызволить животное Модест и обнаружил вход. Он рассказал о пещере графу Марселино Санс де Саутуола, которому принадлежала эта территория. Однако граф посетил Альтамиру только 1879 году вместе с 9-летней дочерью Марией. Именно она увидела рисунки на стене и обратила на них внимание отца, закричав: «Смотри, папа, волы!».
Фотография Марселино Санс де Саутуола
Открытие дочери вдохновило Марселино. Он пригласил археолога Хуана Виланова-и-Пьера. Вместе они провели исследование и отнесли наскальную живопись к эпохе позднего Палеолита. В 1880 году Хуана и Марселино выпустили небольшую брошюру, в которой рассказали про свое открытие и описали рисунки. Однако археологи столкнулись с осуждением со стороны научного сообщества. Другие ученые посчитали, что Марселино сам нанес эти рисунки, и к первобытной эпохе они не имеют никакого отношения. Рисунки в Альтамире цветные, такая живопись воспринималась как фальшивка. Через несколько лет после смерти Марселино, в 1888 году, были открыты похожие рисунки в других местах, которые развеяли сомнения ученого сообщества. В 1902 году Эмиль Картальяк, противник Марселино, написал статью La grotte d’Altamira, Mea culpa d’un sceptique, или «Пещера Альтамира, Моя вина скептика». Эта работа стала фактическим признанием подлинности живописи Альтамиры в науке.
Фотография 8-летней Марии де Саутуола
Строение пещеры
Альтамира стоит особняком среди других пещер на территории. Вход находится на небольшом холме, температура внутри около 14 градусов по Цельсию. Сейчас пещера длиной 270 метров разделена на несколько частей. У входа находится так называемый «вестибюль», затем следует «Большой Зал Полихромов», его протяженность около 18 метров, и в нем расположены 16 четких больших изображений. Цветные рисунки в Большом зале покрывают даже потолок, который называют «Сикстинской капеллой каменного века». Также в Альтамире есть «Большой Зал непонятных рисунков», живопись там не поддается интерпретированию. Далее идут еще 4 зала, в которых находится большое количество маленьких рисунков.
Потолок в Большом зале Альтамиры
Как рисовал первобытный человек и зачем
Первобытные люди выполняли наскальные рисунки в Альтамире, используя древесный уголь, желто-красную охру, гематит 10 и другие натуральные краски. Наносились изображения пальцами, возможно также кусочками кожи или деревянными палочками. Еще в пещере есть много выступов и впадин, которые первобытные художники использовали, чтобы придать рисункам естественный объем. Для изображений в пещере характерны четкие линии и точность, и они представляют собой изображения бизонов, зубров, лошадей, кабанов, отпечатки ладоней и многое другое.
Существует версия, что первобытный человек наносил эти рисунки ввиду религии. Таким образом люди совершали обряды плодородия и хорошей охоты. Некоторые исследователи считают, что объемные рисунки изображают Великую Богиню — божество первобытной религии, которое приносило обилие еды, дарила здоровье и иные земные блага. Подобных антропоморфных 11 рисунков в Альтамире очень много.
Антропоморфное изображение в анфас
В пещере также много геометрических рисунков и других знаков, смысл которых невозможно понять. Исследователи предполагают, что это некое подобие карты, возможно, самой пещеры, чтобы показать другим художникам, где и что нужно рисовать.
Геометрические рисунки в пещере
Неизвестно, какие племена выполняли рисунки в Альтамире, однако изображения точно были созданы первобытными предками. Их познания в живописи заставили ученых в XX веке пересмотреть свои свои взгляды на первобытного человека, который оказался не таким примитивным, каким его считали.
В этом году, 27 марта, режиссеру Квентину Тарантино исполнилось 60 лет. Сейчас он работает над десятым фильмом, который должен стать последним в его фильмографии. Во всех девяти киноработах есть стиль и приемы, по которым мы понимаем: «Это тарантиновский фильм». Разбираем авторские приемы Тарантино-режиссера, актера, сценариста и оператора, которые делают его фильмы узнаваемыми.
Взгляд зрителя
Прежде чем стать режиссером, Тарантино стал профессиональным зрителем. В 16 лет он бросил школу и стал работать в видеоархиве. «Я не ходил в киношколу, я ходил в кино», — говорит Квентин. Все последующие места работы тоже так или иначе были связаны с кино. И в собственных фильмах Тарантино чувствуется его насмотренность. Например, в визуальных цитатах: сцена с пустым коридором из «Бешеных псов» после отрезания уха полицейскому отсылает нас к фрагменту из фильма «Таксист» Мартина Скорсезе.
Фрагмент из фильма «Бешеные псы» Квентина Тарантино
Рассказчик историй
Прежде чем стать режиссером, Тарантино стал сценаристом. Один из первых сценариев он написал для фильма «День рождения моего лучшего друга», который снял его товарищ Роджер Авари. Эта работа не была закончена: часть пленки с видеозаписью сгорела в лаборатории. Еще не раз Тарантино писал сценарии для фильмов, в которых не был режиссером («Настоящая любовь» Тома Скотта, «Прирожденные убийцы» Оливера Стоуна и др). Два «Оскара», два «Золотых глобуса», то есть самые значимые награды в мире кино, он получил именно за работу над сценариями.
В фильмах Тарантино часто замечают нелинейность повествования и живые диалоги героев. Иногда они даже не влияют не движение сюжета — это просто разговоры о жизни и быте. Как, например, разговор Винсента и Джулса в «Криминальном чтиве» про четвертьфунтовый бургер: «”Биг Мак” это “Биг Мак”, только они называют его “Ле Биг Мак”».
Сцена из фильма «Криминальное чтиво» Квентина Тарантино с диалогом Квентина и Джулса
Осторожно, кровь
Еще одна отличительная черта тарантиновских фильмов — неприкрытое насилие. Резня в «Убить Билла» или пытки в «Бешеных псах» нужны не для того, чтобы шокировать зрителя, добавить экшена и просто показать кровь на большом экране. Это не беспричинное насилие, а иллюстрация зла, которое в итоге наказывается. «Насилие в кино — это круто», — говорил Тарантино, но акцентировал внимание на том, что жестокость в жизни не приемлет. А на большом экране — это его киноязык.
Цитаты
Мы уже говорили о насмотренности Тарантино. Это позволяет ему ссылаться на классиков кино и встраивать в свой киноязык отсылки. Например, в эпизоде из «Криминального чтива», когда Бутч едет в машине и видит Марселласа, можно узнать сцену из «Психо» Альфреда Хичкока.
Бутч Куллидж из фильма «Криминальное чтиво» Квентина Тарантино
Мэрион Крэйн из фильма «Психо» Альфреда Хичкока
«Я»
«Великий режиссер должен быть хотя бы хорошим режиссером», — говорил Эндрю Саррис. Тарантино компетентен во всех аспектах кино от сценария до актерской игры. Он сам посещал школу актерского мастерства в юношестве. Хотя Тарантино и не является профессиональным актером, он часто появляется в своих фильмах в камео. И они не всегда так заметны, как в «Криминальном чтиве»: в «Убить Билла» он сыграл одного из 88 ниндзя.
Зимой 2023 года бренд Louis Vuitton представил одну из самых масштабных коллабораций с японской художницей Яёи Кусамой. Дом моды представил не только одежду и аксессуары, но и арт-пространства в своих бутиках, перфомансы и инсталляции по мотивам работ художницы как в реальном мире, так и в диджитал среде. Этот союз вызвал как восхищение продуманностью коллекции и ее презентации, так и осуждения.
Яёи Кусама для коллаборации с Louis Vuitton
Сейчас Яёи Кусаме 93 года, она живет в психиатрической больнице в связи с ментальными расстройствами. Поэтому коллаборация, предполагающая большой объем работы, вызвала беспокойство о здоровье художницы. Louis Vuitton обвинялся критиками в эксплуатации труда Яёи и ложном представлении ее образа. «Команда марки посвятила творческому пути художницы отдельный параграф на сайте, но в нем нет ни одного упоминания об особенностях ментального здоровья Кусамы» — говорит Полина Васильева, которая отвечала за коллаборации с художниками с SimpleWine, Bosco di Ciliegi, «Дом Культур». Под вопросом и художественная ценность предметов, которые получились в результате коллаборации. За паттернами и инсталляциями Яёи Кусамы стоит определенная философия, все ее работы автобиографичны. Наиболее узнаваемый узор-горох, его бесконечное повторение в объектах помогали Кусаме справиться с галлюцинациями и тревожными состояниями. Но Louis Vuitton акцентировал внимание скорее не на репрезентации творческого пути художницы, ее борьбе с ментальным расстройством, а на узнаваемых визуальных образах.
Инсталляция на бутике Louis Vuitton в Елисейских Полях, Франция
Есть и те, кто поддерживают эту коллаборацию и подход Louis Vuitton. Модный дом уделил много внимания продвижению коллекции: фирменные узоры Яёи поместили на фасады бутиков по всему миру, сами магазины стали полномасштабными инсталляции, на первый план поместили фигуру самой художницы. Маркетинг уровня Louis Vuitton позволяет говорить на большую аудиторию и усиливать интерес людей к работам Яёи и к искусству в целом. «Во время моего последнего проекта [с Louis Vuitton] я получила большой отклик от людей со всего мира. В этом проекте я также хотела бы поделиться со всеми своей художественной философией и мыслями» — говорит сама Яёи Кусама в интервью для Tatler Asia. Это подтверждает эффективность и успех коллаборации.
Такого рода сотрудничества с брендами довольно популярны среди художников. Помимо распространения личной философии через свои работы, творцы также повышают и свою узнаваемость. Модные дома стремятся создать инфоповод в медиа, заинтересовать инфлюенсеров, преподнося новые коллекции как произведения искусства. PR для художников очень важен. Это помогает найти новых заказчиков, выйти на связь с галереями и обрести новых поклонников своего творчества. Помимо этого, у творцов появляется возможность воплотить замыслы, которые невозможно было бы осуществить без финансовой поддержки и предоставления платформы брендом. «Для меня это возможность воплотить в жизнь сложные в реализации идеи в присущих моей практике недолговечных материалах. К примеру, скульптурные элементы из мыла и золотой потали, воска и акрилового камня, латуни и жира. В таких проектах я могу выйти на больший масштаб и разработать новую технику исполнения и вижу их как ресурс для эксперимента и творческого роста», — говорит художница Аня Мохова, сотрудничавшая с Shiseido и ателье Playtronica.
Сумка из коллаборации Dior и Recycle Group
Вопрос о том, можно ли назвать такие коллаборации брендов с художниками искусством или нет, решается просто. Если творец остается верен своим принципам и считает свою работу искусством — сложно оспорить наличие художественной ценности в его произведении. «С брендами всегда работали художники, от Сальвадора Дали, который придумал форму чупа-чупса, до других известных художников, которые ничем не хуже и не лучше. Это личный выбор каждого. В нашей концепции, в нашем видении своего творчества и объектов, которые мы делаем, нет никаких противоречий», — объясняет творческое объединение Recycle Group.
Первый том манги Хадзимэ Исаямы«Атака титанов» вышел в 2009 году, и уже в 2013-ом был выпущен первый сезон одноименного аниме. Было издано 32 книги, включая дополнительные эпизоды, а анимационный сериал получил оценку 9 на IMDb и 95% свежести на Rotten Tomatoes. В 2021 году завершилась манга, а дата выхода последнего эпизода сериала назначена на осень 2023 года. «Успех “Атаки” — в умело построенном мире, в загадках и тайнах, на которых построен сюжет, в запоминающихся персонажах и, конечно, в стильном и невероятном экшене», — обосновывает популярность сериала Эдуард Царионов, автор подкаста об аниме «Бака!»
Первый эпизод сериала начинается с вторжения титанов, поедающих людей человекоподобных существ, за стену Мария. Это крепость, защищявшая человечество от нападения монстров на протяжении 100 лет. Она пала, титаны ворвались в город и стали убивать его жителей. Титаны действуют без цели: люди не нужны им для того, чтобы прокормиться и выжить, они не ведомы жаждой мести. Бессмысленность убийств пугает и вызывает множество вопросов. Долгое время загадкой остается мотивация титанов. «И интрига! Она не вымучена, как во многих сериалах, где ты прям чувствуешь, что тебе оставили эту недосказанность в конце серии умышленно. Здесь мы следим за органичным развитием сюжета, которое заставляет тебя после каждой серии думать: “А что же будет дальше?”», — говорит Александр Март, руководитель отдела по работе с пользователями на сайте «Пикабу».
Тэцуро Араки, режиссер аниме «Атака титанов»
«Атака титанов» — аниме-хоррор. Режиссер Тэцуро Араки не стесняется показывать моменты убийства, всегда дает сторонний взгляд, ребенка, товарища или врага, на смерть человека. Это позволяет сохранить психологизм и не уйти в боевик. Мы можем сопереживать как жертве, так и убийце, даже если это титаны. Такая дуалистичность напоминает: в мире «Атаки титанов» отсутствует деление на черное и белое.
Главные герои аниме «Атака титанов»: Микаса Аккерман, Эрен Йегер и Армин Арлерт
Среди пострадавших от титанов оказываются друзья детства — Эрен Йегер, Микаса Аккерман и Армин Арлерт. Микаса была сиротой к моменту начала сериала, Эрен и Армин потеряли семью во время катастрофы. В Йегере эти события укрепили ненависть к титанам, желание истребить их. Это побуждает его вступить в разведывательный корпус — часть военной системы, которая отвечает за борьбу с титанами и их изучение. Друзья Эрена следуют за ним. Желание идти за товарищем и защищать его сохранится до последнего сезона, но будет трансформироваться.
История преимущественно сконцентрирована на судьбе этих трех персонажей, но аниме вовсе не о героическом спасении мира и возмездии. Большое внимание уделяется конфликтам внутри общества. Даже при наличии внешнего врага, титанов, люди не перестают враждовать между собой. Это проявляется в устройстве страны Парадиз, где и происходят сюжетные события. Она состоит из трех стен: Мария, самая крайняя, Роза, средняя, и Сина, отделяющая центр и правящие элиты от остальных жителей. Система порождает социальное неравенство, расслоение населения и бюрократию. По форме она похожа на ограниченную монархию: король во главе, влиятельная церковь с армией религиозных фанатиков и мощный военный аппарат.
Крепость Парадиза: стены Мария, Роза и Сина
После падения стены Мария и угрозы атаки титанами стены Роза система начинает давать сбои и рушиться. Государство становится более милитаристским, население сдерживается пропагандой: существует единое прогосударственное СМИ, которое не допускает распространения статистики о количестве убитых монстрами и информации с фронта. Оно утверждает, что борьба с титанами успешна, и скоро захваченные территории будут возвращены. Это, конечно, не соответствует реальности.
Эрен Йегер в обличии титана
Поворотной точкой для сюжета стал тот факт, что у главного героя, Эрена Йгера, обнаружилась способность превращаться в титана. Не в бессознательное существо, а человека, который управляет 15 метровым гигантом. Загадка титанов и возможности человечества одержать над ними победу становится еще более актуальной. Помимо Эрена, который в обличии монстра продолжает бороться за освобождение людей, есть другие сознательные титаны. Они настроены против жителей Парадиза и истребляют их. Этими титанами оказываются Райнер Браун, Энни Леонхарт и Бертольт Грувер — товарищи Эрена, Микасыи Армина, которые несколько лет жили, учились и бились бок о бок с ними. Выясняется, что они работали под прикрытием и в обличии титанов убивали жителей Парадиза, в том числе и друзей. При этом отсутствие грани между «своими» и «чужими» вызывает противоречивые эмоции у «предателей». Райнер Браун, к примеру, не может вынести то, что ему пришлось убить своего друга — это приводит героя к депрессии и попыткам самоубийства. Можно предположить, что герой пережил посттравматическое стрессовое расстройство, вызванное участием в военных действий и утратой близких.
Райнера, Энни, Бертольта нельзя назвать главными антагонистами — это становится ясно, когда открывается другая сюжетная линия.
Жители Парадиза считали, что уже более 100 лет они являются единственными выжившими людьми на Земле после атаки титанов. Это ложь, внушенная людям правительством с помощью силы разумных титанов, управляемых людьми. За стенами Парадиза (который оказывается островным государством) есть другой мир, где люди продолжали развиваться и все это время питали ненависть к живущим за стенами «демонам Парадиза». Жители острова, эльдийцы по национальности — единственные, кто умеют управлять разумными титанами. Их считают виновниками в бедах, которые приносили человекоподобные существа раньше. Титаны были оружием в руках эльдийцев долгие годы: помогали отвоевывать территории, добывать ресурсы, вести войны и порабощать другие народы. Один из королей Эльдии решил отойти от использования насильственных, милитаристских политических инструментов: он отказался от возможности использовать силу человекоподобных существ. Эльдийский правитель и его народ ушли в добровольное изгнание на остров Парадиз, чтобы избежать ненависти и мести со стороны остального населения Земли. Здесь и разворачиваются события аниме. Не все эльдийцы согласились покинуть свой дом и остались на материке, в стране Марлия. Они ограничены в правах, проживают в гетто и вынуждены нести военную службу. К ним и принадлежат Райнер, Энни и Бертольт, которые как военные марлии, обладающие силой разумных титанов, были засланы на Парадиз с целью уничтожить его жителей изнутри.
Архивная фотография нападения на Перл-Харбор, 1941 год
В процессе повествования происходит множество пересечений с реальной мировой историей. Военные действия между марлийцами, элдийцами и представителями других народов сравниваются с Первой и Второй Мировыми войнами. Конкретная битва в 4 сезоне аниме является аллюзией на атаку на Перл-Харбор, бомбардировки острова Парадиз — сбросом атомных бомб на Хиросиму и Нагасаки. У переселения эльдийцев на остров Парадиз так же есть своего рода «прототип» — план «Мадагаскар», предложенный британцем Паулем ла Гардом в 1885 году. Под ним подразумевалось принудительное переселение европейских евреев на остров Мадагаскар. Эти антисемитские идеи были отвергнуты, но стали вновь актуальны в фашистский германии ХХ-ого века. Также в аниме акцентируется внимание на том, что нынешние жители материка уже не помнят, кто на самом деле начал войну, что является истинной причиной ненависти к эльдийцам. Такой феномен в реальности получил название «фальсификация истории». Он получил наибольшее распространение в Средние века. Когда доступ к источникам информации закрыт намеренно или утерян, возникает опасность в искажении фактов. Или намеренной их подмене.
Эти параллели напоминают: сериал повествует не о героическом сражении подростков с абстрактным врагом и их желании достичь мира во всем мире. Проблемы реальны и актуальны в текущей мировой ситуации. Даже пацифистские идеи Эрена и желание прийти к свободе подвергаются деформации. Он, обладая памятью предков, видит цикличность войн и взаимной ненависти людей разных народов друг к другу. Он думает, что только геноцид может привести к миру и освобождению его народа, эльдийцев, от гнета.
Осуществления плана Эрена Йегера по уничтожению большей части населения Земли
Продуманность сюжета, мотивировок героев, красочность истории делает «Атаку титанов» современной классикой. Аниме ставит под сомнение общепринятые концепты правды и мира. Парадоксально, но желание достичь этих добродетелей в итоге приводит главного героя к мысли об истреблении всего человечества.
Люди по-разному реагируют на антропогенные12 и природные катастрофы. Основное отличие в том, насколько глубоко проникает страх и отпечатывается травматический опыт, на сколько лет затягивается рефлексия13. После цунами или землетрясения тоже гибнут люди, разрушаются дома, но после окончания стихийного бедствия можно сразу приступать к восстановлению. Техногенные катастрофы чаще всего оставляют след в виде радиоактивного или токсического загрязнения, нарушая жизнедеятельность на десятки лет. Так возникает коллективный страх, ведь люди не могут назвать произошедшее случайностью или Божьей волей, они ждут неизбежного повторения катастрофы.
О коллективной травме
Коллективный страх — симптом такого явления, как «коллективная травма». Ее особенность в том, что она может распространятся на целую нацию и несколько поколений, даже когда последствия самой катастрофы преодолены. Страх передается сквозь поколения. Так, художник Такаси Мураками рассказывает, как учителя в школьные годы предостерегали его: «Осторожнее, дождь может быть опасным. Осадки смешаны с радиоактивным пеплом. Берегитесь, иначе выпадут волосы».
В случае антропогенных бедствий возникает дискуссия об ответственности и о вине. Извержение вулкана или торнадо неизбежно, над ним не властны ни ученые, ни правители, ни уж тем более обыватели. Однако в техногенных катастрофах чаще всего ищут и находят виноватых, то есть происходит стигматизация. После аварии на «Фукусиме-1»14, которая, между прочим, произошла вследствие землетрясения, крайними стали работники станции, которые, на самом деле, боролись с ликвидацией последствий.
Кадр с изображением последствий землетрясения из аниме-сериала «2020: Гибель дракона»
Выход страха
Наиболее приемлемой и точной формой для рефлексии национальной травмы японцев оказалась анимация. Поражение во Второй мировой и чувство вины, связанное с ним, Хиросима и Нагасаки15, авария на «Фукусиме-1» — центральные события, которые требовали рефлексии и стали основой для аниме. Сериал 1958 года, который создал паттерны16 жанра, в переводе на русский называется «Могучий Атом»17, отсылая к атомной бомбардировке Хиросимы и Нагасаки. Научно-фантастическая направленность была выбрана создателем Осамой Тэдзукой не случайно, ведь в конце 50-х все в стране говорили об опасности ядерной энергии. Тем не менее автор был уверен, что может существовать мирный атом, поэтому главный герой сериала Атом — спаситель обездоленных и борец с несправедливостью.
Постер аниме-сериала «Могучий Атом»
Вторжение США в Японию в 1945-м разрушило более чем тысячелетнюю традицию милитаризма, а также национального превосходства. В общем, тэнноизма — философии о непобедимой стране богов Японии. Многие политические деятели и обычные граждане свели счеты с жизнью после поражения во Второй мировой, а коллективистская ментальность японцев оказалась в кризисе.
Демонстрация ужаса
Выходившая на экраны с 1982 года лента «Босоногий Гэн» обращалась к травматичному эпизоду бомбардировки Хиросимы и Нагасаки напрямую. Серия рассказывает о жизни семьи мальчика Гэна после трагедии 6 августа 1945-го. Манга, на которой основаны анимационные фильмы, на несколько лет была включена в школьную программу в качестве курса по «обучению миру», хотя и встречала обвинения в однобокости. Действительно, автор вложил в историю недвусмысленный посыл о том, что в ужасах войны и последствиях бомбардировки виноват японский милитаризм и национализм. Но финал картины — не обвинительный приговор, а скорее объяснение, почему трагедия никогда не должна повториться. «Босоногий Гэн» был первым аниме о войне и стал своеобразным стандартом натуралистичности, с которой изображают последствия использования ядерного оружия в последующих аниме-сериалах и полнометражных лентах.
Ужасающие сцены из аниме «Босоногий Гэн»
Теории о конце света
Несмотря на обеспеченное продажей товаров, произведенных с помощью передовых технологий, экономическое процветание Японии в 60-х, появлялись сомнения в непогрешимости научно-технического прогресса. В аниме появлялся новый лейтмотив, связанный с неизбежным наступлением конца света. Помимо ядерных катастроф, авторы начали обращаться к сюжетам вроде ушедшей под воду Атлантиды, пророча Японии гибель от затопления. Идея Апокалипсиса транслировалась, к примеру, в аниме «Великая война с Гэммой», где ясновидящие коллективными усилиями боролись против приближающегося конца света.
Идеи о постъядерном мире
Некоторые авторы, берущиеся за сюжеты о ядерной энергии, рассуждают о том, что будет после ядерного взрыва, превратившего планету в выжженную пустыню. Так, лента «Кулак Северной звезды» показывает жизнь выживших в результате атомной войны. Этот мир лишен всех привычных институтов и социальных норм, которые роднили бы его с реальным обществом Японии, будто предостерегая человечество от использования атома не в мирных целях.
Образ взрыва
Взрыв из манги «Акира»
Одним из часто встречающихся мотивов в аниме-сериалах, даже напрямую не связанных с военной тематикой или рассуждениями о ядерной катастрофе, является некий уничтожительный взрыв. Так, в ленте «Акира» (1988) действие начинается со взрыва неизвестной природы, который приводит в Третьей мировой, но идея ленты при этом не антимилитаристская, ведь эта энергия может открыть необыкновенные способности человека, не только вызвать тотальную гибель.
Подобный образ появляется и в завязке аниме-сериала «Евангелион», созданного в 1995 году. В результате «Второго удара», взрыва в районе Антарктиды, мир был частично уничтожен. Герои, жители Токио, поколениями живут в страхе, что это повторится, а работники корпорации NERV пытаются предотвратить это, хотя происхождение удара не так очевидно. Возможно, сюжет «Евангелиона» основан не только на трагедии Хиросимы и Нагасаки, но и на событиях бомбардировки Токио.
«Второй удар» в аниме «Евангелион»
Если в 80-х создатели «Босоногого Гэна» обвиняли японское правительство в национализме, то с наступлением нового столетия, принесшего человечеству опыт трагедии 11 сентября 2001 года, техногенная катастрофа стала наднациональным и объединяющим явлением. Война и ядерное оружие стали скорее фоном для развития других тем, хотя порой появляются аниме-переосмысления событий Перл-Харбора18, Хиросимы и Нагасаки и «Фукусимы-1».
